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Foto: B. Mora

MADRID. David Bestué “ROSI AMOR” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

hasta el 26 febrero, 2018

David Bestué (Barcelona, 1980) ha llevado a cabo en los últimos años una serie de proyectos escultóricos centrados en una revisión crítica de determinados acontecimientos históricos y desarrollos estético-formales que caracterizaron las vanguardias del siglo pasado en los campos artístico, arquitectónico y literario.  
Para la exposición ROSI AMOR, concebida específicamente para el Programa Fisuras, el artista propone una investigación material y formal inspirada en los barrios madrileños de Las Tablas y Vallecas, y en el Monasterio de El Escorial. Cada uno de estos lugares está asociado a diferentes técnicas escultóricas que identifica a su vez con la estética de lo empresarial, lo popular y lo histórico.  
La exposición irá acompañada de un folleto que incluye una conversación del artista con María Salgado, poeta que desarrolla asimismo un trabajo de recuperación del pasado. 
David Bestué ha realizado exposiciones individuales en García Galería, Madrid, o La Capella, Barcelona, y ha expuesto en citas internacionales tan relevantes como la Bienal de Venecia (junto a Marc Vives) en 2009, o Gasworks, Londres, en 2010. (MNCARS press-release)

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini: Planta 1 y Sala de bóvedas

http://www.museoreinasofia.es

http://www.davidbestue.net

Imagen: David Bestué, Motor de sangre sobre banco de arena y vasos de hueso y mármol, 2017. Resina, arena, harina de sangre, y polvo de mármol y hueso. Medidas variables

MADRID. “MADATAC 09:Interactivo/ Exteractivo ” Muestra Internacional de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Acontemporáneas. Varias sedes

10 – 30 enero 2018

Desde el 10 hasta el 30 de enero, Madrid se convertirá en un hervidero de videoarte y nuevos medios en varias sedes de la ciudad. Galería Aspa Contemporary, Centro Cultural Conde Duque, NH Collection Eurobuilding y Medialab-Prado.

MADATAC, la Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Acontemporáneas, llega a su novena edición habiéndose establecido en España como el referente de la cultura digital y del arte audiovisual más experimental. Sin dejar a un lado el pragmatismo especializado en las prácticas del arte de los nuevos medios, esta “novena” representará un nuevo ejercicio de auténtica pasión y lealtad en la permanente edificación de nuestro privilegiado bastión, desde el cual se promueven las creaciones y a los artistas más eclécticos y radicales de la escena futura. Esta edición, que lleva por título “Interactivo/ Exteractivo”, presenta un acercamiento interactivo a las posibilidades del nuevo arte audiovisual mediante la visualización de videocreaciones y de instalaciones donde la realidad virtual se nos presenta como una posible vía para reinventar las artes digitales y explorar la espacialidad que nos rodea en forma de experiencias artísticas, dirigidas a transformar y redimir nuestra conciencia sobre los límites de la propia realidad, tanto la de nuestra cosmogonía interior como la del complejo vacío exterior. Desde una perspectiva interdisciplinar y fusionando el mundo de la técnica con el de la imaginación, en una apuesta por el riesgo y la belleza, MADATAC desafía las perspectivas convencionales ofreciendo el arte audiovisual más inclasificable y transformador. El espectador se encontrará con obras que abarcan multitud de temáticas a través de asombrosos lenguajes audiovisuales y tecnologías inmersivas que cuestionan las relaciones entre el arte, la ciencia, la filosofía y la evolución humana. Iury Lech, Director MADATAC  09.

Desde el 15 hasta el 20 de enero la galería Aspa Contemporary presenta “No habrá servicio los domingos ni en el cumpleaños de la Reina Victoria”, una instalación interactiva de Nieves de la Fuente. La obra basada en la topografía casi marciana de la mina de Riotinto reflexiona sobre la emigración y el daño ecológico y “My Peony Pavillion” videoinstalación en la que la galardonada artista taiwanesa Isa Ho yuxtapone la ópera Kun Qu, y el popular K-Pop coreano. La autora hace suya una de las piezas clásicas del repertorio del Kun Qu y evidencia la nueva conciencia de la mujer asiática.

