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Foto: B. Mora

PARIS. Antoni Clavé “Obra Gráfica” BNF. François-Mitterrand Library/Donors’ gallery

9 enero – 25 febrero, 2018  

Pintor y grabador, Antoni Clavé (1913 Barcelona - 2005 Saint Tropez) fue uno de los artistas del siglo XX que, como Pablo Picasso y Joan Miró, consideraron el grabado como una práctica complementaria esencial para la pintura. Sus grabados de ilustración y grabados originales creados desde finales de los años treinta hasta principios de 2000 componen un conjunto de obras que es particularmente interesante desde el punto de vista técnico y estilístico.

La exposición presentada en el BnF sigue el legado de una serie de grabados de los nietos de Antoni Clavé. Es concomitante con la publicación de un Catálogo razonado de sus trabajos impresos. Desde las primeras litografías que retratan reyes que le hicieron famoso a finales de los años cincuenta hasta las obras abstractas de gran formato de los noventa, la exposición permite (re) descubrir las obras grabadas de un artista singular e inclasificable. (BNF press-release)

Bibliothèque Nationale de France, François-Mitterrand Library. Quai François-Mauriac, 75706 Paris

http://www.bnf.fr/en   https://www.antoni-clave.org

Imagen. Antoni Clavé, La main noir, 1971

BERLIN. Concha Argüeso “El Sueño del Fenix” KM13 Studio Showroom Store

27 enero -16 marzo, 2018

"Siempre me he preguntado qué es lo que veo en las obras de Concha Argüeso. Hay algo que no es realmente visible, no de una forma claramente reconocible. A veces es la silueta de un cuerpo, o simplemente un círculo, una puerta, en su mayoría ni siquiera eso. Y cuanto más lo veo, más adicto me vuelvo. Debe ser algo así como el alma” David Kermani

Concha Argüeso nacida en Bilbao en 1962 cursa estudios de Bellas artes en la universidad del Pais Basco donde se licencia en 1985. Entre el 85 y el 89 becada por la diputación de Bizkaia, estudia diseño Industrial en Milan,y en el centro de diseño de Bilbao, 90-91 Beca de Postgrado del ministerio de cultura en Folkswangschule, Essen Alemania.
Como residente en Bochun desde 1990, es seleccionada para representar a esa ciudad en el proyecto Transfer, proyecto de intercambio con la ciudad del Bruselas que en España se presentó en la ciudad de Oviedo en 1996.
Durante estas fechas expone asiduamente con la Galería Dreiseitel, que la presenta en la Feria Art Cologne 1995, donde contactará con Galeria Vanguardia que dará pié a su primera individual en su ciudad natal “Fragmentos” 2001.
Su obra se caracteriza fundamentalmente por la utilización del papel como soporte pictórico de técnicas mixtas al agua y como medio de expresión tridimensional, en un dialogo abierto entre las posibilidades de los materiales y de las técnicas, manteniendo un equilibrio entre el concepto de la obra y la materialización física de la misma. En sus últimos trabajos la construcción racional ha dado paso a un orden arquitectónico, y a través de la arquitectura al interés por el ser humano, por su cuerpo y su mente, como unidad inseparable. Son arquitecturas psíquicas a modo de espacios mentales.

KM13 Studio Showroom Store. Kurmärkische Str.13. 10783 Berlin
www.conchaargueso.eu

http://km13.info/en

Imagen: Concha Argüeso

 

ROMA. Daniel Muñoz (SAN) “Vexillum Transparent“ Galería Varsi

20 enero – 25 febrero, 2018

La trayectoria  artística de Daniel Muñoz (Moraleja, Cáceres 1980) refleja su deseo de investigar la dimensión colectiva de los espacios públicos e interactuar con cada ubicación específica, siempre consciente de la complejidad y las contradicciones de las intervenciones artísticas en los sitios públicos. En los años noventa, cuando era niño, comenzó pintando graffiti e inmediatamente comprendió que la calle es lo que permite a los artistas expresarse en algún lugar entre la libertad y el riesgo, el juego y la protesta. Más tarde, desarrolla otras intuiciones que dan lugar a comunicaciones más maduras con los espectadores, un diálogo efímero cuya caducidad se convierte en parte de su poética. A medida que comienza a interactuar con sus espectadores en España, Muñoz pinta pensamientos en las paredes que se convierten en conversaciones. Su arte público se convierte en un puente entre él y el mundo, un intercambio libre y abierto que crea conexiones intelectuales y rompe los lazos con las imágenes cotidianas.

