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Foto: B. Mora

ESTOCOLMO. Núria Guell “Manipulate the World. Connecting Öyvind Fahlström”Moderna Museet

21 octubre 2017 – 21 enero 2018

En un texto de 1964, Öyvind Fahlström insta a manipular el mundo. ¿Qué significa esto para los artistas de hoy día, en nuestra era de hechos alternativos, verdades relativas y narrativas fragmentadas?

En una exposición que se extiende por las dos plantas del Museo, 28 artistas suecos e internacionales exploran y desafían las ideas de Öyvind Fahlström sobre la manipulación y la teatralidad. Cuatro obras históricas de Fahlström definen el campo de juego de la exposición, que tiene lugar en tres zonas: la sala de exposiciones principal en el Piso 4, los espacios que conectan ambos pisos, y las salas de exposiciones en la planta baja.

Núria Güell (Vidreras, Gerona 1981) participa en esta exposición. Su práctica artística consiste en analizar cómo los dispositivos de poder afectan a nuestra subjetividad sometiéndola a través del derecho y la moral hegemónica.
Los principales recursos que utiliza son el coqueteo con los poderes establecidos, la complicidad con diferentes aliados y el uso de los privilegios que tienen las instituciones artísticas con las que trabaja, así como los que le son otorgados socialmente por su condición de española y europea. Tácticas que, diluyéndose en su propia vida, desarrolla en contextos específicos con la intención de cuestionar las identificaciones asumidas y provocar una disrupción en las relaciones de poder.

Artistas en la exposición: Lawrence Abu Hamdan, Rossella Biscotti, Juan Castillo, Aslı Çavuşoğlu, Kajsa Dahlberg, Detanico Lain, Economic Space Agency, Róza El-Hassan, Harun Farocki, Öyvind Fahlström, Goldin+Senneby, Núria Güell , Candice Lin, Jill Magid, Ibrahim Mahama, Nicholas Mangan, Sirous Namazi, Rivane Neuenschwander, Otobong Nkanga, Sondra Perry, Pratchaya Phinthong, Katarina Pirak Sikku, Natascha Sadr Haghighian , Jonas Staal, Hito Steyerl, Hanan Hilwé i samarbete med Walid Raad, Thu Van Tran, Alexander Vaindorf, Wermke/Leinkauf.

Moderna Museet Skeppsholmen, Stockholm

https://www.modernamuseet.se   http://www.nuriaguell.net

Imagen: Nuria Guell

COLONIA. Teresa Solar “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone”Skulpturenpark

a partir del 15 octubre 2017

El parque de esculturas se dedica bianualmente al encargo de esculturas para un parque público al lado del Rin en Colonia. La iniciativa es una de las pocas que tiene este carácter en Europa y ha contribuido hasta ahora a producir más de 177 piezas. Las obras se quedan en el parque por un periodo de dos años y durante ese tiempo se realizan programas de divulgación, visitas y conferencias.
La edición número 9 de este año celebra el 20 aniversario del parque y esta comisariada por Chus Martinez que ha decidido producir varias piezas nuevas, ocho en total, una de ellas de la artista española Teresa Solar.

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) Vive y trabaja en Madrid, su trabajo gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan.

 Sus proyectos, estructurados alrededor de personajes o agentes catalizadores, se caracterizan por ser de larga duración y desarrollarse en diferentes fases y manifestaciones.  Dentro de esta constelación de personajes cabe destacar el trabajo con Lawrence de Arabia y con el fotógrafo Harold Edgerton, que le permiten hablar de ejes temáticos transversales en su obra, como  la figura del pionero y  del extranjero.

 Sus trabajos escultóricos están estrechamente ligados a sus proyectos audiovisuales. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo, para sus películas funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora la doble naturaleza de estos elementos, visitados a través de la mirada parcial de la cámara y que, posteriormente, cobran una nueva entidad en la sala.

