Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
3749258

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

 

Foto: B. Mora

BARCELONA. Blanca Casas Brullet “Material Sensible” Rocio SantaCruz Art

11 enero  – 10 marzo, 2018

Desde sus inicios, el trabajo de Blanca Casas Brullet (Mataró, 1973) se ha nutrido de imágenes inscritas en el lenguaje cotidiano, de la polisemia y de la carga poética que se esconde en los intersticios y en el paso de un idioma a otro.

Las figuras retóricas y las imágenes de la lengua que invocamos para dar cuenta del mundo impregnan la mirada de la artista, siempre atenta a las pérdidas y a los falsos amigos, a los malentendidos y al potencial poético –y en ocasiones también lúdico– de la traducción.

Desde hace unos años la artista se interroga plásticamente sobre el momento de la aparición de la imagen, así como su proceso de fabricación. Concibe, al fin y al cabo, el trabajo de creación como el lugar donde desarrollar un lenguaje plástico para intentar “hacer sentido” al tiempo que se “hace forma”. Es por ello que el taller, la mesa de trabajo, la página en blanco son el centro de sus dispositivos de exposición, así como los desbordamientos, arrugas, agujeros y accidentes que acontecen en el proceso de la materia plástica en transformación.

Encontramos, en la obra de Blanca Casas, materiales, medios y procesos utilizados de forma contradictoria en propuestas paradójicas que ponen en cuestión el ensayo, la tentativa o lo inacabado. Propuestas que hablan de manera metonímica del trabajo a partir de la interrogación sobre su propia consistencia: la imagen se nos presenta como inestable, no fijada, en forma de objetos inciertos e incipientes.

Así pues, el conjunto de tentativas y errores que habitan los rincones del taller, los papeles arrugados que llenan las papeleras, los montajes a veces dispendiosos de materiales diversos, nos hablan del propio trabajo de investigación plástica. Y es que a pesar de la tendencia a esconder el error (en un mundo que se querría eficaz), la deriva y el ensayo, el accidente y lo inesperado se encuentran en la base de todo proceso de aprendizaje y de creación, en la raíz misma del trabajo, sea o no artístico.

En Material sensible, la interrogación sobre lo fragmentario, lo discontinuo o lo inestable remite a la noción de precariedad. Su exploración plástica se sitúa en la suspensión entre dos estados, al tiempo que, dentro de su lógica paradójica, la artista se apropia en esta ocasión de materiales de construcción para preguntarse cómo resistir y construir desde ese espacio incierto. Las formas plásticas y los materiales entran en resonancia con situaciones sociales, económicas, políticas, históricas, pero sin ser una ilustración de las mismas.

Se trata, en definitiva, de una exploración desacomplejada de la polisemia y la analogía, componiendo con palabras, materiales y formas, con desplazamientos, pérdidas y enriquecimientos, las desviaciones y las interrelaciones propias de la traducción de una disciplina a la otra, de una técnica a otra, de un medio a otro. (Rocio SantaCruz press-release)

Rocio SantaCruz Art. Gran Via de les Corts Catalanes 627. 08010 Barcelona

http://rociosantacruz.com

Imagen : Blanca Casas Brullet. Plan de travail, 2015

BARCELONA. Kenor “Rítmica” N2 Galeria

11 enero – 2 marzo, 2018

N2 Galería presenta la exposición Rítmica, del artista multidisciplinar Kenor.

Además de ser reconocido internacionalmente por su trayectoria en el street-art, Kenor ha expuesto con éxito su trabajo de estudio en galerías y ferias de Francia, Bélgica, Italia y Estados Unidos. La abstracción geométrica que caracteriza su obra es una reinterpretación visual de la música. En efecto, el proceso creativo comienza usualmente eligiendo una canción e interpretándola. En esta ocasión ha estado presente la música techno de Detroit, su ritmo abstracto y futurista. A cada beat parece corresponderle un gesto, un color. Las líneas se entrecruzan y se superponen unas sobre otras. Del mismo modo que el compás forma el color de la canción, el conjunto de líneas y sus colores forman el ritmo de la obra. Así, se asocia una melodía o un cambio de ritmo a cada conjunto de líneas y colores. En palabras del propio artista, lo que pretende es incitar al espectador a «sentirse parte de un fragmento sonoro».