La estética de Daniel Muñoz se puede encontrar en sus dibujos, una técnica íntima y espontánea, su primer idioma, que eleva su investigación y aplica sus resultados a una crítica de la realidad.

"Vexillum Transparent" es una reflexión sobre los viajes, sobre el significado y las consecuencias de estos en la sociedad, sobre nosotros y sobre las necesidades que nos hacen querer cruzar nuestras fronteras nacionales. Pero, ¿estas fronteras, que también son puntos de encuentro y conflicto, realmente contienen "algo"? ¿Puede haber identidad sin diferencias?

El viaje es inherente a la historia de los seres humanos, desde las edades más primitivas cuando las personas abandonaron su entorno original por diversas razones: la satisfacción de necesidades vitales, la comunicación entre centros distantes, la expansión territorial, la exploración y la problemática del entorno socioeconómico o ambiental, pero también razones culturales o religiosas, como peregrinaciones a lugares de culto. El viaje es también un pasatiempo, una distracción para ocupar el tiempo libre de una manera lúdica. Este factor recreativo caracteriza el fenómeno del turismo de masas moderno que explotó a mediados del siglo XX.

La movilidad puede considerarse uno de los primeros factores diferenciadores entre los individuos de nuestro milenio; amplía o limita las posibilidades, causando una brecha. Viajamos impulsados ​​por deseos personales o por aburrimiento; ¿Buscamos una experiencia real con intercambios significativos y nuevos conocimientos, o tal vez evasiones y consumos fugaces?

En la galería Varsi, Daniel Muñoz investiga el viaje más significativo de los seres humanos de nuestra era, generando una serie de preguntas. ¿El turismo corresponde a una invasión o es un paso adelante? ¿Qué consecuencias tiene la experiencia turística en el mundo? ¿Todavía hay lugares capaces de generar significados? ¿Y qué significados podemos activar cuando nos encontramos con otros y otros lugares?

El artista presenta una serie de nuevas pinturas, dibujos, serigrafías y una instalación específica donde las armas de las luchas militares se mezclan con la iconografía del arte clásico y con objetos ordinarios, en una saturación de símbolos. En las obras hay imágenes y conceptos que si se abordan con cuidado, adquieren nuevas connotaciones y producen infinitos otros.

Muñoz imagina una demostración de turistas que parecen rebelarse contra la naturaleza de su condición paradójica. La pancarta, el símbolo de la identidad por excelencia, está desprovista de signos y colores para narrar el tejido social actual y la trama de contradicciones que los turistas deben desenredar y que irónicamente los vuelve complejos y ambiguos.

El título de la exposición: " Vexillum Transparent” (Bandera transparente) simboliza el oxímoron compartido por lo que es global y local, la crisis del espacio (excesiva y vacía) y la identidad (fluida). ¿Puede una identidad colectiva manifestarse en una bandera transparente? (Galleria Varsi press-release)

Galleria Varsi. Via di Grotta Pinta 38, Rome, Italy

http://galleriavarsi.it

http://www.eseaene.com

Imagen: Daniel Muñoz. Souvenir 2. Gouache on paper 2017

MADRID. David Bestué “ROSI AMOR” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

