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BARCELONA. Picasso “Retratos” Museu Picasso

17 marzo – 25 junio, 2017

En su adolescencia Picasso realizó autorretratos y retratos de miembros de su familia que revelan un don precoz para sugerir caracteres y estados de ánimo así como para captar parecidos. Las caricaturas, que gozaban de una gran popularidad a finales del siglo XIX, sirvieron de canal para su humor satírico y también estimularon audaces experimentos con la distorsión, la exageración y el simbolismo (una tendencia reforzada por su descubrimiento de El Greco y de los estilos antinaturalistas de vanguardia) así como su creciente inclinación por trabajar de memoria, a veces ayudándose de fotografías, más que con posados de modelos. Cuando se instaló en París en 1904, Picasso ya había producido un importante corpus de retratos de notable variedad conceptual y emocional. Dado que casi siempre representaba a las personas en sus círculos íntimos, no estaba atado por las obligaciones y limitaciones habituales del artista sujeto a encargos y no dudaba en explotar toda su gama de técnicas y estilos innovadores. Sin embargo nunca, ni en los períodos de mayor transgresión y expresionismo, dejó de hacer exquisitos dibujos del natural de estilo clásico y naturalista. Los cambios drásticos de formas y estilos son de hecho una característica recurrente de la prolífica creación de retratos de mujeres a lo largo de su vida.

A pesar de su inquieta creatividad Picasso mantuvo un diálogo constante e indagador con el arte del pasado, habitualmente mediante el uso de formatos y poses tradicionales (busto, medio cuerpo, rostro entero, tres cuartos, etcétera) y añadiendo sutiles alusiones a los retratos de los antiguos maestros que tenían algún tipo de relación con la visión que el pintor tenía del físico, de la personalidad o del vínculo que mantenía con el sujeto retratado. En su etapa de madurez Picasso veía a sus predecesores favoritos como amigos y colaboradores, y no tenía escrúpulos a la hora de caricaturizarlos o de permitirse fantasías sobre sus vidas sexuales que reflejaban su propia obsesión con la interacción entre el erotismo y la creatividad. Sus series tardías de “variaciones” sobre Las Meninas de Velázquez y sobre El hijo pródigo de Rembrandt (también presentes en la exposición) le permitieron sumergirse de manera imaginativa en dos obras maestras fundamentales que implican de algún modo el autorretrato y reflexionar sobre la compleja relación psicológica entre el artista y su modelo, sus objetivos como retratista y la viabilidad del retrato en el entorno supuestamente hostil del arte contemporáneo. La exposición contará con pinturas, esculturas, dibujos y grabados de todos los períodos de la larga carrera del artista. La comisaria es Elizabeth Cowling, catedrática emérita de Historia del Arte en la Universidad de Edimburgo y especialista y comisaria independiente. (Museu Picasso press-release)

Fundació Museu Picasso de Barcelona. c/ Montcada 15-23. 08003 Barcelona

http://www.bcn.cat/museupicasso/es

Imagen: Retrato de Olga Picasso. Picasso 1923

BARCELONA. Santi Moix “The Brooklyn Navy Yard” Galeria Carles Taché

2 marzo – 17 junio, 2017

La Galeria Carles Taché tiene el placer de presentar la exposición The Brooklyn Navy Yard del artista Santi Moix. La muestra reúne las últimas obras realizadas por Moix en su estudio, situado en el lugar homónimo al título de la exposición.
Son pinturas de gran formato, todas ellas consagradas a la representación floral, un tema que a lo largo de la historia del arte ha causado gran fascinación a muchos artistas y ha demostrado su capacidad de aglutinar a los espectadores más dispares. En un ensayo reciente sobre el artista, el crítico de arte y comisario Luca Beatrice citó lo que viene a ser este proceso como "generoso, ecléctico, sin tapujos, energía pura", y es que estos materiales de estudio ahora sirven como base para sus nuevas composiciones. Moix vuelve a los temas centrales de su obra, que evocan la vida vegetal y animal tamizadas a través de la amplitud de los estudios y ensayos  sobre papel y luego collage en grandes formatos en lienzo. El resultado es un mundo complejo, etéreo como el mismo Moix

Santi Moix nació en Barcelona en 1960. Las exposiciones individuales más recientes incluyen "Brooklyn de estudio," M77 Gallery, Milon, Italia; "Santi Moix en Huckleberry Finn: Acuarelas y Wall Dryawings," Paul Kasmin Gallery, Nueva York; y "Las Aventuras de Huckleberry Finn", Centro Cultural Fundación Círculo de Lectores, Barcelona, ​​España. En 2013 recibió el encargo de un mural de 200 pies en el SoHo Epicentro Prada. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas como el Museo de Brooklyn, Nueva York y el Museo de Arte Moderna de São Paulo, Brasil. Moix vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. (Carles Taché press-release)

Galeria Carles Taché. Carrer de Mèxic, 19 (pasaje interior). 08004 Barcelona

http://www.carlestache.com  

Imagen: Santi Moix

BARCELONA. Irene Cruz “The Muses” Fifty Dots Gallery

9 marzo – 4 mayo, 2017

Después de pasar por Art Madrid '17 y de la buena acogida por parte de la crítica y del público asistente, presentamos The Muses en nuestra galería en Barcelona.

