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MONTEVIDEO. Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo” BIENALSUR. Centro Cultural de España

23 agosto - 13 noviembre, 2017

La artista visual y productora cultural española Regina de Miguel, presenta “Una historia nunca contada desde abajo”. A partir de la historia de esta Máquina de la Libertad, que proponía “entregar las herramientas de la ciencia al pueblo”, y otros escenarios paradigmáticos ligados a la noción de desaparición y conocimiento soterrado, se plantea una narrativa fílmica, dividida en actos, entre el documental histórico, la ciencia / política ficción y el retrato psicológico.

“Una historia nunca contada desde abajo”, toma como punto de partida uno de los casos más insólitos y radicales en la historia de las tecnologías de la comunicación recientes: el proyecto Cybersyn o Synco. Este proyecto, dirigido por el visionario cibernético Stafford Beer, tuvo lugar en Chile entre 1971 y 1973 durante el gobierno del presidente Salvador Allende, quedando frustrado debido al golpe de estado liderado por Augusto Pinochet.

Las utopías, aun las más revolucionarias, siempre evidencian los fallos sistemáticos del momento en el que fueron formuladas; este ensayo audiovisual se sitúa en este cruce tratando de pensar qué hay detrás de los usos positivistas y generalizados de las tecnologías, mostrando las condiciones que en este caso las propiciaron y más tarde anularon. Como una máquina narrativa atemporal nos sitúa en la disolución de la distancia entre humanidad y tecnología adentrándose en las fisuras que esto produce.

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur busca impactar fuertemente en la escena artística y cultural regional y global. Esta Bienal está pensada, en su primera edición, con las capitales sudamericanas como epicentro. Además, trabaja en colaboración con las ciudades de Tucumán, Córdoba, San Juan, Montevideo, Asunción, Bogotá, Lima, San Pablo, Santiago de Chile, Valparaíso, Río de Janeiro, Quito, Cali, Caracas. BIENALSUR es un evento de carácter bianual, que se desarrolla a lo largo de 2016 y 2017, organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina) que se desarrollará en diversas ciudades. (Bienalsur press-release)

Centro Cultural España. Rincón 629, Montevideo, Uruguay

http://bienalsur.org/es  http://www.reginademiguel.net

http://www.cce.org.uy

Imagen: Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo”

MADRID. Lisette Pons “Culturas que desaparecen. Fotografía y Evolución como memoria de tiempo” Museo Nacional de Ciencias Naturales

hasta el 3 de septiembre de 2017

..."Quise quedarme a vivir en aquellas tierras donde en la inmensidad de su grandeza, conocí el sonido de la Paz.Regresé y regresé de nuevo"...Lisette Pons

La fotógrafa Lisette Pons (Barcelona 1955) presenta en el MNCN una obra en la que analiza la problemática de continuidad del Gran Elefante Africano y de la Cultura Masái. Tras un profundo trabajo de silencio y reflexión, cuestiona la "Evolución".

El elefante, "un ejemplo de perseverancia incansable y voluntad eterna". La tribu Masái, "valores ancestrales que nos igualan a todos".

Con su obra y revelando en el laboratorio, viaja en el espacio y en el tiempo, y constantemente presencia "la fragilidad de la memoria". Sin renunciar a las ventajas de la tecnología digital, nos muestra su largo camino con la fotografía.

Esta exposición nos invita a disfrutar del resultado de la propia evolución personal y profesional de Lisette Pons quien, en su búsqueda incansable, lleva su fotografía un paso más allá, innovando con procedimientos y materiales.

 Una exposición donde la ciencia y el arte, de la mano, muestran un recorrido estético al servicio del conocimiento. (MNCN press-release)

Museo Nacional de Ciencias Naturales. José Gutiérrez Abascal, 2. 28006, Madrid (España)

http://www.mncn.csic.es  http://www.lisettepons.com

Imagen: Lisette Pons. 

