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BARCELONA. Soledad Sevilla “Génesis” Galería Marlborough

25 mayo – 1 julio, 2017

La muestra exhibe más de una docena de obras de distintos formatos y periodos, ejemplos destacados de su trayectoria artística, que abarcan más de cuatro décadas de trabajo. A lo largo de su dilatada trayectoria artística Soledad Sevilla (Valencia, 1944) muestra una invariable inquietud por las relaciones entre el espacio, la luz, la materia y el color. Su método de trabajo es a través de series pictóricas que le permiten profundizar en cada tema que aborda hasta conseguir llegar a la imagen deseada y a partir de allí perfeccionarla. En su obra se manifiesta una clara preocupación por el orden y el ritmo. Presentamos en la muestra diversas obras de los años 70 en las que se puede apreciar como Sevilla partía de una rigurosa base geométrica formando redes unas veces más densas y otras más dinámicas.

Hacia finales de los años 90 desaparece de su obra la estructura básica en forma de retícula, de la que Sevilla hacía uso en series como Las meninas (1981-83) o Alhambras (1984-86), para dar paso a una abstracción de cáliz más lírico, una pintura de trama más poética que busca la complicidad entre lo emocional y lo racional. En la exposición se podrán ver algunos de los muros vegetales, cascadas oníricas de floración cromática como Insomnio sin sonido (2000) o Insomnio de Soledad (2003). En los últimos años Sevilla ha abordado el tratamiento de las texturas de superficies como la madera y el metal es el caso de obras como Hammershoi azul (2008) o de Sonata (2010), otra de sus obras de grandiosas dimensiones que forma parte de su Retablo (2010), pero tiene a su vez vida independiente. La exposición se cierra con uno de sus trabajo más recientes en los que el color revela su huella a partir de reiteradas y vibrantes pinceladas que multiplicadas se disuelven en atmósferas de variaciones cromáticas, Las lunas oscuras de cristal (2015).

Soledad Sevilla nace en Valencia en 1944. Estudia en la Academia de bellas Artes de Sant Jordi en Barcelona entre 1960 y 1965. Participa entre 1969 y 1971 en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1980 y 1982 reside en Boston, realizando estudios en la Universidad de Harvard. Soledad Sevilla recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas (1993), la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2007) y el Premio Arte y Mecenazgo de la Fundación La Caixa (2014) entre otros reconocimientos. (Galería Marlborough press-release)

Galería Marlborough. Enric Granados 68. Barcelona, 08008, Spain

http://www.galeriamarlborough.com http://www.soledadsevilla.com

Imagen: Soledad Sevilla, Insomnio de Soledad, 2003

BARCELONA. Josep María Subirachs “Obra sobre papel y escultura (1957-2008)” Galería Eude

4 mayo – 30 septiembre 2017

La galeria Eude organiza una exposición para conmemorar el 90 aniversario del nacimiento de Josep María Subirachs (Barcelona, 1927-2014), escultor, pintor, dibujante y grabador.

La muestra de Subirachs en Eude se centra en dibujos originales a tinta, aguafuertes y litografías (sus técnicas preferidas de estampación) y esculturas múltiples de pequeño formato. La obra de Subirachs se caracteriza por el análisis de las dualidades y las oposiciones: horizontal-vertical, positivo-negativo, masculino-femenino, espacio-tiempo, vida-muerte.