La inauguración se celebrará el jueves 9 de marzo a las 20h con una performance que realizará Irene Cruz junto a una de sus musas a la que coserá un ligero manto de flores en directo. Os esperaremos, como siempre, con una sonrisa y una copa de cava.

The Muses: ¿Quiénes son aquellas musas que me llevan al vacío? De repente vuelven solas tras el tiempo de morir desde el tedio de mí misma. El lugar en donde habito soy yo misma. Soy un bosque a verdiazules saboreando la neblina. Un latido. Por vosotras baile y notas, que traducen la caricia del hambre de incendios y fugaces cicatrices, en las flores que hoy nos visten. Hábitat es donde inspiran, el reflejo de mi sangre. Soy vosotras: la mirada conocida. Desde adentro me proyecto, y me invento un parapeto tan eterno que me obliga a desprenderme del miedo con la luz de cada día. Christian Chávez Plasencia

Irene Cruz nació en 1987 en Madrid. Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas y Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, realizó un master en la escuela de fotografía EFTI especializándose en Fotografía Conceptual y Creación Artística. El trabajo de Irene está altamente influenciado por el curso especializado en Iluminación Narrativa Cinematográfica. La luz es de hecho un elemento significativo del trabajo de Irene Cruz, llevándola a  explorar y experimentar con ella en países del norte de Europa. Esta joven artista está creando un punto de inflexión en el mundo de la fotografía. Su trabajo está ganando una personalidad remarcable, con un estilo que se ha convertido ya en inconfundible para todos hoy en día. Irene Cruz ha participado en más de 200 exposiciones, ferias de arte y festivales alrededor del mundo, y ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que  destacan el Primer Premio en el Concurso de Fotografía de Iberdrola, y el Segundo Premio en el Concurso de Fotografía de la Fundación AENA en el 2014 (fifty dots press-release)

Fifty Dots Gallery. Carrer Milà i Fontanals 59, 08012 Barcelona

http://www.fiftydots.com   http://www.irenecruz.com

Imagen: The Muses. Irene Cruz

BARCELONA. Democracia “ORDER. ACT III. Dinner at The Dorchester” Galería ADN

9 febrero  – 10 mayo 2017

Dinner at The Dorchester es el tercer y último acto de un proyecto conformado como una ópera -llamada ORDER- que consiste en tres acciones llevadas a cabo en distintos espacios (tanto públicos como privados). ADN Galería acoge este último acto en la quinta exposición del colectivo en su espacio expositivo.

 La acción se desarrolla en el hotel Dorchester de Londres durante una cena privada con 35 invitados, miembros de la élite económica global, que van a ser espectadores y actores de una intervención sobre la que no tienen noticia previa. Entre otras cuestiones relacionadas con la vida social, en el hotel se han realizado reuniones donde se han firmado contratos vinculados a distintas empresas petrolíferas. The Dorchester también es famoso por su fortaleza ante las bombas y por haber hospedado tanto a artistas y escritores célebres como a la aristocracia británica más conservadora y tradicional. En sus dependencias suelen reunirse algunos representantes del capitalismo global, relacionados particularmente con los negocios del petróleo, que marcan la voracidad con la que se caracteriza la metamorfosis del capitalismo y la amenaza de un inminente colapso energético. 

DEMOCRACIA (Madrid, 2006) Es un colectivo de artistas de Madrid (España) formado por Pablo España e Iván López. Su práctica artística explora la relación entre sociedad y política, centrándose en la discusión y el enfrentamiento de ideas con el fin de comprender las estructuras de poder y los mecanismos que las conciernen: modos de producción, aparatos de represión y tecnologías de control, entre otros. Su obra ha estado expuesta en diferentes instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2003), White Box (Nueva York, 2004), Roodkapje (Rotterdam, 2009), Centre Pompidou (París, 2011), Hirshhborn Museum (Washington, 2012), The Station Museum (Houston, 2014) y Kunst Haus Wien (Viena, 2015). También se han mostrado en diferentes bienales como la 2ª Bienal de Bucarest  (Rumanía, 2006), Taipei Biennial (Taiwán, 2008) y X Biennal de La Habana (Cuba, 2009), y también han tenido presencia en ferias de arte como Loop (Barcelona, 2010), VOLTA 10 (Basel, 2014) y ARCO (Madrid, 2015). DEMOCRACIA también trabaja en el campo de la edición y el comisariado: son directores de la revista Nolens Volens y han comisariado exposiciones como No Futuro (Caracas, 2007), Madrid Abierto (Madrid, 2008), Creador de Dueños (Madrid, 2008) y Arte Útil (Madrid, 2011). Fueron fundadores y miembros del colectivo El Perro (1989 – 2006).  (adn press-release)