Las obras que nos presenta son fragmentos sonoros audibles por el efecto sinestésico que provocan los movimientos y colores capturados. Una de las peculiaridades de esta exposición es que por primera vez cobra protagonismo la escultura por encima del lienzo. El trabajo escultórico actual de Kenor continúa siendo cercano a sus primeras instalaciones en espacios abandonados, cuando empleaba los materiales residuales que quedaban tras el desmantelamiento, principalmente el hierro y la madera. Es destacable en este artista la coherencia entre su obra de street-art y su obra de estudio desde sus comienzos hasta el día de hoy. Los instrumentos, los materiales y la carga conceptual de sus obras en una y otra vertiente son los mismos y siguen una evolución paralela. El movimiento directo y natural de sus líneas pintadas con spray en la calle, es capturado en las telas con una acción limpia y expansiva. Abunda en su obra la fragmentación de esas líneas en trozos de color. En algunos casos parece como si el contorno de las líneas implosionase y, en otros, como si salpicaduras externas contagiasen la escena. En ambos casos transmite una sensación de movimiento y ritmo, de ahí el título de esta exposición, que nos indica, por un lado, la base sobre la cual trabaja sus obras y, por otro, la manera de interpretarlas. Su intensa actividad “indoors” no le ha impedido seguir trabajando en el espacio urbano entendiéndolo siempre, no como un escaparate para darse a conocer, sino como una exigencia personal casi obsesiva de interactuar con el espacio, con los transeúntes y consigo mismo, a fin de alcanzar una sensación de libertad creativa que retroalimenta su trabajo de estudio. (N2 press-release)

N2 Galería. Enrique Granados, 61. 08008 BARCELONA

http://www.n2galeria.com

http://elkenor.com

Imagen. Kenor “Rhythim is Rhythim”. 100 x 100 cm. Acrylic on canvas. 2017 

BARCELONA. Joaquín Barón “Imagina” Galería Marlborough

11  enero - 10 de febrero  2018

La producción artística de Joaquín Barón (Ciudad Real, 1970) gira en torno a diversos temas de talante urbano como la soledad, el miedo, el anonimato, la alienación, siempre con un cromatismo vibrante y moviéndose entre diversas disciplinas: la pintura, la escultura, el dibujo o la escenografía teatral, campo al que también se dedica de manera profesional.

Cabría destacar dentro de sus exposiciones individuales: ¡Boom!, Galería Marlborough, Madrid (2016); Lejos de dogmas, Museo de la Universidad de Murcia (2016); Paralelos, Galería Cornión, Gijón, Principado de Asturias; Humanos, Galería Marlborough, Madrid (2014); Universos, La Asunción, Albacete (2012), Barón, Museo Municipal Manuel López-Villaseñor, Ciudad Real (2010). Podemos encontrar su obra presente en las siguientes colecciones institucionales: Fundación Amigos de Madrid, Junta de Comunidades de Castilla La Mancha, Colección Caja de Ahorros del Mediterráneo, University of Dayton (Ohio), Hochschule für bildende künster, Hamburgo, Alemania, Caja Badajoz, Colección Club Diario Levante, Diputación de Toledo, Universidad de Alcalá de Henares, Diputación de Ciudad Real, Diputación de Albacete y en los Ayuntamientos de Ciudad Real y Valdepeñas, entre otros. Joaquín Barón es artista Marlborough desde 2014. (Galería Marlborough press-release)

Galería Marlborough. Enric Granados 68. Barcelona, 08008,Spain

http://www.galeriamarlborough.com

www.joaquinbaron.com

Imagen: Joaquin Barón “Social No Fantasy” Técnica mixta sobre lienzo. 240X600 cm

BARCELONA. Jordi Mitjà “Llegir amb les condicions idònies” Bombon Projects

12 diciembre 2017 – 2 febrero 2018

Llegir amb les condicions idònies reúne diferentes dibujos y esculturas hechas con tubo de hierro, alambre, monedas, papeles, tinta de imprenta y cartón, que Jordi Mitjà ha producido expresamente para esta exposición.