Artistas “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone “: Andrea Büttner, Claudia Comte, Jan Kiefer, Eduardo Navarro, Solange Pessoa, Lin May Saeed, Teresa Solar, and Pedro Wirz

Skulpturenpark Köln. Riehler Straße (Haupteingang). 50668 Köln

http://www.skulpturenparkkoeln.de http://www.teresolar.com

Imagen: Teresa Solar. Pumping Station, 2017. Resin, Porex, bronze

OSTENDE. Carlos Aires “The Raft. Art is (not) Lonely” Mu.Zee

22 octubre 2017 – 14 abril 2018

“The Raft. Art is (not) Lonely“no es solo una exposición, sino también una conversación con Ostende, la ciudad junto al mar, con su propia historia y aroma distintivos. La base de la exposición de Mu.ZEE, que se presentará en varios lugares repartidos por la localidad costera de Bélgica, es la investigación exhaustiva realizada por "The Raft of the Medusa" (1818) de Théodore Géricault y la balsa utópica de Jan Fabre. El arte es (no) solitario (1986). Aunque hay una diferencia de tiempo inconfundible de 170 años y un origen histórico completamente diferente, ambas obras se vinculan entre sí gracias a su visualización de la expedición y el destino del artista, que es un tema que actúa como una metáfora de la condición humana.

Carlos Aires participa en la exposición colectiva "The Raft Art is (not) Lonely" en el Mu.Zee de Oostende con la pieza "Mar Negro", 2012. Instalación, madera y vídeo. Colección MACBA, Barcelona

La obra “Mar Negro” se compone de una instalación compuesta por un suelo de maderas pintadas y un vídeo. Las maderas son piezas sueltas que se instalan en una combinación aleatoria y con forma geométrica, su tamaño depende de la extensión del suelo de la sala donde se expone. El espectador puede andar por encima del suelo, ya que los componentes son maderas usadas y recicladas. A primera vista, la pieza destaca por la belleza formal, el color y la textura del entramado. Sin embargo, un segundo elemento de la instalación nos da información adicional sobre la procedencia original de este suelo: el vídeo nos muestra que el artista ha reutilizado el material proveniente de los restos de pateras y cayucos abandonados en las costas españolas. En Cádiz existe un cementerio de barcos, donde van a parar las pequeñas embarcaciones utilizadas para el transporte ilegal de inmigrantes. De repente, las cualidades formales de la pieza devienen en tragedia, la de más de 20.000 personas fallecidas o desaparecidas al cruzar un mar que la muerte ha teñido de negro.

Carlos Aires (Ronda, Málaga 1974) vive en la actualidad en Madrid, desarrollando con su trabajo su estética de la ambigüedad y la actitud analítica hacia nuestra forma de percibir la realidad que nos rodea. Desde el collage pasando por la fotografía, video y performance, Aires muestra un arte provocativo, lleno de inquietud y escepticismo. Nos sumerge en una realidad molesta y discutible, donde los mitos regulares pierden su sentido, la historia toma nueva naturaleza y la verdad da espacio a las mentiras a medias. A Carlos Aires le gusta proponer juegos al público, para descubrir cuántas y cuáles podrían ser las diferentes maneras de leer una imagen, un vídeo, una actuación, para interpretar una situación.

Mu.ZEE. Romestraat 11. B-8400 Ostend. Bélgica

http://www.muzee.be  http://carlosaires.com

Imagen: Mar Negro. Carlos Aires

 

MADRID. Sergio Sanz “Lugares” Galería Marlborough

 