hasta el 26 febrero, 2018

David Bestué (Barcelona, 1980) ha llevado a cabo en los últimos años una serie de proyectos escultóricos centrados en una revisión crítica de determinados acontecimientos históricos y desarrollos estético-formales que caracterizaron las vanguardias del siglo pasado en los campos artístico, arquitectónico y literario.  
Para la exposición ROSI AMOR, concebida específicamente para el Programa Fisuras, el artista propone una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, y en el Monasterio de El Escorial. Cada uno de estos lugares está asociado a diferentes técnicas escultóricas que identifica a su vez con la estética de lo empresarial, lo popular y lo histórico.  
La exposición irá acompañada de un folleto que incluye una conversación del artista con María Salgado, poeta que desarrolla asimismo un trabajo de recuperación del pasado. 
David Bestué ha realizado exposiciones individuales en García Galería, Madrid, o La Capella, Barcelona, y ha expuesto en citas internacionales tan relevantes como la Bienal de Venecia (junto a Marc Vives) en 2009, o Gasworks, Londres, en 2010. (MNCARS press-release)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini: Planta 1 y Sala de bóvedas

http://www.museoreinasofia.es

http://www.davidbestue.net

Imagen: David Bestué, Motor de sangre sobre banco de arena y vasos de hueso y mármol, 2017. Resina, arena, harina de sangre, y polvo de mármol y hueso. Medidas variables

GUADALAJARA. MEX. Carlos Aires y Miki Leal “Abierto Abierto” PAOS GDL

15 enero – 26 febrero 2018

#AbiertoAbierto es un proyecto de intercambio artístico entre Open Studio Madrid (Asociación Open Mind Arte y Cultura) y PAOS GDL, que se realiza en busca de interacción, colaboración y discusión entre artistas españoles y mexicanos, y en general de abrir una plataforma de diálogo y reflexión cultural y crítica, entre las escenas del arte de España y México. A partir de un plan de residencias internacionales, Abierto- Abierto propone abrir otros espacios de trabajo y proyección desde la socialización de los procesos de investigación y producción de artistas, trabajando desde sus propios contextos y como visitantes en otras plataformas.

Este proyecto arranca en 2018 con la participación de los artistas Carlos Aires y Miki Leal (España) y Octavio Abúndez e Isa Carrillo (México), quienes han sido seleccionados por los organizadores para este programa piloto. Colabora AC/Española

PAOS GDL. Aurelio Aceves #27. 44130 Guadalajara (México)

http://paosgdl.org  http://openstudio.es

Imagen:Paos Gdl

SANTO DOMINGO. “Esperando a Thoreau: Expresiones Desobedientes” Colegio de Gorjón. Centro Cultural de España

26 enero – 3 marzo 2018

Una invitación a compartir inquietudes, vivencias y deseos de una generación de jóvenes atravesada por eso que se ha convenido en llamar crisis, y que sin embargo quienes la sufren la califican de estafa. Sentimientos y experiencias materializados en discurso político a través de la obra artística de jóvenes comprometidos con su presente. Comisario: Gerardo Silva Campanella.

Artistas: Abel Azcona, Marco Godoy, Núria Güell, DosJotas , Cristina Llanos, Daniel Mayrit, Daniela Ortiz  y Beatriz Sánchez

La selección está compuesta por artistas de trayectorias heterogéneas, pensando en proporcionar al espectador una variedad de puntos de vista y temas tratados. Mientras que Nuria Güell explora en los límites del poder y la legalidad a través de perfomance, intervenciones o vídeo, Abel Azcona reflexiona desde la experiencia autobiográfica y a través de sus trabajos performativos sobre feminismo, sexualidad, religión o memoria. Daniela Ortiz lleva a cabo proyectos críticos sobre nociones como colonialismo, desigualdad, racismo, y Dos Jotas investiga las contradicciones en el espacio público y la normativización institucional muchas veces encubierta. La fotografía es la herramienta principal de Daniel Mayrit, que propone un estudio sobre la representatividad, los medios de comunicación y el uso a veces perverso de las tecnologías en manos del Estado. La producción multimedia y el sentido del humor caótico es el campo de Beatriz Sánchez, preguntándose por el ser humano y su comportamiento. En el caso de Marco Godoy estamos ante un trabajo que interpela directamente al poder y su uso de imágenes y símbolos para legitimarse. Por último, pero no menos importante, Cristina Llanos, que desde el dibujo, la pintura e incluso la escultura narra el conflicto en los procesos de construcción del sujeto en la actualidad, tratando temas como la juventud, el cuerpo o la maternidad