LIMA. Ángel Marcos“Alrededor del sueño 6 – Vaticano” Enlace Arte Contemporáneo

9 agosto – 16 septiembre, 2017

La muestra que Ángel Marcos presenta en Lima está conformada por un conjunto de 17 fotografías de mediano y grandes formatos. En el año 2001 casi al mismo tiempo del atentado a las Torres Gemelas de New York, Ángel Marcos empezaba en esta ciudad un proyecto que ha ido sumando lugares, generando un cuerpo de trabajo reconocible, calculado y a la vez emocional. Este proyecto llamado genéricamente “Alrededor del sueño” aglutina un hacer fotográfico en diferentes ciudades del mundo ( New York, Cuba, China, Madrid, Barcelona) y el último trabajo que se presenta por primera vez en la Galería Enlace Arte Contemporáneo: Vaticano. Considerando el Vaticano una Ciudad-Estado, Ángel Marcos ha trabajado como en todo el proyecto Alrededor del sueño desde diferentes miradas para mostrarnos el “Poder”. En este trabajo El Poder se manifiesta en su estado más puro, ya que a través de las fotografías de los espacios públicos de dicha ciudad se dejan entrever los secretos económicos y religiosos que encierra, a la vez que la religión, como catalizadora y generadora de deseos y esperanzas en nuestra sociedad, se sitúa en el trabajo de Ángel Marcos como un sueño dirigido para lograr bienestar. El autor, usando la fotografía como técnica principal de expresión artística, nos sitúa delante de lo cotidiano haciéndonos reflexionar sobre nuestra propia condición. Estas imágenes nos invitan a disfrutar en una primera mirada, luego el espectador se sentirá sumergido en una especie de interés inquietante. Sus obras cargadas de un gran atractivo plástico, nos devolverán al mundo con una realidad crítica poco común.

El artista desarrolla su trabajo sobre proyectos concretos que sirven de enfoque subjetivo para la acción fotográfica. Tal es el caso de Paisajes (1997), Los bienaventurados (1997), La Chute (2000), Alrededor del sueño (2001-2017), (New York, En Cuba, China, Madrid, Barcelona, Rastros (2003), La mar negra (2007), Un coup de dès (2008). Rabo de Lagartija (2010), La mirada blanca (2010), La mirada oculta (2011) o La subversión íntima, que se presentó en la pasada 55º edición de la Bienal de Venecia o su último proyecto, Vaticano Todos estos proyectos se han mostrado en exposiciones individuales y colectivas en numerosas instituciones nacionales, internacionales y galerías privadas. Las obras de Ángel Marcos se encuentran en reconocidas colecciones y museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria-Gazteiz), MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León), Museo Patio Herreriano (Valladolid), Naples Museum of Art (Florida, EE.UU.), F.N.A.C., Fonds National d’Art Contemporain y la Maison Européenne de la Photographie, París, la colección Margulies en Miami o la Fundación Tishman Speyer Rockefeller Center, (Nueva York) entre otros. A publicado numerosos libros y catálogos como: Viaje por el teatro Calderón, Paisajes, Los bienaventurados, Obras Póstumas, El deseo del otro, Alrededor del sueño, En Cuba, Plaza Mayor, espacio y representación, China, Metoikesis, Coup de Parole, Un coup de dés, Desiderátum, Escenarios para el vacío, Rabo de lagartija, The Intimate Subversion o Alrededor del sueño. Madrid. (Enlace Arte Contemporáneo press-release)

Enlace Arte Contemporáneo. Av. Camino Real 1123 San Isidro, Lima 27 - Perú

http://www.enlaceart.com  http://angelmarcos.com

Imagen: El Vaticano 2. Ángel Marcos 

BUENOS AIRES. Alberto García Alix “De donde no se vuelve” FoLA. Fototeca Latinoamericana

23 agosto – 12 noviembre, 2017

En De donde no se vuelve, una propuesta recientemente creada, García Álix realiza un viaje entre el presente y el pasado de su obra y por tanto de su propia biografía. Un viaje al recuerdo, un “monologo infinito” mediante el cual nos muestra su lado más íntimo y poético. La esencia del proyecto se fundamenta en la obra audiovisual del mismo nombre. El fotógrafo reflexiona a través de su propia voz, desde un presente subjetivo acerca de su pasado y su fotografía.

