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Foto: B. Mora

MADRID. Sergio Sanz “Lugares” Galería Marlborough

 

26 octubre – 25 noviembre, 2017

Lugares presenta una serie de paisajes velados, oníricos, que pueden leerse tanto como vistas geográficas como interiores ¿Se trata de montañas y raíces o de capilares y tendones? ¿Es tan distinto el paisaje exterior del interior? En palabras de Menchu Gutierrez, autora del texto del catálogo: “Después de hacer grandes esfuerzos por respirar bajo tierra, y de aprender lo que allí ha encontrado, Sergio Sanz saca las raíces al aire y con ellas nos muestra un verdadero catálogo temporal: la vida que se desarrolló en la oscuridad emerge a la superficie para comunicar innumerables partos, bifurcaciones y encrucijadas de una materia que nos interpela. ¿Somos tan distintos de estas raíces? La extraordinaria mirada del artista dice que no. O, mejor, crea el espacio en el que ambas naturalezas se encuentran para compartir rasgos esenciales”. En Lugares, Sergio Sanz explora un camino distinto, en el que, a diferencia del grueso de sus anteriores obras, la figura humana está prácticamente desaparecida. Muchas de sus pinturas anteriores están pobladas de personajes inquietantes, habitantes de un universo oscuro en actitudes enigmáticas. Sumidos en escenas cargadas de referentes literarios, pictóricos y sobre todo musicales que van desde el jazz de los años 20 (la música es una constante en la obra de Sanz) hasta el renacentista Pedro Berruguete, pasando por la crudeza de las viñetas de Robert Crumb o la narrativa de Kafka.

La muestra se completa con una serie dibujos, que cumplen un papel vital en el proceso de Sanz. El artista afirma dedicar más tiempo al dibujo que a la pintura y confiesa que hubo un tiempo en el que no se atrevía a llevar sus dibujos al mundo de la pintura. Raúl Eguizábal, autor del texto del catálogo de una de sus exposiciones individuales en Marlborough, habla de la importancia del dibujo en la obra de Sanz: “Hay veces que el Sergio Sanz pintor tapa al Sergio Sanz dibujante, al extraordinario dibujante que es y que permanece oculto, con demasiada frecuencia, debajo de capas de color y de las pinceladas nerviosas. Parece como que un pintor solo pudiese servir a un dios, al del color o al del dibujo. Y como la pintura de Sergio Sanz pertenece a esa tradición inequívocamente española, su dios es ante todo el del dibujo, aunque a veces blasfema con su caja de colores”

GALERÍA MARLBOROUGH,  Orfila, 5 28010 Madrid

www.galeriamarlborough.com

Imagen: Alamedilla 2016. Sergio Sanz

 

MADRID. José María Mellado ”El Rastro del Tiempo” Bulevar Salvador Allende de Alcobendas

hasta el 16 noviembre 2017

En incontables ocasiones, una configuración de doble mirada es el elemento más característico de una buena fotografía. Una nueva visión sobre lo evidente y la calma de lo cotidiano nos conducen invariablemente a la reflexión. En esta ocasión, rastro, tiempo y emoción definen el principio reflexivo que sustenta el trabajo de José María Mellado.
Una selección de sus anteriores proyectos "Paisaje: el eterno retorno", "El silencio y la luz" y "Closer" conforman un recorrido ordenado en la muestra El rastro del tiempo: Paisaje y emoción. La contemplación de las obras de Mellado nos hace experimentar emoción, placer y tranquilidad, motivados por el apacible equilibrio y desahogo de su mirada. El perpetuo retorno -sin tregua- de la naturaleza a su ser es patente en el conjunto de la mayoría de sus obras expuestas, donde la búsqueda apasionada de la belleza en lo aparentemente vulgar, anodino o decadente es una de las claves que conforma su discurso, consiguiendo transmitir al espectador las sensaciones vividas en el momento de la toma con la mayor fidelidad posible, pero añadiendo, a través de la investigación, pulcritud y fidelidad en el resultado final.
La obra de José María Mellado  figura en importantes colecciones y museos, destacando la Colección Permanente del Museo Nacional Reina Sofía (Madrid), Borusan Contemporary (Estambul), Chazen Museum of Art (Wisconsin - USA), Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Artium (Vitoria), Colección de Fotografía Alcobendas, Museo de Bellas Artes de Santander o Fundación Coca Cola. Ha participado de forma regular en las ferias de arte internacionales más relevantes, como ArtBasel, Art Brussels, Art Cologne, Art Karlsruhe, Photo Miami, Pulse, SCOPE, ArteLisboa o ARCO (José María Díaz-Maroto). (C.A.A press-release)