26 octubre – 25 noviembre, 2017

Lugares presenta una serie de paisajes velados, oníricos, que pueden leerse tanto como vistas geográficas como interiores ¿Se trata de montañas y raíces o de capilares y tendones? ¿Es tan distinto el paisaje exterior del interior? En palabras de Menchu Gutierrez, autora del texto del catálogo: “Después de hacer grandes esfuerzos por respirar bajo tierra, y de aprender lo que allí ha encontrado, Sergio Sanz saca las raíces al aire y con ellas nos muestra un verdadero catálogo temporal: la vida que se desarrolló en la oscuridad emerge a la superficie para comunicar innumerables partos, bifurcaciones y encrucijadas de una materia que nos interpela. ¿Somos tan distintos de estas raíces? La extraordinaria mirada del artista dice que no. O, mejor, crea el espacio en el que ambas naturalezas se encuentran para compartir rasgos esenciales”. En Lugares, Sergio Sanz explora un camino distinto, en el que, a diferencia del grueso de sus anteriores obras, la figura humana está prácticamente desaparecida. Muchas de sus pinturas anteriores están pobladas de personajes inquietantes, habitantes de un universo oscuro en actitudes enigmáticas. Sumidos en escenas cargadas de referentes literarios, pictóricos y sobre todo musicales que van desde el jazz de los años 20 (la música es una constante en la obra de Sanz) hasta el renacentista Pedro Berruguete, pasando por la crudeza de las viñetas de Robert Crumb o la narrativa de Kafka.

La muestra se completa con una serie dibujos, que cumplen un papel vital en el proceso de Sanz. El artista afirma dedicar más tiempo al dibujo que a la pintura y confiesa que hubo un tiempo en el que no se atrevía a llevar sus dibujos al mundo de la pintura. Raúl Eguizábal, autor del texto del catálogo de una de sus exposiciones individuales en Marlborough, habla de la importancia del dibujo en la obra de Sanz: “Hay veces que el Sergio Sanz pintor tapa al Sergio Sanz dibujante, al extraordinario dibujante que es y que permanece oculto, con demasiada frecuencia, debajo de capas de color y de las pinceladas nerviosas. Parece como que un pintor solo pudiese servir a un dios, al del color o al del dibujo. Y como la pintura de Sergio Sanz pertenece a esa tradición inequívocamente española, su dios es ante todo el del dibujo, aunque a veces blasfema con su caja de colores”

GALERÍA MARLBOROUGH,  Orfila, 5 28010 Madrid

www.galeriamarlborough.com

Imagen: Alamedilla 2016. Sergio Sanz

 

NUEVA DELHI. “José Suárez, 1902 - 1974: unos ojos vivos que piensan” Instituto Cervantes

11 octubre – 10 diciembre, 2017

José Suárez: unos ojos vivos que piensan presenta un centenar de fotografías del artista, junto a una interesantes selección de documentos personales, reseñas periodísticas y catálogos de esta destacada figura de la fotografía española.
La personalidad del gallego José Suárez (Allariz, 1902-A Guarda, 1974) es singular dentro de la historia de la fotografía española. Poseedor de una nueva mirada en una época marcada por la visión costumbrista y de una sólida formación intelectual, la figura de José Suárez es tan novedosa como desconocida para el gran público. La Fundación Cidade da Cultura de Galicia pretende a través de esta muestra recuperar una figura clave de la fotografía del siglo XX, autor de series fotográficas marcadas por el humanismo y la revolución formal y reivindicar la cultura gallega más allá de España.
En un momento en el que imperaba una visión costumbrista de la sociedad gallega tan propia de los años 30, el fotógrafo gallego José Suárez realiza una serie de reportajes que se apartan completamente de esa concepción y que muestran un conocimiento de los movimientos artísticos innovadores del momento, con una nueva visión y una nueva objetividad. Sus investigaciones formales van acompañadas de una gran preocupación humanista, que él mismo hace explícita: “Me interesa el objeto como huella del hombre…”. La excepcionalidad de su obra en este período rebasa el marco gallego, ocupando un lugar relevante en el contexto español de los años 30.
La sólida formación intelectual de José Suárez le diferencia de la mayoría de los fotógrafos históricos españoles, vinculado siempre a círculos culturalmente muy ricos. En Salamanca se rodeó de figuras como Miguel de Unamuno, Benjamín Jardés, José Bergamín o el entorno de la Revista de Occidente. Ya en el exilio mantuvo contacto con el entorno intelectual y artístico de la emigración gallega y española; desde Alejandro Casona a Ramón Pérez de Ayala, Rafael Alberti, Manuel Colmeiro, Rafael Dieste, Luis Seoane, Núñez Búa, Luis Tobio… de los que dejó amplio registro fotográfico. Durante su exilio en América Latina realizó diferentes reportajes sobre; La Pampa, Tierra de Fuego o La Patagonia que fueron publicados en varias revistas. Al mismo tiempo realiza el trabajo en el Portillo en Chile, que dará lugar al libro Nieve en la cordillera (1942). El interés por la cultura japonesa lo llevaría a viajar a Japón en un primer momento durante tres años (1953/56), viaje que le va a dar ocasión de realizar otra de las series emblemáticas que le permitirá acercarse y conocer a fondo la cultura nipona. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes, 48 Hanuman Road, Connaught Place, Hanuman Road Area, Connaught Place, New Delhi, Delhi 110001, India