PHotoEspaña celebra su 20º aniversario y a la edición en España se suma una especial en Argentina en la que habrá exposiciones, visionado de portfolios, charlas y talleres.
El Festival forma parte de un mundo cambiante: en estos 20 años la fotografía ha tenido un enorme desarrollo. Además, el mundo digital ha dado una nueva dimensión tanto al arte como a la forma de comunicarlo y de presentarse en la sociedad.
PHotoEspaña mira al pasado, al presente y a lo que se perfila como el futuro. Lo nacional en continua convivencia con lo internacional. Nombres totalmente consagrados junto con otros hasta ahora desconocidos. Una suma de puntos de vista que, desde cada uno de ellos en particular, aporta una visión, una versión del Festival única, diferente y nueva. 

La trayectoria de Alberto García Álix (León, 1956) ha sido reconocida con diversos galardones, como el Premio Nacional de Fotografía (1999). Estuvo muy ligado a la “movida madrileña”; de la que dejó imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural. Su especialidad son los retratos en blanco y negro. García Álix comenzó la carrera de Imagen en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, pero la abandona al considerarla excesivamente teórica. Ha sido un autodidacta y trabajó en el mundo del cine antes de hacerlo como fotógrafo y de colaborar con diferentes medios, como el diario “El País”. Su primera exposición individual la realizó en Madrid, en la galería Moriarty, con lo que consiguió participar en numerosas muestras. Su especialidad son los retratos y es considerado un fotógrafo duro, obsesionado en perseguir la realidad. Busca la sencillez a través de un plano frontal muy directo, no le gusta la sofisticación ni el trucaje y le obsesiona la pureza en el revelado en blanco y negro. A lo largo de su carrera ha recibido multitud de premios, entre ellos: Premio Nacional de Fotografía (1999). Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria en fotografía (2003), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2004), Premio PHotoEspaña (2012), Caballero de las Artes y las Letras de Francia.  (AECID press-release)

 FoLA. Fototeca Latinoamericana, Godoy Cruz 2626 2626 – Distrito Arcos (Palermo) Buenos Aires

Imagen: Alberto García Alix

http://www.albertogarciaalix.com  http://fola.com.ar  

DALLAS. “Picasso / Rivera: Naturaleza Muerta y Forma Precedente " Meadows Museum

6 agosto – 5 noviembre, 2017


Un grupo de cuatro pinturas y una grabado explora la historia de la rivalidad enérgica y del diálogo visual que entre estos artistas en 1915.
Picasso / Rivera: naturaleza muerta y la precedencia de la forma, explora la historia de la rivalidad enérgica entre Picasso y Rivera a través de la lente de las obras seleccionadas, notablemente la naturaleza muerta de Picasso en un paisaje (1915) de la colección del museo Meadows, La vida inmóvil de Rivera con el tazón de fuente gris (biblioteca presidencial de Lyndon Baines Johnson, Austin), pintada en el mismo año. Junto con una obra clave de cada artista generosamente prestadas por el Museo de Arte de Colón, este grupo de pinturas esboza el diálogo visual que tuvo lugar en 1915 entre estos dos gigantes del arte moderno.
Más allá de las ricas anécdotas sobre la relación de los dos artistas, este conjunto de pinturas ofrece la oportunidad de encontrar paralelos y desviaciones entre estos lienzos. A pesar de los recursos limitados de la guerra, 1914-15 demostró ser una era fecunda de la creatividad para Picasso y Rivera (Meadows Museum Press-release)

Meadows Museum, 5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205

https://meadowsmuseumdallas.org

Imagen: Pablo Picasso (1881-1973), Naturaleza muerta en un paisaje, 1915. 