Los temas son: Elementos arquitectónicos del mundo faraónico y greco-romano. Homenajes a personajes admirados por el artista (Bernini, Miguel Ángel, Mozart, Rembrandt…). Elementos simbólicos como los laberintos, la torre de Babel, la escalera del intelecto de Ramon Llull. Valores universales como el conocimiento, el diálogo, la idea, la materia y la forma. Complementa la exposición una videoproyección sobre la obra de Subirachs.(Eude press-release)

Galería Eude. Consell de Cent, 278. 08007 Barcelona

http://www.galeriaeude.com

Imagen. A Imhotep. Josep María Subirachs

BARCELONA. Dani García Sarabia “Más allá del Bosque” Fifty Dots Gallery

4 mayo - 1 junio, 2017
¿Qué esconden los bosques? ¿Qué ocultan bajo sus frondosas ramas y sus gruesos troncos? Cuando divisas un bosque desde su linde es imposible hacerte una idea de su magnitud, solo ves lo que sus primeros árboles, sus guardianes, te quieren mostrar y eso tan solo son unos escasos metros. No es hasta que te adentras en él, que no descubres el universo en el que te estás sumergiendo. La atmósfera cambia, los sonidos quedan amortiguados, el cielo es cubierto por el ramaje y la luz filtrada por las hojas adquiere una tonalidad única.

El bosque es muy caprichoso y jamás te dejará descubrir más allá de unos pasos a tu alrededor. Como si en una burbuja te encontraras, te irá mostrando y ocultando sus secretos a medida que vas penetrando en él, haciéndote perder la noción del espacio y tiempo transcurridos.

Los árboles se entremezclan para cubrir el campo de visión y troncos caídos nos barran el paso, aunque salvar estos obstáculos tiene su recompensa. Si paramos atención, cada rincón nos muestra un nuevo misterio que capta nuestra atención. Pequeñas puertas que nos trasladan a un mundo atemporal y primitivo, con una esencia mágica que casi puede palparse.

Dani García Sarabia (1978 Vive y trabaja en Barcelona). Hablar de Dani García Sarabia es mostrar a un fotógrafo que busca en el paisaje más puro la esencia más primitiva que nos ofrece el hábitat natural. Las imágenes que capta con su mirada de artista aparecen llenas de contradicciones. Por un lado semejan cuadros dulcemente extraídos de la naturaleza y, por otro, están dotadas de un inmenso dramatismo que es capaz de transportarnos hasta espacios interiores casi ignotos. Bajo sus hábiles dedos la cámara juega de una manera extraordinaria para mostrar diferentes facetas de un mismo paraje a través del juego de la luz y de los matices o, incluso, de la ausencia del color. Y todo ello gracias a los altos contrastes que ofrecen los climas extremos. Es por ello que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que las escenas retratadas bajo su particular y especial perspectiva a menudo encierran una sutil ironía o doble sentido que inspiran distintas reflexiones e interpretaciones. (Fifty Dots press-release)

Fifty Dots Gallery. Milà i Fontanals, 59. 08012 Barcelona

www.sarabiaphoto.com  http://www.fiftydots.com

Imagen: Más allá del bosque I. Dani G. Sarabia

BARCELONA. Verónica Losantos “screen memories” Centro de Fotografía y Medios Documentales

5 mayo – 30 junio, 2017

Los cumpleaños, las visitas de familiares, bautizos, el primer del día en la escuela, viajes de vacaciones, el último día en la escuela, álbumes de fotos que canonizan eventos familiares especiales a las narraciones colectivas y visualizan historias de vida individuales. Los álbumes son una afirmación de los propios orígenes, apoyos importantes para los recuerdos que recobran una nueva vida tras ser largamente olvidados. Sin embargo, que ocurre cuando un protagonista esencial como el padre no se encuentra entre esta narrativa? ¿Cómo influye su ausencia en los recuerdos propios de la infancia? ¿Se pueden crear sus fotografías ausentes en forma retrospectiva? Y se puede revivir recuerdos a través de la recreación visual? Verónica Losantos no tiene fotos de los momentos que compartía con su padre y la ausencia de estas fotografías harán que llene las lagunas de su memoria. Con su apropiación artística, la reconstrucción y la asociación del pasado, Verónica Losantos revela la fugacidad y la falta de definición inherente al acto de recordar.
Verónica Losantos, (Logroño1984), estudió medios de comunicación  audiovisual en la Universidad de Burgos y diseño fotográfico en el Lette Verein en Berlín. En 2013 ganó el segundo premio del concurso de fotografía realizado por C / O Berlin, Close Up! Sus obras han sido expuestas en Freies Museo de Berlín, la galería World in a Room, el Contact Photography Festival en Toronto y en la galería f5,6 en Munich. En la actualidad trabaja como fotógrafa independiente en el campo de la educación en la Society for Humanistic Photography. Verónica Losantos vive en Berlín. (CFD press-release)