Centro de Arte Alcobendas. C/ Mariano Sebastián Izuel 9. 28100 Alcobendas. Madrid

http://mellado.info/es    http://www.centrodeartealcobendas.org

Imagen: José Mª Mellado

MADRID. Andrés Jaque “Políticas Transmateriales” La Fragua y Estudios. Tabacalera

28 septiembre – 19 noviembre, 2017 

Políticas Transmateriales es el título de la exposición que presenta el trabajo del arquitecto y artista Andrés Jaque y de su Oficina de Innovación Política, plataforma de pensamiento creada en el año 2003 junto a un pequeño grupo de arquitectos, diseñadores, periodistas, sociólogos y economistas, que reivindica la dimensión política de la arquitectura y que son hoy día una de las voces más influyentes de la arquitectura contemporánea.

La muestra, comisariada por Ariadna Cantis, propone repensar la pluralidad y la diferencia desde cuatro marcos conceptuales: el de la vida doméstica; el espacio público; el de la colaboración entre lo orgánico y lo inorgánico, y el de la interacción entre redes sociales y espacio cotidiano. Distribuidos por los espacios de La Fragua y de Estudios de Tabacalera, se mostrarán los trabajos más importantes realizados por Jaque en los últimos años, como IKEA Disobedients (parte de la colección del MoMA), Sales Oddity (León de Plata al Mejor Proyecto de Investigación de la 14 Bienal de Venecia), Cosmo, Escaravox, TUPPER HOME, Casa en Never Never Land o PHANTOM: Mies as rendered society.

Andrés Jaque y su Oficina de Innovación Política recibieron en 2016 el Frederick Kiesler Prize, galardón otorgado a los más importantes creadores que trabajan en la intersección del arte y la arquitectura. Su obra ha sido expuesta en los más importantes museos del mundo y sus publicaciones incluyen “Políticas del día a día”, “Transmaterial/Calculable” o “Dulces arenas cotidianas”. Jaque es Profesor de Arquitectura Avanzada de la Universidad de Columbia y Profesor Visitante de la Universidad de Princeton. Organiza: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Autor: Andrés Jaque . Comisariado: Ariadna Cantis. (Promoción del arte press-release)

La Fragua y Estudios. Tabacalera. Embajadores 51. Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera

http://andresjaque.net

Imagen: “Cosmo” Andrés Jaque

MADRID. “Pablo Palazuelo: sin principio ni fin” Galería Cayón

14 septiembre – 4 noviembre, 2017

Pablo Palazuelo: sin principio ni fin, la cuarta muestra individual dedicada a la figura de Pablo Palazuelo (Madrid, 1915 – Galapagar, Madrid, 2007) en la Galería.

La exposición, que se celebra cuando se cumplen diez años del fallecimiento del artista, reúne en los dos espacios de Blanca de Navarra un conjunto excepcional de 7 esculturas y 8 pinturas, todas ellas realizadas durante los últimos 20 años de su vida.

Las piezas que conforman la exposición revelan la conclusión plástica a la que Pablo Palazuelo llegó tras más de 60 años de actividad creadora. Basada en una minuciosa observación del orden implícito en la naturaleza, la obra de este insólito artista descubre un universo de formas orgánicas llenas de vida, que revela un excepcional y personal uso de la imaginación.

Fascinado por las formas contenidas en la naturaleza, valorada por él mismo como un elemento ilimitado, Palazuelo aspira a representarlas en su apariencia más simplificada. Haciendo uso de la geometría, instrumento que consideraba fundamental para conocer la materia, el artista revela en sus composiciones la realidad oculta del mundo que nos rodea.  

La vida se crea a sí misma y la naturaleza es la manifestación perpetua de aquella auto-creación. Lo real velado o desvelado es el movimiento viviente de la naturaleza sin principio ni fin, y en ese movimiento participan todas sus partes ninguna de las cuales puede crear independientemente y por sí misma[1].

La exposición explora la etapa de madurez del artista en la que Palazuelo trabaja con los conocimientos de toda una vida de observación y experimentación plástica acumulada.