GUATEMALA. “Presentes: autoras de tebeo de ayer y hoy” Centro Cultural de España

2 agosto – 16 octubre, 2017

52 autoras españolas de cómic dialogan en la exposición Presentes: autoras de tebeo de ayer y de hoy, organizada y producida por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) en coordinación con el Colectivo Autoras de Cómic (España).

Genealogía del cómic hecho por mujeres, Presentes: autoras de tebeo de ayer y hoy se estructura como una suma de diálogos intergeneracionales y temáticos, en los que las obras de las historietistas conversan sobre el antes y el ahora, tanto de la sociedad española como del propio cómic.

El relato propuesto en la muestra busca así revelar a algunas de las historietistas españolas más relevantes y algunas de las herederas; históricas, veteranas y promesas, cuyas obras reflejan un panorama social en permanente evolución desde principios del siglo XX, y demuestran que la ficción del cómic realidad puede cambiar una realidad.

Los 25 diálogos se estructuran en torno a cinco ejes temáticos que dan cuenta de las transformaciones acaecidas en la sociedad española, al tiempo que invitan a reflexionar sobre el verdadero calado de esas evoluciones en el espacio simbólico; en la configuración de género desde la que han creado las propias autoras; en sus percepciones de sí mismas; en una profesión tradicionalmente masculina; y en la mayor visibilidad de sus obras, entre otras cuestiones.

Presentes: autoras de tebeo de ayer y hoy propone un debate importante y necesario acerca del lugar de las mujeres en el cómic, el papel que han desempeñado y desempeñan hoy.

Las 52 autoras son Lola Anglada, Piti Bartolozzi, Mercè Llimona, Trini Tinturé, Rosa Galcerán, María Pascual, Gemma Sales, Carme Barbará, Consol Escarrá, Isabel Bas Amat, Purita Campos, Núria Pompeia, Montse Clavé, Mariel Soria, Marika Vila, Laura Pérez Vernetti, Marta Guerrero, Ana Miralles, Ana Juan, María Colino, Sandra Uve, Emma Ríos, Olga Carmona, Raquel Gu, Carla Berrocal, Cristina Bueno, Raquel Alzate, Sonia Pulido, Antonia Santolaya, Studio Kôsen, Clara-Tanit Arqué, Lola Lorente, Cristina Durán, Susanna Martín, Natacha Bustos, Ana Galvañ, Miriam Persand, Mireia Pérez, Clara Soriano, Moderna de Pueblo, Maria Llovet, Isa Ibaibarriaga, Conxita Herrero, Laura y Carmen Pacheco, Belén Ortega, Irene Roga, Meritxell Bosch, Ana Oncina, Xulia Vicente, Núria Tamarit

El Colectivo de Autoras de Cómic surgió ante la necesidad de nuclear los esfuerzos de todas las autoras (y autores) que luchan por la igualdad real y efectiva en el mercado de la historieta, tradicionalmente dominado por el hombre. Su principal objetivo es hacer de este mercado un espacio donde se reconozca a las historietistas por su trabajo y sus méritos; hacer del mundo de la viñeta un ecosistema más justo.

Entre sus principales líneas de trabajo destaca la dedicada a recuperar las obras de aquellas autoras que han sido injustamente olvidadas, viéndose privadas de un merecido reconocimiento. Comisarias: Carla Berrocal y Elisa McCausland (España) Proyecto museográfico y diseño expositivo: Enrique Bordes (España) (AECID press-release)

Centro Cultural de España. Edificio LUX, 2do. Nivel,, 6A Avenida 11-02, Guatemala

http://cceguatemala.org    Colectivo de Autoras de Cómic

 

Imagen: Ilustración Colectivo Autoras de Cómic

 