 https://josesuarezfernandez.wordpress.com   http://nuevadelhi.cervantes.es

Imagen: Marineiros 1936. José Suárez

 

NEWCASTLE UPON TYNE. Juan delGado “The Flickering Darkness and Terminal Sur” Abject Gallery

4 – 28 octubre, 2017

La instalación tricanal de video The Flickering Darkness sirve para mostrar la fragmentación y la conexión, el silencio y el sonido, el movimiento y la quietud. Juan delGado llegó a Bogotá como extranjero; se embarcó en un viaje para explorar la ciudad como un organismo vivo que come, duerme y tiene necesidades físicas.

Al observar e interpretar las mutaciones sociales del entorno de la ciudad, delGado tuvo como objetivo explorar los barrios de Bogotá, centrándose en los llamados lugares "no-go" que de alguna manera se destacan como consecuencia de la agilidad del cambio económico y social, así como su a veces terribles costos humanos.

El proyecto de DelGado refleja la idea de pertenencia, la necesidad que todos tenemos de posicionarse, de ubicarnos en un entorno; en otras palabras, en un contexto que tenga sentido para nosotros.

Juan delGado es un artista multidisciplinar que vive y trabaja en Londres. Llegó al Reino Unido hace más de 15 años y decidió estudiar en la Contemporary Media Practice en Londres, seguido de una master en la Universidad de Westminster. Realizó su tesis sobre la transexualidad en el cine español (de Armiñán a Almodóvar) y ganó el Premio de la Academia Británica por su investigación. Desde entonces ha creado numerosas obras relacionadas con diferentes temas como los traumas, el paisaje, la discapacidad, la desmembración o el género. Sus obras se han expuesto en países como España, Reino Unido, EE.UU, Egipto o Colombia, y ha participado en importantes eventos culturales como la feria de arte ARCO, FotoEspaña o la Bienal de Estambul.

Abject Gallery. 8th Floor, Bamburgh House Market Street East. Newcastle upon Tyne, NE1 6BHUnited Kingdom 

http://cargocollective.com/JuandelGado

Imagen: Juan delGado “The Flickering Darkness and Terminal Sur”

DUBLIN. Santiago Sierra y Democracia ““How to Say it the Way it is” RUARED

7 octubre – 2 diciembre, 2017

En un momento en que la historia se está comiendo a ella misma, hinchada por las guerras y el genocidio, miramos hacia su muerte nuclear. “How to Say it the Way it is” proporciona una narrativa alternativa al actual status-quo político,  una definición, resistencia y desorden intemporal, de algunos de los artistas contemporáneos comprometidos social y políticamente más influyentes.