CFD. Centro de Fotografía y Medios Documentales. C/Fontrodona, 31 - 08004, Barcelona

http://cfdbarcelona.com    http://www.veronicalosantos.com

Imagen: Verónica Losantos

BARCELONA. Mabel Palacín “The missing link” galeria àngels

04 abril -  09 junio, 2017

àngels barcelona presenta “The missing link”, el último proyecto de Mabel Palacín y su segunda exposición individual en la galería, con el que prosigue su investigación alrededor de la relación que mantenemos con las imágenes, su funcionamiento y la mediación que éstas suponen para la realidad en la que habitamos; o lo que también se conoce como “la cinematización de la sociedad en lo cotidiano”.

Mabel Palacín (Barcelona 1965), vive y trabaja entre Milán y Barcelona, ​​es una de las figuras más emblemáticas de una generación de artistas que analiza los métodos de producción de las imágenes y su cuestionamiento dentro del arte contemporáneo (como contexto convencional y "medio ambiente"), junto con un análisis de la realidad (como mundo social o imaginario). "Mi trabajo examina la relación que tenemos con las imágenes y la función mediadora que éstas tienen con la realidad. Hay dos aspectos en esta relación que particularmente me interesan: la resistencia de las imágenes hacia una interpretación estable y la propensión de las técnicas de la imagen para producir un tipo de lenguaje específico (o lingua franca) en el arte contemporáneo "Mabel Palacín. (àngels barcelona press-release)

àngels barcelona. c/ Pintor Fortuny, 27 - 08001 Barcelona, Spain

http://angelsbarcelona.com

Imagen: galería àngels

 

BARCELONA. Picasso “Retratos” Museu Picasso

17 marzo – 25 junio, 2017

En su adolescencia Picasso realizó autorretratos y retratos de miembros de su familia que revelan un don precoz para sugerir caracteres y estados de ánimo así como para captar parecidos. Las caricaturas, que gozaban de una gran popularidad a finales del siglo XIX, sirvieron de canal para su humor satírico y también estimularon audaces experimentos con la distorsión, la exageración y el simbolismo (una tendencia reforzada por su descubrimiento de El Greco y de los estilos antinaturalistas de vanguardia) así como su creciente inclinación por trabajar de memoria, a veces ayudándose de fotografías, más que con posados de modelos. Cuando se instaló en París en 1904, Picasso ya había producido un importante corpus de retratos de notable variedad conceptual y emocional. Dado que casi siempre representaba a las personas en sus círculos íntimos, no estaba atado por las obligaciones y limitaciones habituales del artista sujeto a encargos y no dudaba en explotar toda su gama de técnicas y estilos innovadores. Sin embargo nunca, ni en los períodos de mayor transgresión y expresionismo, dejó de hacer exquisitos dibujos del natural de estilo clásico y naturalista. Los cambios drásticos de formas y estilos son de hecho una característica recurrente de la prolífica creación de retratos de mujeres a lo largo de su vida.