 Descargar el programa completo de Madatac 09

http://madatac.es

http://www.aspacontemporary.com

Imagen: “No habrá servicio los domingos ni en el cumpleaños de la Reina Victoria”, instalación interactiva de Nieves de la Fuente

MADRID. Paula Anta “Kanzel “ Galería Pilar Serra

16 diciembre 2017 – 26 enero 2018

Paula Anta es una artista de profunda sensibilidad que suele expresarse a través de la fotografía, fotografías de paisajes en los que interviene creando un vínculo entre lo natural y lo artificial, una alteración del paisaje muy sutil que parte de materiales naturales: piedra, arena, agua, polvo, pigmentos naturales o en algunos casos elementos como plástico, pvc, aerosoles que contrastan con el paisaje o con una naturaleza cada vez más desnaturalizada.

Anta ha ido realizando series fotográficas desde 2007: Palmehuset, Paraísos Artificiales, Rutas Negras, Edera, L´Architecture des Arbres, Hendu y ahora la Galería Pilar Serra presenta Kanzeln, una serie realizada en Alemania, dentro de un coto de caza de la localidad de Walterschen, en la región de Westerwald, una zona rural de origen volcánico en la que se encuentran zonas dedicadas a la agricultura y la ganadería, junto a frondosos bosques de robles, abetos y abedules. Kanzel  significa caseta de aguardo, en alemán, casetas construidas para la caza, comparables a una cámara oscura, una ventana desde la que observar, esperar, mirar; suelen estar situadas en función de los elementos de la naturaleza que la rodean, se tienen en cuenta el recorrido de los animales, sus escondites, sus camino, sus lugares de comida, de sueño, de descanso y también la densidad de los árboles, el fluir del viento, los ríos, los valles… La artista hizo un recorrido metódico de todas las casetas ubicadas en el paisaje, observándolas desde fuera, pasando tiempo en el interior, ante un paisaje poderoso, bello, silencioso, en una soledad que propicia el encuentro con nosotros mismos, y nos lleva a una reflexión sobre la vida y la muerte, sobre la belleza y la violencia, sobre nuestra relación con la naturaleza y con los animales, desde una posición de profundo rechazo al maltrato que supone la caza que en nada contribuye a la conservación ni a la protección del medio ambiente, ni es una forma válida de selección animal. Ojalá esas casetas no fueran ya nunca utilizadas más que para que la mirada se recrease en ese mundo exterior, en esa explosión de vida.

Paula Anta (Madrid 1977) Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid tiene asimismo título profesional de piano. Ha obtenido numerosos premios y becas, como el Premio Aena de Fotografía, el Premio de la Comunidad de Madrid en la feria Estampa, Mencion especial Combat Prize Livorno ( Italia), entre otros. Las becas le han llevado a residir en Roma, París y Francfurt. De 2005 a 2015 ha impartido numerosas clases magistrales y conferencias en la Escuela Superior de Comunicación Imagen y Sonido CEV, en Hochschule für Gestaltung Offenbach (Frankfurt), Universidad Cornell de Roma, Escuela Universitaria de Arte y Espectáculos TAI de Madrid, Universidad de Murcia, Universidad Francisco de Vitoria. Reparte su tiempo entre Alemania y España. (Pilar Serra press-release)

Galería Pilar Serra. Santa Engracia, 6 – Bajo Centro. 28010 Madrid, España

http://pilarserra.com

http://www.paulaanta.com

Imagen: Paula Anta “Kanzel”

MADRID. “Tentativas para agotar un espacio” La Principal.Tabacalera

1 diciembre 2017 – 4 febrero 2018

Tentativas para agotar un espacio  es un proyecto de investigación colectiva que busca el diálogo con el espacio y la historia de Tabacalera a través de diferentes estrategias artísticas. 