“Saber leer los materiales, inhabilitar sus usos, voltear sus lógicas. No descartar nada, saltar las convenciones e improvisar. Incorporar todo lo que nos vamos encontrando al mismo proceso y no obviar los accidentes”

Partiendo del descarte y la utilización de materiales muy sencillos, Jordi Mitjà presenta la cuarta exposición individual de este año, que sintetiza las pasadas y cierra el círculo que abrió a principios de Febrero con La escultura no és important en la Fundación Suñol de Barcelona donde el artista incorpora el oficio paterno de cerrajero para explorar diferentes derivas relacionadas con los materiales, las técnicas y la propia escultura.

De forma azarosa, el hierro previamente fundido y ardiente, es lanzado encima de los papeles que el artista dispone en el suelo del estudio. Este hierro ardiente genera quemaduras que en algunos casos se extienden a causa del viento, dibujando trazos y surcos, y nos hacen dudar de los límites del dibujo y de éste con la escultura.

La prensa que un día fabricó su padre, sirve ahora para doblar y aplastar tubos de hierro como si fueran de papel. Utilizar las herramientas de cerrajero, explorar el material, el proceso, su funcionamiento y librarse del relato, huir del sentido y disparar a las lógicas que éstos imponen es su modus operandi.

Jordi Mitjà parte de hechos intrascendentes, de accidentes estrechamente vinculados a su día a día, a su biografía, a su dislexia y la lucha constante para realizar las cosas de una forma diferente. Llegir amb les condicions idónies, tiene como detonante principal la comprensión y el impasse entre lo que hacemos y la recepción que conseguimos. La falta de sentido genera sentido? La dificultad del lenguaje crea lenguaje? Las preguntas siguen en pie.

Jordi Mitjà (1970, Figueres) ha realizado exposiciones individuales en diferentes instituciones como la Fundació Suñol (Barcelona, 2017), el Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona, 2016), la Fondazione Zimei (Pescara, 2015) o el Espai 13 Fundació Joan Miró (Barcelona, 2012). Su obra también se ha podido ver en diferentes exposiciones colectivas en La Panera (Lleida, 2017, 2011), MACBA (Barcelona, 2016), CA2M (Madrid, 2015, 2010) o en el Museo de Arte Moderno (Ciudad de Méjico, 2010).(Bombom Projects press-release)

Bombon projects, Trafalgar 45, 08010 Barcelona España

https://bombonprojects.com

http://www.jordimitja.com

Imagen: Jordi Mitjá

BARCELONA. “Ponç / Brossa” Galería Joan Prats

30 noviembre 2017 – 3 febrero 2018

Unidos por una afinidad creativa y personal desde finales de los años 40 hasta principios de los 50 Joan Ponç y  Joan Brossa  están unidos también a la historia de la Galeria Joan Prats, donde expondrían en diversas ocasiones.

En 1982, Joan Brossa mostró por primera vez en la exposición en la Galeria Joan Prats sus poemas objeto y visuales, poemas que realizaba desde 1954 y que eran entonces prácticamente desconocidos por el público. Más adelante, se mostrarían en otras exposiciones en la galería de Barcelona (1989, 1995, 1997) y de Nueva York (1989), y en la Feria de Basilea (1989). Por otro lado, Joan Ponç comienza su colaboración con la Galeria Joan Prats en 1978, con la exposición Fons de l’ésser. También expondría en 1983, Nocturns, en 1987 con dibujos de la época Pre-Dau Al Set, en 1994 y 1996 con dibujos de la Suite Geomètrica y en 1980 en la feria FIAC en París.

En palabras de Arnau Puig, en el texto realizado para esta exposición, “Un temperamento y carácter de la dimensión del de Brossa casi estaba obligado por el destino a encontrarse con alguien, Joan Ponç, que bajaba de las nubes”. Este gusto por la magia, la adivinación y lo oculto sería uno de los puntos de unión entre los dos artistas, que se conocieron en 1946. Ese año publicarían junto a Arnau Puig y a Enric Tormo el único número de la revista “Algol”, que quería ser un revulsivo delante del inmovilismo y la pérdida de idealismo de sus contemporáneos. Proponían una renovación de la mirada que se encuentra también en los monotipos que Ponç realizó para acompañar los ejemplares de la revista y que se aleja de la figuración naturalista predominante en el arte español de la época.