BERLIN. Francesc Abad “Estrategias de la precariedad “ Kunstverein Tiergarten

11 agosto - 16 septiembre, 2017

Estrategias de la precariedad es una exposición que pretende configurarse como un epilogo de la trayectoria artística de Francesc Abad (Terrassa, 1944), de manera que traza un recorrido por sus últimos trabajos, buena parte de los cuales se muestran por primera vez en público. En este sentido, el proyecto expositivo se articula a través de cuatro ejes de investigación estética.
Por un lado, Francesc Abad presenta una selección de Els Diaris del Pensar, un work in progress, que inició hace años y a través del cual centra su mirada enlos acontecimientos históricos del pasado más reciente. Por otro lado y enlazando con estas dos líneas de investigación, es decir con la recuperación histórica del pasado y la relectura constante de los tiempos contemporáneos. Abad ha focalizado parte de sus intereses en profundizar en el concepto de utopía y, más concretamente, en las teorías de Ernst Bloch. Así, una de las cuestiones centrales que preocupan al artista reside precisamente en preguntarse sobre la vigencia de la utopía en la actualidad, teniendo en cuenta que vivimos sumergidos en un sistema político-económico que niega todo aquello que nos hace humanos y que acaba incluso por anular nuestros sueños.  
Por último, en Les nòmines, Francesc Abad indaga sobre lo que implica el término "asalariado", en el contexto del ámbito de la creación. En un momento en que la productividad está estrechamente ligada a los beneficios económicos, el artista reivindica la importancia de la "inutilidad" y del subalterno como sujeto que vive al margen de los dictámenes economicistas que marcan el ritmo de nuestro tiempo.
La exposición nace de la voluntad de buscar otras formas de clasificar y comprender la realidad. Se trata de una especie de cuaderno de bitácora a contrapelo de nuestros tiempos. Podríamos definir la exposición como una travesía ensayística, tan propia de la trayectoria de Francesc Abad, que navega transversalmente entre la experiencia vivida y la herencia de un pasado colectivo. (AC/E press-release)

Kunstverein Tiergarten Turmstraße 75 EG . 10551 Berlin 

http://www.kunstverein-tiergarten.de  http://www.francescabad.com

Imagen: Francesc Abad “Estrategias de la precariedad “

METZ. Daniel Steegmann Mangrané “Jardín Infinito, De Giverny a la Amazonia” Centro Pompidou

hasta el 28 de agosto de 2017

La exposición “Jardín Infinito, De Giverny a la Amazonia” representa la naturaleza en la perspectiva de una primavera metafórica. La germinación, el florecimiento y la degeneración sugieren los ciclos de la Tierra, donde la parada del invierno es la promesa de las futuras revoluciones.

Tierra fértil de formas, el jardín inspira a los artistas con morfologías y metamorfosis fantásticas revelando la inteligencia de un mundo no humano. Las exploraciones de la Tierra conducen a los extremos de la naturaleza conocida hacia territorios vírgenes que se convierten en nuevas reservas de formas y motivos. Así, fantaseando la naturaleza exótica, Dominique González-Foerster crea un diorama tropical, Mangrovama, 2017, proliferante jardín-biblioteca en línea con una serie de instalaciones inspiradas en los dispositivos de un ilusionista del siglo XIX. El brasileño Ernesto Neto toma el Foro del Centro Pompidou-Metz con una escultura monumental, Leviathan-Main-Toth (2005), cuyas membranas toman la forma de un paisaje biológico en una escala constructiva.

El jardín es también el lugar de la bifurcación genética que altera los determinismos a favor de la evolución. Claude Monet crea híbridos y obtiene plantas de todo el mundo, provocando la ira de los agricultores locales que temen el envenenamiento por estas flores extranjeras. Un siglo después, Pierre Huyghe crea "condensados ​​de Giverny" en Nymphéas Transplant (14-18), 2014, un acuario climatizado. Si la aclimatación despierta la curiosidad de los naturalistas, también sirve el interés de un "botánico de poder", trabajando en la colonización y luego en la erradicación de "plagas verdes". Más allá del exotismo, las alternativas tropicales y biomórficas de Roberto Burle-Marx o Lina Bo Bardi en América Latina y en Brasil revivifican el funcionalismo de la modernidad europea.