Santiago Sierra presenta NO, GLOBAL TOUR ARMBAND (2017). Este objeto fue parte de la puesta en escena de #NoGlobalTour, que se desarrolló entre 2009 y 2011 y se convirtió en una película en 2011.

Una gran escultura metálica de la palabra "NO" fue transportada en camión por todo el mundo y se instaló repetidamente en diferentes lugares. Los conductores del camión y los técnicos que configuraron la escultura tenían este logo en su brazo.

Santiago Sierra nacido en 1966 en Madrid, es uno de los artistas más conocidos de la escena artística internacional. Ha mostrado su obra en museos e instituciones como el MoMA PS1, Nueva York; Museo de Arte de Reykjavik; ARTIUM, Vitoria-Gasteiz; Museo MADRE, Nápoles; 50 ° Bienal de Venecia yTate Modern de Londres

DEMOCRACIA (Madrid, 2006) Es un colectivo de artistas de Madrid (España) formado por Pablo España e Iván López. Su práctica artística explora la relación entre sociedad y política, centrándose en la discusión y el enfrentamiento de ideas con el fin de comprender las estructuras de poder y los mecanismos que las conciernen: modos de producción, aparatos de represión y tecnologías de control, entre otros

La exposición contará con obras de: Franko B; Petr Davydtchenko; Democracia; Kendell Geers; Leon Golub; John Heartfield; IRWIN; Peter Kennard; kennardphillipps; Barbara Kruger; Oleg Kulik; Andrei Molodkin; Gustav Metzger; Shirin Neshat; Arsen Savadov; Andres Serrano; Santiago Sierra y Ai Weiwei, muchos de los cuales nunca antes se habían presentado en Irlanda. Comisariada por el artista visual y de performances Franko B(RUARED press-release)

RUARED: South Dublin Arts Centre,Tallaght, Dublin 24

http://www.ruared.ie  http://www.democracia.com.es

http://santiago-sierra.com

Imagen: Santiago Sierra “NO, GLOBAL TOUR”

 

BUENOS AIRES. “Miró: La experiencia de mirar” Museo Nacional de Bellas Artes

25 octubre 2017 - 25 febrero 2018

 

Miró: La experiencia de mirar presenta cincuenta obras, realizadas por Miró entre 1963 y 1981, pertenecientes a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de España, con curaduría de Carmen Fernández Aparicio y Belén Galán Martín, bajo la dirección de Manuel Borja-Villel y Rosario Peiró.
La muestra se centra en la producción que realizó el artista en el último periodo de su vida, cuando se enfrentó a su obra con la voluntad de explotar todas las capacidades del lenguaje plástico que había construido en los años centrales de la vanguardia histórica de París, con un sentido de máxima libertad y dominio de los medios de expresión.
En esta época, parte de un motivo casual o fortuito, que puede ser una mancha, una gota, una huella, un objeto encontrado o un elemento natural, recreando, por medio de este impulso, un tema frecuente en su obra: la representación de la naturaleza y de la figura humana.
La exposición permite acercarse a esta renovación de su pintura, en la que el artista intensifica el trabajo directo en el lienzo, abordando los grandes formatos e incidiendo en las posibilidades del gesto y las cualidades del material. Se encamina así a una simplificación, tanto en la definición de la forma como en el uso del color, para conseguir –según lo que el propio artista declaró en 1959– que “las figuras parezcan más humanas y más vivas que si estuvieran representadas con todos los detalles”.
La exposición presenta 18 pinturas, 6 dibujos, 26 esculturas y dos proyecciones: “Miró parle” (Miró habla), de 1974, del fotógrafo y realizador francés Clovis Prévot, que incluye una profunda entrevista al artista, realizada en 1972, en Palma de Mallorca, por Pere Portabella y Carles Santos, en la que el pintor repasa toda su carrera; y el cortometraje “Miró l’altre” (Miró, otro), de 1969, dirigido por Portabella, una de las piezas más importantes de la filmografía dedicada al autor, que documenta la composición y posterior destrucción por parte del artista de un mural sobre la vidriera del Colegio Oficial de Arquitectos de Barcelona. Curadoras: Carmen Fernández Aparicio y Belén Galán. Organizan: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Bellas Artes, Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. Con el apoyo de la Cooperación Española (AECID press-release)