Pablo Palazuelo: sin principio ni fin se ha realizado con la colaboración de diversos coleccionistas privados y de la Fundación Pablo Palazuelo, institución con la que Galería Cayón viene trabajando en los últimos años.

[1] Fragmento del texto inédito escrito, La Exploración (La Peraleda, 18 de mayo de 1998) por Pablo Palazuelo de donde se ha obtenido el título de la exposición. (Cayón press-release)

Galería Cayón. Blanca de Navarra, 7. 28010 Madrid 

http://galeriacayon.com

Imagen: “Pablo Palazuelo: sin principio ni fin” Galería Cayón

MADRID. Ana Prada “Perfección” Galería Helga de Alvear

14 septiembre – 25 noviembre, 2017

Perfección es el título que la artista Ana Prada ha elegido para su nueva exposición en el espacio de la galería. Una rotunda declaración de intenciones que quiere definir su práctica artística.

En palabras de la propia artista «buscar la perfección es como perseguir rayos de luna o como cazar sombras; inútil, pero eso no evita que los soñadores lo intenten».

Los sueños de Ana Prada consisten en dar con el jarrón perfecto, con la cuchara perfecta, con la vela perfecta. A través de este tipo de sueños, se enfrenta con lo que se podría denominar el problema de la silla de Platón: todas las sillas están determinadas por la idea de silla, todos los panes por la idea de pan.

Para ella lo más importante de su relación con la perfección es cómo se enfrenta con la falta de ésta, promoviendo la repetición y modificación infinita.

Por ello, las piezas que presenta se basan en esa búsqueda constante y sin fin del objeto perfecto, o al menos, del momento fugaz de la perfección. (Helga de Alvear press-release)

Galería Helga de Alvear. Doctor Fourquet 12 | ES–28012 Madrid 

http://www.helgadealvear.com

Imagen: Ana Prada. “Perfección” Galería Helga de Alvear

MADRID. Álvaro Sellés “Melancolía” Galería Antonio de Suñer

28 septiembre – 4 noviembre, 2017

Álvaro Sellés construyó un retablo en el que sustituyó a santos por pintores, a beatos por maestros que lo guiaron y le transmitieron unas enseñanzas ya claves en su carrera. Así ha cimentado el más bello homenaje que pudo hacer a la sabiduría recibida, en el que aparecen artistas de talla, como Giacometti, Palazuelo, Elena Asins, Bacon, Lucian Freud, Jean Michel Basquiat, Frida Khalo, el grupo El Paso y muchos otros, todos convertidos en referentes con los que Sellés se identifica.

Al pintar a otros desvela sus misterios o enigmas para invitar al espectador a un viaje, esta vez en grisalla, que aporta tintes escultóricos y que le hará reconsiderar las nociones aprendidas para iniciar un periplo por una pintura nueva, sorprendente, sencilla hasta límites insospechados. Álvaro Sellés dona así al espectador de una herramienta clave para entender su universo pictórico; singular con un toque de arrogancia benévola. Pinta rodeado de pintores, siempre atento ante la presencia espiritual de sus rostros, que son el objeto de su esfuerzo. Para afrontar su trabajo Sellés se da un baño de melancolía, de ahí el título de esta exposición. Tiene muy presente el grabado de Durero del mismo nombre y ha reflexionado en profundidad sobre la melancolía como motor del proceso creativo, una idea que surge en la Edad Media, cuando se asoció la idea de genialidad a una patología mental, y que hoy sigue vigente: en el Minimal el proceso creativo es tan importante o más que el resultado de la propia obra. Para Sellés la creación se dota de fuerza y originalidad a través del recuerdo, de las vivencias, de las emociones almacenadas. (Galería Suñer press-release)

Galería Antonio de Suñer, Barquillo, 43. 28004 Madrid

http://www.galeriadesuner.com

Imagen: Álvaro Sellés. “Basquiat” 2012

MADRID. Cristina Lucas “Manchas en el silencio” Sala Alcalá 31

15 septiembre - 5 noviembre, 2017

La exposición presenta diversos proyectos de unas de las artistas actuales españolas con mayor proyección internacional: Cristina Lucas. Los ejes generales de la muestra son la historia, el tiempo y la violencia, materializados a través de instalaciones y vídeo-proyecciones que ahondan en conceptos como el uso del arte como medio de investigación histórica, la poesía conceptual o la fascinación borgiana por el tiempo.
La exposición, configurada con obras de gran formato, se articula en torno a la vídeo-investigación-instalación “El rayo que no cesa”, una obra en proceso de creación de la que solo se han presentado versiones iniciales que construye un relato histórico de algunos ataques aéreos que han provocado víctimas civiles desde 1912 hasta la actualidad.