La exposición pretende mostrar las trayectorias de los dos artistas: una primera parte, con obras del periodo “Dau Al Set”, el momento de mayor afinidad entre Joan Brossa y Joan Ponç, y una segunda parte de la exposición, con obras posteriores, que permiten ver sus evoluciones en el ámbito plástico, y que se reflejan de la misma manera que en la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947). (Joan Prats press-release)

Galería Joan Prats. C.Balmes, 54 - 08007 Barcelona, Spain

http://www.galeriajoanprats.com

Imagen: Brossa, Brossa, 1950

BARCELONA.Santiago Picatoste “Mimesis” Galería 3 Punts

30 noviembre 2017 – 3 febrero 2018

          

Santiago Picatoste (1971 Palma, Mallorca) estudió Bellas Artes en la Escuela Libre del Mediterráneo en Palma, Mallorca. Recibió la Beca de Artes Gráficas de la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma, y la Beca de Artes Plásticas de La Casa de Velázquez de Madrid.

Ganó el primer Premio de Pintura de Ibeart del Museo ABC en Madrid, fue finalista en los Premios Generación de La Casa Encendida de Madrid, y obtuvo la Mención Honorífica en el Premio Internacional de Escultura de la Fundación Gabarrón entre otros.

Su trabajo se encuentra en diferentes colecciones importantes como la Fundación Giorgio Cini en Venecia, la Fundación La Caixa en Barcelona, la ​​Colección Flingthon en Copenhague, el CAC en Málaga o la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en Madrid.

Ha participado en una treintena de exposiciones individuales y más de 90 exposiciones colectivas en países tan diversos como España, Estados Unidos, Dinamarca, Inglaterra o Italia.

Picatoste se interesa particularmente en lo que él llama la “cristalización del gesto” y la psicología del color, y su proceso creativo se basa en la alquimia y la investigación con los materiales translúcidos e industriales que utiliza, en equilibrio con materiales más tradicionales como el óleo y el acrílico. Su estilo proviene de la nueva abstracción postpictórica. (3 punts press-release)

Galería 3 Punts. Carrer d'Enric Granados, 21, 08007 Barcelona

http://santiagopicatoste.com  http://3punts.com

Imagen: Santiago Picatoste “Atlas Silver” 2017

BARCELONA. “MATERIA PRIMA” Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany

8 noviembre 2017 – 1 abril 2018

MATERIA PRIMA es una propuesta expositiva que parte de una voluntad de prospección general del actual ecosistema local de artistas visuales a fin de determinar un mapa posible de algunos de los proyectos y obras más significativos producidos en nuestro entorno en los últimos años. En este sentido, la exposición, como fruto de una labor de prospección, apunta a una suerte de ejercicio de minería de la MATERIA PRIMA con la cual operan principalmente las estructuras, públicas y privadas, de investigación, producción, exhibición y mediación de arte contemporáneo local en nuestro país.

Al igual que otro tipo de minería, la de datos, MATERIA PRIMA aspira a activar, desde la gestión de la información derivada de esta prospección y de sus resultados, un proceso de generación de patrones de aproximación y de lectura del valor simbólico y de las circunstancias materiales presentes en nuestro ecosistema artístico.

En el marco de las premisas de esta prospección, en MATERIA PRIMA el corte de observación del ecosistema local de artes visuales se ha centrado en aquellos y aquellas artistas que, habiendo dejado ya –a menudo muy atrás– una primera fase emergente de su trayectoria, se encuentran hoy en curso de consolidación de sus carreras artísticas–un curso permanentemente inestable y temporalmente indefinido en la mayor parte de los casos–. Artistas y trayectorias que algunas voces, rehuyendo toda adscripción generacional, definen como de tramo medio, a medio camino entre la emergencia local y la consagración internacional.