Impulsada por el grupo REAR, esta serie de tentativas desplegadas en Tabacalera busca agotar su realidad inmediata para hacer presente el espacio-tiempo plural que resguarda y convoca su arquitectura, el movimiento que sobrevive en su aparente silencio en el día a día de la ciudad.

El eje principal de la muestra lo forma una serie de piezas realizadas específicamente para Tabacalera, diferentes aproximaciones y lenguajes artísticos que componen un ejercicio de escucha espacial múltiple y atenta. Sébastien Remy establece un puente físico y temporal con la memoria de la fábrica y sus trabajadores generando un nuevo espacio de representación que, como un extraño espejo, convoca la multitud de sus ecos alrededor del visitante. Con una minuciosidad pareja, Irma Álvarez-Laviada se apropia de las técnicas y discursos de la restauración para intervenir los muros originales del edificio e inquietar nuestra confortable relación con lo visible y lo invisible. Rodríguez–Méndez se apropia del espacio de Tabacalera estableciendo una conexión con su propio taller para adentrarse en la superficie de los materiales que allí encuentra con una geometría operativa alejada de la abstracción como única arma. FOD se encarga de agitar la percepción espacial del visitante desde el mismo hall de entrada de la exposición, donde, mediante un dibujo escultórico, produce un doble invertido de la cúpula que cubre este paso. En un diálogo crítico con las pinturas de inspiración colonial presentes en el Palacio de Schönbrunn de Viena, Belén Rodríguez viste las formas arquitectónicas de Tabacalera con un mural pictórico expresión de la tensión nunca resuelta del espacio en blanco. Patricia Esquivias traslada una serie de relieves de mujeres de la burguesía madrileña al espacio de Tabacalera, poniendo de manifiesto la falta de representación de las trabajadoras que ocuparon anteriormente el espacio. Miguel Ángel Delgado, en su ejercicio de expansión del espacio expositivo mediante la apertura de puertas espacio temporales hacia las partes del edificio inaccesibles para el visitante, hace aparecer una Tabacalera de límites imposibles y dimensiones inconmensurables. Por último, Nicolás Combarro convoca nuevos equilibrios y relaciones espaciales capaces de trastornar el orden y estabilidad de su arquitectura a través de una serie de intervenciones en las plantas superiores del edificio que traslada a la muestra a través de piezas fotográficas.

A las intervenciones de los artistas se suman, desde la palabra, otros ejercicios de agotamiento espacial: en el diálogo entablado con los autores por parte de Lucía Jalón y volcado en un mapa del espacio conjurado por sus tentativas, en las veintinueve notas y un poema ofrecidas por Alberto Ruiz de Samaniego y en la invitación de Érika Goyarrola a mirar la grieta abierta por las estrategias de exploración espacial empleadas por el arte del último siglo. La exposición se completa con una serie de encuentros y conferencias vinculadas con las intervenciones, un programa de actividades paralelas realizadas por el equipo educativo de Tabacalera y una programación específica de cine experimental coordinada por Luis E. Parés.

Artistas | Belén Rodríguez | FOD | Irma Álvarez-Laviada | Miguel Ángel Delgado | Nicolás Combarro | Patricia Esquivias | Rodríguez-Méndez | Sébastien Rémy (Promoción del arte press-release)

Tabacalera. La Principal. Embajadores 51. Madrid

https://www.promociondelarte.com/tabacalera

Imagen: “Mural” Belén Rodriguez

MADRID. Victoria Civera “Every Day. Ni la palabra ni el silencio ” Centro de Arte Alcobendas