A pesar de su inquieta creatividad Picasso mantuvo un diálogo constante e indagador con el arte del pasado, habitualmente mediante el uso de formatos y poses tradicionales (busto, medio cuerpo, rostro entero, tres cuartos, etcétera) y añadiendo sutiles alusiones a los retratos de los antiguos maestros que tenían algún tipo de relación con la visión que el pintor tenía del físico, de la personalidad o del vínculo que mantenía con el sujeto retratado. En su etapa de madurez Picasso veía a sus predecesores favoritos como amigos y colaboradores, y no tenía escrúpulos a la hora de caricaturizarlos o de permitirse fantasías sobre sus vidas sexuales que reflejaban su propia obsesión con la interacción entre el erotismo y la creatividad. Sus series tardías de “variaciones” sobre Las Meninas de Velázquez y sobre El hijo pródigo de Rembrandt (también presentes en la exposición) le permitieron sumergirse de manera imaginativa en dos obras maestras fundamentales que implican de algún modo el autorretrato y reflexionar sobre la compleja relación psicológica entre el artista y su modelo, sus objetivos como retratista y la viabilidad del retrato en el entorno supuestamente hostil del arte contemporáneo. La exposición contará con pinturas, esculturas, dibujos y grabados de todos los períodos de la larga carrera del artista. La comisaria es Elizabeth Cowling, catedrática emérita de Historia del Arte en la Universidad de Edimburgo y especialista y comisaria independiente. (Museu Picasso press-release)

Fundació Museu Picasso de Barcelona. c/ Montcada 15-23. 08003 Barcelona

http://www.bcn.cat/museupicasso/es

Imagen: Retrato de Olga Picasso. Picasso 1923

BARCELONA. Santi Moix “The Brooklyn Navy Yard” Galeria Carles Taché

2 marzo – 17 junio, 2017

La Galeria Carles Taché tiene el placer de presentar la exposición The Brooklyn Navy Yard del artista Santi Moix. La muestra reúne las últimas obras realizadas por Moix en su estudio, situado en el lugar homónimo al título de la exposición.
Son pinturas de gran formato, todas ellas consagradas a la representación floral, un tema que a lo largo de la historia del arte ha causado gran fascinación a muchos artistas y ha demostrado su capacidad de aglutinar a los espectadores más dispares. En un ensayo reciente sobre el artista, el crítico de arte y comisario Luca Beatrice citó lo que viene a ser este proceso como "generoso, ecléctico, sin tapujos, energía pura", y es que estos materiales de estudio ahora sirven como base para sus nuevas composiciones. Moix vuelve a los temas centrales de su obra, que evocan la vida vegetal y animal tamizadas a través de la amplitud de los estudios y ensayos  sobre papel y luego collage en grandes formatos en lienzo. El resultado es un mundo complejo, etéreo como el mismo Moix

Santi Moix nació en Barcelona en 1960. Las exposiciones individuales más recientes incluyen "Brooklyn de estudio," M77 Gallery, Milon, Italia; "Santi Moix en Huckleberry Finn: Acuarelas y Wall Dryawings," Paul Kasmin Gallery, Nueva York; y "Las Aventuras de Huckleberry Finn", Centro Cultural Fundación Círculo de Lectores, Barcelona, ​​España. En 2013 recibió el encargo de un mural de 200 pies en el SoHo Epicentro Prada. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas como el Museo de Brooklyn, Nueva York y el Museo de Arte Moderna de São Paulo, Brasil. Moix vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. (Carles Taché press-release)

Galeria Carles Taché. Carrer de Mèxic, 19 (pasaje interior). 08004 Barcelona

http://www.carlestache.com  

Imagen: Santi Moix

BARCELONA. Jordi Alcaraz “Esborradís” Museo Can Framis

23 enero - 11 junio, 2017

Jordi Alcaraz (Calella, 1963) es un creador en el intersticio que separa la poesía visual y la proyección conceptual, con una propuesta de aproximación metafórica al objeto. Alcaraz experimenta con materiales frágiles presos de un cierto lirismo –el agua, el vidrio, el espejo, el libro– para trabajar relaciones de tensión entre la materia y tejer un discurso en torno al volumen, el lenguaje y el tiempo. Su obra, que trasciende el límite entre disciplinas, es un alegato a favor de la obra inacabada y el arte como ficción.