Artistas y trayectorias de tramo medio que constituyen la MATERIA PRIMA de nuestro ecosistema local de artes visuales, razón por la cual un equipamiento expositivo como el de Fabra i Coats en Sant Andreu –llamado a erigirse en el centro de arte contemporáneo al que aspira esta ciudad–debe realizar una prospección sistemática para sacarlos a la luz y visibilizarlos. Comité curatorial: David Armengol, David G. Torres i Martí Peran

Artistas participantes:Antoni Hervàs, Antonio Ortega, Avelino Sala, Dani Montlleó, Daniela Ortiz, David Bestué, Domènec, Enric Farrés Duran, Erick Beltrán, Ester Partegàs, Jaume Pitarch, Javier Peñafiel, Joan Morey, Joana Cera, Jordi Mitjà, Lúa Coderch, Luis Guerra, Luís Bisbe, Luz Broto, Martí Anson, Mireia Sallarès, Núria Güell, Oriol Vilanova, Patricia Dauder, Pere Llobera, Rafel G. Bianchi, Regina Giménez, Tere Recarens, Xavier Arenós y Yamandú Canosa. (Fabra i Coats press-release)

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany. c/ Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany.

http://ajuntament.barcelona.cat/centredart/es/

Imagen: MATERIA PRIMA. Pere Llobera

BARCELONA. Max de Esteban “Twenty Red Lights” La Virreina Centre de la Imatge

10 noviembre 2017 – 4 febrero 2018

Twenty Red Lights es un proyecto que toma como título una frase de Far Away Eyes, la canción de The Rolling Stones, y en el que Max de Esteban cuestiona algunos de los fundamentos del capitalismo financiero contemporáneo.

El vídeo Twenty Red Lights & The Exterminating Angel, pieza producida de forma específica para esta exposición en La Virreina Centre de la Imatge, recoge una serie de entrevistas a profesionales de las finanzas, quienes expresan sus posicionamientos frente a la incidencia de los flujos económicos en la esfera pública y social. Desde el nuevo alfabeto capitalista hasta la arquitectura del poder, desde las confesiones de aquellos que manejan los mercados globales hasta la imaginería exacerbada y trepidante del neoliberalismo mediático, Twenty Red Lights lleva a cabo una autopsia 3 sobre las abstracciones que sostienen la macroeconomía del presente. La muestra se completa con una publicación que reúne dos textos inéditos de los filósofos Franco «Bifo» Berardi y Michel Feher, además de diversos escritos del propio artista, junto al conjunto de materiales desarrollados durante el proceso de elaboración de este proyecto.

Max de Esteban (1959 Barcelona) es un Fulbright Alumni, tiene un doctorado de la Universitat Ramon Llull en Catalunya y un master de la Universidad de Stanford. Su trabajo ha sido presentado en el Deutsches Technikmuseum (Berlín), Rencontres Internationales en el Palais de Tokyo (París) y Darmstädter Tage der Fotografie, entre otros. Ganador del Premio Nacional de Fotografía Profesional en España y Premio Especial del Jurado en Fotofestiwal, Polonia. Sus obras están presentes en varias importantes colecciones, entre ellas el Museo de Bellas Artes de Houston; Museu de Arte Módena do Rio de Janeiro, en Brasil; y el Deutsches Technikmuseum. El trabajo de De Esteban se ha mostrado en numerosas exposiciones en todo el mundo. Sus monografías han sido  seleccionadas recientemente como libro de fotos del año por LensCulture. Max de Esteban vive y trabaja en Barcelona, ​​España, y está representado en los Estados Unidos por la galería Klompching.

La Virreina Centre de la Imatge Palau de la Virreina La Rambla, 99. 08002 Barcelona

http://ajuntament.barcelona.cat     http://maxdeesteban.com

Imagen: “No Covenants” Twenty Red Lights. Max de Esteban

BARCELONA. Lita Cabellut “Retrospective” Espai Volart 2, Fundació Vila Casas

5 octubre 2017 – 27 mayo 2018

Después de la exposición “Trilogía de la duda” celebrada en el año 2013 en el Espai Volart 2, la Fundació Vila Casas inaugura nuevo espacio expositivo con esta muestra que traspasa los límites convencionales de la pintura para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y del retrato psicológico con un clasicismo latente, heredero de Goya, Velázquez o Rembrandt.