En un momento de intenso entremezclado, crisol y fenómenos migratorios que reconfiguran constantemente la biodiversidad, es necesario revalorizar la valla original del jardín, ya sea material o conceptual. La exposición saca el jardín de sí mismo, va más allá de la dialéctica que Michel Foucault había articulado durante su conferencia "De Otros Espacios" en 1967, su heterotípica definición del jardín como "la parcela más pequeña del mundo" y como "la totalidad del mundo."

Para el jardín infinito, Daniel Steegmann Mangrané ha creado un paisaje en dos plantas del museo, abarcando las obras de Dominique González-Foerster (Mangrovama, 2017), Pierre Huyghe (Trasplante de Nymphéas (14-18), 2014) y Philippe Parreno La serie CHZ, 2011), entre otros, en un entorno integral. La arquitectura de la exposición rompe con los habituales códigos de espacio neutro del museo para convertirse en un vasto jardín, donde el visitante está invitado a pasear por cortinas metálicas curvas, mientras que la alfombra de paja que cubre el segundo piso sutilmente aumenta la altura de un extremo a otro.

Imaginada como un territorio sin fronteras, la exposición se expande a la ciudad de Metz a través de diferentes jardines creados por los artistas Peter Hutchinson, François Martig y Loïs Weinberger. (Centre Pompidou press-release)

Centre Pompidou-Metz 1, parvis des Droits-de-l’Homme. 57020 Metz

http://www.centrepompidou-metz.fr  http://www.danielsteegmann.info

Imagen: “Infinite Garden, From Giverny to Amazonia” Centre Pompidou-Metz

MADRID. Susy Gómez “El baile de la vida” Estudios.Tabacalera

14 julio – 3 septiembre 2017

El baile de la vida es una exposición que se concibe como un diálogo entre el espacio y las preocupaciones sustanciales de la artista Susy Gómez, sobre todo las planteadas por su búsqueda de la estructura vital de la persona frente a las circunstancias y frente a la realidad proyectiva.

Susy Gómez nació en Pollença en 1964. Estudió Bellas Artes en Barcelona. Su exposición en la Fundació Miró de Barcelona en 1993, supuso el inicio de una trayectoria ascendente y muy destacada dentro del escenario generacional al que pertenecía. En 1995 se integró en el Salón de los 16 y su obra pudo verse en la Whitechapel de Londres, a lo que siguieron numerosas exposiciones dentro y fuera de España. En 1999-2000 realiza la primera exposición en el IVAM de Valencia, comisariada por Enrique Juncosa. La exposición se titulaba “Algunas cosas que llamaba mías” y en ella se percibía su clara adscripción a los lenguajes internacionales, postminimalistas y postconceptuales, exploradores y analíticos del proceso creador y su plasticidad a través de la relación entre obra y espacio.

Desde sus comienzos, la obra de Susy Gómez ha sido muy distinta en términos de forma y de materiales utilizados, incluyendo esculturas, pinturas, dibujos, instalaciones, fotografías, vídeos y performance, además de lo que podemos llamar varias formas híbridas de su invención. Actualmente Susy Gómez se ha centrado en algo que podemos describir como escultura –un tipo de escultura de nuevo anti-formalista, y realizada a partir de materiales encontrados, a veces de muy gran tamaño, manipulados de distintas formas – además de, y este es un aspecto del todo nuevo en su trabajo, en actividades participativas de cariz terapéutico. Sus nuevas esculturas son algo así como escenarios teatrales, instalaciones de varios elementos que precisan la complicidad de espectador. Se propone una nueva forma de ver y mirar sus obras mediante acciones concretas a propuesta de la artista. Y se comprueba así su interés reciente por psicoterapias alternativas, en especial por las llamadas Constelaciones familiares.

El baile de la vida, sin ser una exposición site-specific, reafirma la voluntad de Susy Gómez por trabajar en el espacio real y se adscribe a los movimientos que revolucionaron los lenguajes plásticos de la escultura occidental en los 60 -70 del siglo pasado. La vinculación de las obras de Susy Gómez con los espacios expositivos, producen una interrelación que añade significados a las posibles interpretaciones. Quiero decir que las coordenadas del entorno inmediato se suman y buscan una complicidad semántica que renueva y reinventa sus propias obras.