Centro Cultural de España. Arzobispo Meriño #2, Ciudad Colonial,
Santo Domingo, República Dominicana

https://ccesd.org

Imagen: Abel Azcona “Enterrados” Pamplona 2015

EDIMBURGO. Alberto Vazquez “Dark Fables / From Comics to Annimations Films” Summerhall

28 enero – 4 febrero, 2018

Las obras de Alberto Vázquez toman los cuentos de hadas y fábulas tradicionales para adaptarlos a puntos de vista contemporáneos con fuertes ecos políticos y ecológicos. Los protagonistas de estas historias son personajes de animales en un planeta de fantasía que parece bastante similar al mundo humano en el que vivimos.

Alberto Vázquez ha cambiado la animación moderna española con su estilo artístico distintivo que no se parece a nada hecho antes en España. Con un oscuro sentido del humor, las películas de Vázquez muestran un enfoque innovador para traducir las técnicas y dispositivos de sus comics originales a la animación.

La exposición es parte de una retrospectiva general del trabajo de Alberto Vázquez, que incluye clases magistrales, talleres y proyecciones de películas en Edimburgo.

Alberto Vázquez (A Coruña, 1980). Director de animación, Ilustrador y dibujante de comics. Sus libros han sido editados en países como España, Francia, Italia, Brasil y Korea y sus ilustraciones han aparecido en medios impresos de todo el mundo.

Ha escrito y dirigido cortos de animación como “Birdboy “, “Sangre de Unicornio” o "Decorado", basados en sus comics. 
Acaba de terminar su primer largometraje de animación "Psiconautas, los niños olvidados", del que es director, guionista, director de arte y basado en su novela gráfica del mismo nombre. 
Sus trabajos han ganado tres Premios Goya, alzándose con el Goya al Mejor Cortometraje de Animación en 2012 por "Birdboy"y en 2017, con el Goya a mejor película por "Psiconautas" y mejor cortometraje de animación por "Decorado"". Ha obtenido más de 100 premios internacionales en citas como el Festival de Annecy, Chicago, Premios platino, Foyle (preseleccionado para los Oscars), Expotoon o Meliés de plata. Sus obras han sido exhibidas en prestigiosos festivales de todo el mundo como Cannes, EFA Awards, Toronto,Annecy, Clermond-Ferrand, Animafest Zagreb o Slamdance. (CCA press-release)

Summerhall. 1 Summerhall. Edinburgh. EH9 1PL

https://www.summerhall.co.uk

http://www.albertovazquez.net

 Imagen: Alberto Vázquez. Psiconautas

LONDRES. Daniel Canogar “Asalto” Westminster City Hall

18 – 21 enero, 2018

Vuelve Lumiere London en su segunda edición, incluso mayor y más brillante. Con más de 50 intervenciones específicas del sitio, el festival le dará a la arquitectura de la ciudad un aspecto nuevo, con la ayuda de conocidos creativos como el artista visual español Daniel Canogar, cuya obra  Asalto se exhibirá en la fachada del emblemático Westminster City Hall

Asalto se concibe como una intervención pública y una videoinstalación, en la cual los residentes locales parecerán estar trepando por el edificio, como si se tratara de la vida misma para superar los obstáculos a los que nos enfrentamos en nuestra vida diaria. La obra explora la relación entre la ciudad y el ciudadano, y cómo la arquitectura puede ser tanto un obstáculo como una herramienta.

Westminster City Hall, 5 Strand London
Read more at https://www.visitlondon.com/lumiere/installation/46121790-asalto-london#HX3AGr1otMUowvhJ.97

http://danielcanogar.com/

Imagen: Daniel Canogar. Asalto (Times Square.N.Y)

BARCELONA. Blanca Casas Brullet “Material Sensible” Rocio SantaCruz Art

11 enero  – 10 marzo, 2018

Desde sus inicios, el trabajo de Blanca Casas Brullet (Mataró, 1973) se ha nutrido de imágenes inscritas en el lenguaje cotidiano, de la polisemia y de la carga poética que se esconde en los intersticios y en el paso de un idioma a otro.