“El rayo que no cesa” se entrelaza con una serie de piezas con historia, tiempo y violencia como ejes generales: “Piper Prometeo”, un vídeo representativo de la poesía conceptual; “Tufting”, una serie de lienzos bordados que representan mapas con manchas negras que reproducen la intensidad de la violencia contra objetivos civiles, y por último, “Clockwise”, una gran instalación de 360 relojes que revela la fascinación de la artista por el tiempo. El tiempo global puede ser así visto al unísono, en una experiencia artística de la teoría de la relatividad.

La exposición se suma a la conmemoración del octogésimo aniversario del bombardeo de Guernica pero la historia se hace siempre desde el presente. Como señala el comisario, Guernica sigue, el conteo de los bombardeos a ciudades continúa, sin fin. Comisario: Gerardo Mosquera. Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. 28014 Madrid

http://www.madrid.org

Imagen. “Clockwise” Cristina Lucas

MADRID. Juan Asensio “Obra reciente” Galería Elvira González

14 septiembre – 28 octubre, 2017

Juan Asensio nace en Cuenca en 1959. Sus primeras obras son pequeñas esculturas en madera y barro. Expone en varias exposiciones colectivas. Descubre la obra de Oteiza y Chillida en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca en 1987. En este mismo año se traslada a Madrid donde comienza a realizar sus primeras obras en el taller de piedra y mármol de Pedro Panadero. En 1990 empieza a implicarse en el mundo artístico de Madrid, conociendo a galeristas y críticos de arte. Mientras produce su propia obra, colabora esporádicamente en la ejecución de esculturas en piedra de otros artistas, como Martín Chirino, Jorge Oteiza o Manolo Valdés. Juan Asensio ha ganado varios premios incluyendo el primer premio en el XX Certamen de Artes Plásticas de Caja Madrid en 1996, año en que tiene su primera exposición en la Galería Elvira González. 
Su obra está incluida en distintas colecciones particulares de Estados Unidos, México y Europa, además de las colecciones de diversos bancos y Cajas Españolas. Juan Asensio ha realizado esculturas públicas en los siguientes lugares: Leganés, Madrid en 1999 y 2003; Torrelavega, Santander en 2001; el Nuevo Edificio de Juzgados de Salamanca en 2004; Ciudad Banco Santander, Boadilla del Monte, Madrid en 2005; Plaza de Vizcaya en Bilbao, 2008 y el Palacio de Justicia de Burgos en 2011. (Elvira González press-release)

Galería Elvira González. Hermanos Álvarez Quintero 1. 28004 Madrid

https://www.elviragonzalez.es  

Imagen: Galería Elvira González

MADRID. Pierre Gonnord “Orígenes” Galería Juana Aizpuru

12 septiembre – 8 noviembre, 2017

Desde el año 2009 Pierre Gonnord ha incorporado el paisaje a su obra como territorio susceptible de acoger, formar y condicionar a los grupos humanos e individuos que lo habitan.

Los incendios de la serie Terre de personne acompañaban a los granjeros más aislados de la Península Ibérica. Las ciénagas del sur de los Estados Unidos eran el escenario de lo que queda del universo de William Faulkner en las plantaciones abandonadas donde viven personajes de la Bible belt y de la batalla por los Civil Rights.

La quinta exposición individual de Pierre Gonnord en la galería Juana de Aizpuru está compuesta esencialmente de paisajes. Nos lleva a recorrer territorios vírgenes donde la naturaleza expresa su raíz más primitiva en los orígenes de la tierra: rocas, litorales, ríos y bosques petrificados que han dado lugar a las primeras contemplaciones por parte del género humano y que son, a menudo, retiro de ermitaños.

Los retratos conversan en silencio con esos espacios. Las miradas de hombres dedicados a la meditación dialogan con territorios vírgenes. Personas, una vez más, perteneciente a comunidades alejadas del ruido urbano (Juana de Aizpuru press-release)

Galería Juana de Aizpuru. C/Barquillo 44-1º. 28004 Madrid

http://juanadeaizpuru.es

Imagen: Orígenes. Pierre Gonnord