Ideada y dirigida por Antoni Vila Casas y Lita Cabellut, “Retrospective” reúne obras de los últimos años organizadas en algunas series comprendidas entre los años 2008 y 2017 como “Flower installations” (2016-17), “Disturbance” (2015), “Blind mirror” (2015), “Tempus & divine” (2015), “Black tulip” (2014), “White silenci” (2014), “Dried tear” (2013), “After the show” (2012), “Camaron” (2011), “Memories wrapped in gold paper” (2012), “Coco” (2011), “Frida” (2011), “Madness and reason” (2010), “Installation” (2010), “State or grace” (2010), “Country life” (2009), “Ethics” (2017) y “Dillusion” (2008).

La belleza es el origen de todo lo que conmueve, lo más puro y profundo; también lo más duro porque duele, del mismo modo que duele criar. Es amor. Como un beso crudo. Y la inteligencia son sus ojos.

Lita Cabellut (Sariñena, 1961) es una artista cuya obra va más allá de los límites de la pintura convencional. Determinada, libre, de carácter fuerte y apasionada, Cabellut defiende una pintura desvinculada de las directrices que marcan el mercado artístico. Para ella el arte debe estar por encima de todo esto y el artista ha de ser totalmente libre porque solo de esta forma se puede conseguir el arte por el arte.

Trabaja con lienzos de grandes dimensiones y con una paleta totalmente estudiada y personal, y es que sus colores, como su obra, son intensos y temperamentales, así como el tratamiento de la factura, matérica y voluptuosa. Cabe destacar que, a pesar de que también usa el óleo, muchas de sus pinturas están realizadas con la técnica de la pintura al fresco.

Lita Cabellut es una artista fértil, con una abundosa obra que se ha ido nutriendo desde que tenía solo 15 años y descubrió la pintura en el Museo del Prado de la mano de su familia adoptiva. En esta exposición presentamos una muestra que resume los últimos 10 años de creación de esta artista de origen aragonés, crecida en Barcelona y establecida en La Haya. Un recorrido, pues, por algunas de las series más significativas que han acompañado las reflexiones de una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional contemporáneo. (Fundació Vila Casas press´release)

Espai Volart 2. C/ Ausiàs Marc, 22. 08010 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.comhttp://www.litacabellut.com

Imagen: Lita Cabellut

BARCELONA. Joan Ponç “Diábolo” La Pedrera

6 octubre 2017 - 4 febrero 2018

Joan Ponç (Barcelona, ​​1928 - Sant Pau, 1984) visionario, temperamental, fue un artista insular dentro de la historia del arte de la posguerra en Catalunya y de España. Él lanzó la primera piedra de la renovación plástica de vanguardia tras la Guerra Civil. Su irrupción en el panorama de los años cuarenta del siglo XX desquició a críticos y poetas, que rápidemente se apresuraron a calificarlo de grotesco, torturado, diabólico, premonitorio, alucinante, mágico, carnavalesco e infernal. Ponç no se parece a nadie.

Joan Ponç muestra una pintura capaz de explorar los rincones más oscuros y escondidos del ser humano. El carácter único y raro de su obra le condujo hacia una soledad, un aislamiento y un silencio que lo convierten en un solitario, un testimonio visceral de la penetración de la pintura en el misterio de la vida y de la muerte como experiencia .

La exposición, comisariada por la historiadora y crítica de arte Pilar Parcerisa, presenta una nueva interpretación antológica de la obra y la figura del pintor Joan Ponç, desde sus inicios a mediados de los años 40 y la época del grupo Dau al Set, hasta las últimas obras de mediados de los años 80. Con el título de «Diábolo», se quiere hacer referencia al sentido lúdico de Joan Ponç, con la ambivalencia que el nombre de este juego malabar chino tiene con el del diablo. (La Pedrera press-release)

CASA MILÀ "LA PEDRERA". Passeig de Gràcia, 92. 08008, Barcelona.

https://www.lapedrera.com

Imagen: “Nocturno”1950 Joan Ponç