Las figuras retóricas y las imágenes de la lengua que invocamos para dar cuenta del mundo impregnan la mirada de la artista, siempre atenta a las pérdidas y a los falsos amigos, a los malentendidos y al potencial poético –y en ocasiones también lúdico– de la traducción.

Desde hace unos años la artista se interroga plásticamente sobre el momento de la aparición de la imagen, así como su proceso de fabricación. Concibe, al fin y al cabo, el trabajo de creación como el lugar donde desarrollar un lenguaje plástico para intentar “hacer sentido” al tiempo que se “hace forma”. Es por ello que el taller, la mesa de trabajo, la página en blanco son el centro de sus dispositivos de exposición, así como los desbordamientos, arrugas, agujeros y accidentes que acontecen en el proceso de la materia plástica en transformación.

Encontramos, en la obra de Blanca Casas, materiales, medios y procesos utilizados de forma contradictoria en propuestas paradójicas que ponen en cuestión el ensayo, la tentativa o lo inacabado. Propuestas que hablan de manera metonímica del trabajo a partir de la interrogación sobre su propia consistencia: la imagen se nos presenta como inestable, no fijada, en forma de objetos inciertos e incipientes.

Así pues, el conjunto de tentativas y errores que habitan los rincones del taller, los papeles arrugados que llenan las papeleras, los montajes a veces dispendiosos de materiales diversos, nos hablan del propio trabajo de investigación plástica. Y es que a pesar de la tendencia a esconder el error (en un mundo que se querría eficaz), la deriva y el ensayo, el accidente y lo inesperado se encuentran en la base de todo proceso de aprendizaje y de creación, en la raíz misma del trabajo, sea o no artístico.

En Material sensible, la interrogación sobre lo fragmentario, lo discontinuo o lo inestable remite a la noción de precariedad. Su exploración plástica se sitúa en la suspensión entre dos estados, al tiempo que, dentro de su lógica paradójica, la artista se apropia en esta ocasión de materiales de construcción para preguntarse cómo resistir y construir desde ese espacio incierto. Las formas plásticas y los materiales entran en resonancia con situaciones sociales, económicas, políticas, históricas, pero sin ser una ilustración de las mismas.

Se trata, en definitiva, de una exploración desacomplejada de la polisemia y la analogía, componiendo con palabras, materiales y formas, con desplazamientos, pérdidas y enriquecimientos, las desviaciones y las interrelaciones propias de la traducción de una disciplina a la otra, de una técnica a otra, de un medio a otro. (Rocio SantaCruz press-release)

Rocio SantaCruz Art. Gran Via de les Corts Catalanes 627. 08010 Barcelona

http://rociosantacruz.com

Imagen : Blanca Casas Brullet. Plan de travail, 2015

LONDRES. Alejandra Carles-Tolra “Premios Jerwood/Photoworks” Jerwood Space

17 enero - 11 marzo 2018 

Los nuevos trabajos de  Alejandra Carles-Tolra junto a los de Sam Laughlin y Lua Ribeira se muestran en Jerwood Space, en la segunda exposición de los Premios Jerwood / Photoworks. La exposición explora temas como la muerte, la pertenencia y la fragilidad del mundo natural. Tras su inauguración en Londres, la exposición se podrá ver en  Bradford y Belfast.

Alejandra Carles-Tolrá está interesada en la relación entre la identidad individual y grupal y cómo una identidad influye en la otra. En Where We Belong, explora temas de pertenencia, feminidad y escapismo siguiendo a un grupo de devotos de Jane Austen.

Alejandra Carles-Tolrá es fotógrafa y profesora de fotografía de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su obra ha sido expuesta y reconocida a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido. 

Jerwood Space, 171 Union Street, London SE1 0LN

jerwoodvisualarts.org 

http://www.alejandractr.com

Imagen: “The Bears” Alejandra Carles Torla

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