Dicho en sus propias palabras: “La exposición propone con cada obra, un ejercicio vivencial y de recorrido hacia esta idea de ecología emocional. Y en este recorrido hay unas posibles propuestas de movimiento interno”.

La exposición, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, pudo verse en las salas del Museu d'Art Contemporani d'Eivissa hasta el pasado 20 de junio. El proyecto ha sido revisado y adaptado para su exposición en el espacio Estudios de Tabacalera, donde permanecerá abierta al público del 14 de julio al 3 de septiembre de 2017

Estudios. Tabacalera. Embajadores 51. Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera

Imagen: Susy Gómez. El baile de la vida 2017

VENECIA. Fernando Zóbel “Contrapuntos” Fondaco Marcello

hasta el 26 noviembre 2017

Fernando Zóbel. Contrapuntos, una exposición organizada y presentada por el Museo Ayala de Filipinas, y comisariada por Ditas R. Samson y Guillermo Paneque, ofrece una introducción y una mirada a la obra del pintor hispano-filipino Fernando Zóbel (1924-1984). Centrada en el periodo que transcurre entre los años 1957 y 1962, la época en la que desarrolló su lenguaje visual, la muestra reúne por primera vez algunas obras que se consideran los logros más importantes de su carrera, pertenecientes a la serie Saetas y a la Serie Negra. Las pinturas expuestas expresan la capacidad de síntesis y la armonía de las técnicas pictóricas asiáticas y occidentales, y muestran la progresión formal del artista hasta lograr el dominio de los materiales, las técnicas y los conceptos. Las Saetas señalan el comienzo del viaje hacia la abstracción del artista. Las largas y finas líneas caligráficas de las pinturas de la serie Saetas (1957-1959) se ejecutaron y se controlaron con jeringuillas quirúrgicas. “Saeta”, una palabra que significa flecha o aguja, también hace referencia a una de las variedades tradicionales del cante flamenco. Zóbel recordaba que esta serie era el resultado de sus encuentros y experiencias con la luminosidad de Mark Rothko, con la técnica del goteo de Jackson Pollock, y con la caligrafía china y la elegancia de los jardines de Ryōan-ji, en Kioto. Los calados de las composiciones de la serie Saetas evolucionaron hasta convertirse en los gestos pictoricistas y vigorosos de las pinturas de la Serie Negra (1959-1962).

Zóbel, un artista transnacional, nació en Manila y estudió en la Universidad de Harvard, en Boston. Fue una figura clave del movimiento del arte moderno filipino en la década de 1950. Adquirió numerosas obras de jóvenes artistas filipinos y donó su colección al Ateneo de la Universidad de Manila. Esta colección formaría el núcleo de la Galería de Arte del Ateneo, que se considera el primer museo de arte filipino moderno. A partir del año 1960, fijó su residencia en España y forjó una estrecha relación con los artistas españoles, en un momento en que la pintura abstracta española empezaba a ganar predominancia. En 1966, fundó el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, dirigido desde 1981 por la Fundación Juan March, a quien Fernando Zóbel donó toda su colección de pintura, escultura, dibujo y obra gráfica, su biblioteca personal, sus diarios y un conjunto con más de ciento treinta cuadernos de apuntes. Un año después de la fundación del Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, en 1967, se inauguró en Manila (Filipinas) el Museo Ayala, que se inspiró en su labor de divulgación y valoración de las artes entre los artistas y el público filipino. (Ayala Museum press-release)

Evento Colateral. Bienal de Venecia 2017. Fondaco Marcello. San Marco 3415, Calle del Traghetto o Ca’ Garzoni, 30124 Venice,  

http://biennalezobel.ayalamuseum.org

Imagen: Fernando Zobel. ESCORIAL (1961), Jonathan and Stella Que Collection

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