28 noviembre 2017 - 3 febrero 2018 

Every Day. Ni la palabra ni el silencio es una exposición concebida por Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955) específicamente para el Centro de Arte de Alcobendas. Planteada como una sinuosa travesía entre sus obras, en la muestra, un conjunto de instalaciones recientes dialogarán con piezas emblemáticas de toda su trayectoria. La exposición puede considerarse una suerte de retrospectiva sintética por rescatar lo esencial de su práctica, y detenerse en trabajos que permiten abordar cuatro décadas de trayectoria desplegada en todas las disciplinas: pintura, escultura, instalación, fotografía, vídeo y dibujo.
El punto de partida del proyecto es «el hacer de la artista», la observación del proceso de trabajo solitario que Civera lleva a cabo incansablemente en sus estudios de Nueva York y Saro (Cantabria). Su característico lenguaje híbrido surge de un modo de hacer, en el que la investigación sobre la representación de imágenes y la experimentación con los materiales colisionan con aspectos afectivos y sociales, para generar estructuras que se van puliendo progresivamente, hasta lograr instalaciones de una potente carga sensorial. Poseedora de una gramática propia, con muchas claves privadas, sus piezas tienen el poder de acallar al visitante, pues para disfrutarlas precisan de pocas palabras y muchos silencios.
El uso de objetos cotidianos y de materiales industriales, junto a las técnicas tradicionales, dota a su obra de una atmósfera singular, en la que el debate arte vs. realidad se hace presente, así como el interés por la arquitectura y los temas existenciales e identitarios: la espiritualidad cotidiana, el tiempo y la finitud, o el sujeto femenino y su situación en el mundo.
En la exposición podrán verse piezas icónicas de la artista, como "Aviador Sibila" (2008), "Sueños inclinados" (2009), "Habitación anónima" (1993), "Mal de Jem" (2004) o "A-be-ce-da-rio" (1991), en diálogo íntimo con las instalaciones recientes, y el vídeo "Nieve en Saro 2004" (2017), que aporta el tono a todo el proyecto. En definitiva, es una inmersión en la obra de una artista de piezas fascinantes que, citando sus palabras, "van surgiendo del silencio, parten del objeto pequeño, tocado, minúsculo", y se trabajan "en voz baja". Comisaria: Susana Blas

C/ Mariano Sebastián Izuel 9 . 28100 Alcobendas, Madrid

http://www.centrodeartealcobendas.org

Imagen: Victoria Civera “Every Day. Ni la palabra ni el silencio ” Centro de Arte Alcobendas

MADRID. Daniel Canogar “Fluctuaciones” Sala Alacalá 31

29 noviembre 2017 – 28 enero 2018

La exposición, comisariada por Sabine Himmelsbach, se articula en torno al cambio tecnológico, presentando gráficamente la complejidad del mundo digital de hoy. Canogar utiliza medios tecnológicos, poniéndolos al servicio de una experiencia artística novedosa y entablando, al mismo tiempo, un diálogo estético con los entornos digitales.

En las grandes instalaciones y vídeo-animaciones generativas de la exposición, el artista aborda el impacto de las tecnologías en la sociedad, visibilizando el paso de los sistemas electromecánicos a los digitales e indagando en la posición que ocupa el individuo en una era interconectada tecnológicamente. Entre estas piezas destaca Sikka Ingentium, la culminación hasta la fecha de las reflexiones de Canogar sobre el cambio tecnológico y las bibliotecas rotas de nuestra memoria cultural.

“Fluctuaciones” muestra un mundo en tránsito, de memorias pasajeras y fugaces, de cambios tecnológicos y de flujo de datos en constante crecimiento, evidenciando las inevitables transformaciones que las tecnologías continúan aportándonos. (Madrid.org press-release)

Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. 28014 Madrid

http://www.madrid.org     http://danielcanogar.com

Imagen: Sikka Ingentium. Daniel Canogar

MADRID. Esther Ferrer “Todas las variaciones son válidas, incluida esta” Palacio de Velázquez

26 octubre 2017 – 25 febrero 2018

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos). 



En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.



A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisariado: Mar Villaespesa y Laurence Rassel. (MNCARS press-release)

Palacio de Velázquez. Parque del Retiro, Paseo Venezuela, 2, 28001 Madrid

http://www.museoreinasofia.es

http://estherferrer.fr/en

Imagen: Esther Ferrer, Biografía para una exposición, 1982. Collage. Fotografía y tinta sobre papel. 32,5 x 24 cm. Cortesía de la artista