Museo Nacional de Bellas Artes, Av. del Libertador 1473. Buenos Aires

http://www.bellasartes.gob.ar

Imagen: Miró. Mujer, pájaro, estrella. Homenaje a Pablo Picasso, 1973. Óleo sobre lienzo. 245 x 170 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

BARCELONA. Núria Martinez Seguer “Città” Galería H2O

19 octubre - 17 noviembre, 2017

Città es la ciudad estereotipada, la ciudad sin nombre: todas las ciudades pueden ser la misma ciudad. Las ciudades son una y una ciudad puede ser todas las demás.
Las ciudades crecen, cambian y evolucionan. Nos hablan de su cultura, de su historia, de sus habitantes, de su atmósfera, de sus olores, de su luz, de sus sombras y porque no ?, de nosotros. Como dice David Le Breton: “La ciudad no está fuera del hombre, sino en él, impregnando su mirada, su oído y todos los demás sentidos”.

El título de Città es un tributo al neorrealismo italiano. El conjunto de las imágenes toman la calle como escenario principal. Tiempos y espacios se nos presentan fragmentados, visualizándose por la frágil línea entre la ficción y el documental. Las fotografías no aparecen aisladas, sino formando un conjunto narrativo coherente. Città se convierte en un viaje cartográfico de espacio y tiempo, en busca de uno mismo.

La esencia de Città es el viaje interior que se proyecta en cada uno de nosotros. Al contemplar las fotografías volvemos a sentir y reinventar dentro nuestro unas nuevas ciudades, nuevas experiencias, nuevas emociones, nuevos sentimientos, lo privado vuelve a ser público y viceversa. El testimonio visual de Città describe las diferentes interpretaciones, ya sean sociales, culturales o individuales, de la realidad observada. En estas capturas de instantes fugaces, hay músicas, ritmos, calles, los olores de la noche, el silencio. Recordando el Talmud: “No vemos las cosas como son, sino como somos nosotros mismos”. Núria Martinez Seguer

Núria Martinez Seguer(Barcelona,1973). Doctora en Bellas Artes en la especialidad Imagen por la Universidad de Barcelona. Coordinadora y profesora del Departamento de Fotografía de la EASD Serra i Abella.

Galería H2O.  152, 08012 Barcelona

http://www.h2o.es  https://seguer.carbonmade.com

Imagen: Cittá. Núria Martinez Seguer

BRUSELAS. Joan Cornella “Art is comic” MIMA. Millennium Iconoclast Museum of Art

hasta el 31 diciembre, 2017

Joan Cornellà (1981 Barcelona) es un ilustrador e historietista.  Sus viñetas se caracterizan por ser una mezcla entre humor absurdo y humor negro.

Con 4.500.000 seguidores en Facebook (el equivalente a la población trabajadora en Bélgica) y 1.500.000 en Instagram, Joan Cornellà está considerado como uno de los artistas plásticos más seguidos en las redes sociales.

El humor negro de su trabajo desafía los tabúes y la moralidad de la sociedad. En una atmósfera suave y pastel, crea un efecto cómico al contrastar las caras comerciales de sus personajes con situaciones hiper-violentas. Los videos y las pinturas animan al espectador a deleitarse con la perversidad, a disfrutar positivamente situaciones que deberían / ​​deberían ser negativas.

Millennium Iconoclast Museum of Art.MIMAMUSEUM. 39-41, Quai du Hainaut. 1080 Brussels, Belgium

http://www.mimamuseum.eu  http://www.joancornella.net

Imagen: Joan Cornella 

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