“Cada imagen de este fotógrafo virtual de Barcelona es un puñetazo certero a los sentidos. Jordi Alcaraz reconvierte la realidad en mensajes comprometidos que cobran vida y emocionan. Los objetos cotidianos se transforman en cápsulas de información animadas que concentran tanta intensidad que en ocasiones parece que están vivos y saldrán corriendo en cualquier momento. Dar un nuevo sentido a nuestro entorno, eso consigue este artista, que al caer la noche se transforma en para4gatos” Mayka Navarro

La trayectoria de reconocimiento de Alcaraz ha sido particularmente impresionante en los últimos años. Sus obras han sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Bélgica, Alemania, Italia, Canadá, Suiza y España y en ferias internacionales de arte en los EE.UU. y Europa. (Can Framis press-release)

Museu Can Framis. Carrer de Roc Boronat, 116-126, 08018 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.com   http://jordialcaraz.com

Imagen: Jordi Alcaraz 

BARCELONA. Oriol Vilanova "Domingo" Fundació Antoni Tápies

5 febrero – 28 mayo 2017

La exposición "Domingo" ha transformado la Fundació Antoni Tàpies en un museo de todas las épocas y ámbitos geográficos que turistas de otros tiempos han compartido a través de un formato tan modesto como es la carta postal.

El coleccionismo compulsivo al que Oriol Vilanova se rinde los domingos escarba en las ruinas de la sociedad del espectáculo, la misma que impulsó una ingente producción y circulación de imágenes. Tal como imagina el artista “los mercados de pulgas ahora son santuarios” en los que un objeto tan banal como la tarjeta postal sigue brillando entre el polvo.

Domingo tras domingo, Oriol Vilanova (Manresa, 1980) se adentra en los mercados de pulgas. Allí acostumbra a adquirir postales que en otro tiempo circularon por todo el mundo. Su estado natural, hoy en día, es el de una máxima dispersión, una impresión que se agrava al comprobar que en los encantes estas imágenes conviven con libros usados, revistas, cómics, cromos, sellos, monedas, películas y videojuegos desechados. Domingo (2017), la instalación que ocupa los dos espacios principales de la Fundació Antoni Tàpies (niveles 1 y -1), muestra la totalidad de las tarjetas postales coleccionadas por Oriol Vilanova. Reunidas durante más de quince años, cada una de ellas entra a formar parte de una sección temática. La colección cuenta ya con cerca de treinta y cuatro mil postales y un centenar de secciones que permiten clasificarlas. Dada la formación del artista, los motivos arquitectónicos son los más frecuentes. Otros temas tan diversos como arcos de triunfo, banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas, puestas de sol y zoos, entre muchos otros, conforman un museo de todas las épocas y ámbitos geográficos. Una de estas secciones, a la que el artista se refiere con el término “inclasificables”, deja la puerta abierta a nuevas incorporaciones.

El constante crecimiento de esta obra enfrenta al artista a una promesa de acumulación perpetua. En este sentido, Domingo adopta una forma provisional, temporal y contingente. Su réplica se encuentra al descender las escaleras que conducen a las galerías subterráneas (nivel -2). Para ser preciso (2017) acumula en un espacio angosto y reducido el mismo número de postales que se han desplegado en Domingo. La gestión de tal cantidad de tarjetas inspira una serie de intervenciones que modifican paredes y columnas, de la misma manera que se hace con las imágenes en un entorno digital, clonándolas comprimiéndolas o borrándolas. Así es como 1990 (2017) y Complet (2017), corren el riesgo de pasar desapercibidas. Ambas han sido instaladas en la planta de la Biblioteca de la Fundació Antoni Tàpies (nivel 1), pero su funcionalidad despierta serias dudas. (Fundació Antoni Tàpies press-release)

Fundació Antoni Tàpies . Aragó 255 . 08007 Barcelona

http://www.fundaciotapies.org   http://www.oriol-vilanova.com

Imagen: Oriol Vilanova