ADN galería. C. Enric Granados, 49. 08008 Barcelona

http://www.adngaleria.com   http://www.democracia.com.es

Imagen: Democracia

 

BARCELONA. Jordi Alcaraz “Esborradís” Museo Can Framis

23 enero - 11 junio, 2017

Jordi Alcaraz (Calella, 1963) es un creador en el intersticio que separa la poesía visual y la proyección conceptual, con una propuesta de aproximación metafórica al objeto. Alcaraz experimenta con materiales frágiles presos de un cierto lirismo –el agua, el vidrio, el espejo, el libro– para trabajar relaciones de tensión entre la materia y tejer un discurso en torno al volumen, el lenguaje y el tiempo. Su obra, que trasciende el límite entre disciplinas, es un alegato a favor de la obra inacabada y el arte como ficción.

“Cada imagen de este fotógrafo virtual de Barcelona es un puñetazo certero a los sentidos. Jordi Alcaraz reconvierte la realidad en mensajes comprometidos que cobran vida y emocionan. Los objetos cotidianos se transforman en cápsulas de información animadas que concentran tanta intensidad que en ocasiones parece que están vivos y saldrán corriendo en cualquier momento. Dar un nuevo sentido a nuestro entorno, eso consigue este artista, que al caer la noche se transforma en para4gatos” Mayka Navarro

La trayectoria de reconocimiento de Alcaraz ha sido particularmente impresionante en los últimos años. Sus obras han sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas en Bélgica, Alemania, Italia, Canadá, Suiza y España y en ferias internacionales de arte en los EE.UU. y Europa. (Can Framis press-release)

Museu Can Framis. Carrer de Roc Boronat, 116-126, 08018 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.com   http://jordialcaraz.com

Imagen: Jordi Alcaraz 

BARCELONA. Oriol Vilanova "Domingo" Fundació Antoni Tápies

5 febrero – 28 mayo 2017

La exposición "Domingo" ha transformado la Fundació Antoni Tàpies en un museo de todas las épocas y ámbitos geográficos que turistas de otros tiempos han compartido a través de un formato tan modesto como es la carta postal.

El coleccionismo compulsivo al que Oriol Vilanova se rinde los domingos escarba en las ruinas de la sociedad del espectáculo, la misma que impulsó una ingente producción y circulación de imágenes. Tal como imagina el artista “los mercados de pulgas ahora son santuarios” en los que un objeto tan banal como la tarjeta postal sigue brillando entre el polvo.

Domingo tras domingo, Oriol Vilanova (Manresa, 1980) se adentra en los mercados de pulgas. Allí acostumbra a adquirir postales que en otro tiempo circularon por todo el mundo. Su estado natural, hoy en día, es el de una máxima dispersión, una impresión que se agrava al comprobar que en los encantes estas imágenes conviven con libros usados, revistas, cómics, cromos, sellos, monedas, películas y videojuegos desechados. Domingo (2017), la instalación que ocupa los dos espacios principales de la Fundació Antoni Tàpies (niveles 1 y -1), muestra la totalidad de las tarjetas postales coleccionadas por Oriol Vilanova. Reunidas durante más de quince años, cada una de ellas entra a formar parte de una sección temática. La colección cuenta ya con cerca de treinta y cuatro mil postales y un centenar de secciones que permiten clasificarlas. Dada la formación del artista, los motivos arquitectónicos son los más frecuentes. Otros temas tan diversos como arcos de triunfo, banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas, puestas de sol y zoos, entre muchos otros, conforman un museo de todas las épocas y ámbitos geográficos. Una de estas secciones, a la que el artista se refiere con el término “inclasificables”, deja la puerta abierta a nuevas incorporaciones.

El constante crecimiento de esta obra enfrenta al artista a una promesa de acumulación perpetua. En este sentido, Domingo adopta una forma provisional, temporal y contingente. Su réplica se encuentra al descender las escaleras que conducen a las galerías subterráneas (nivel -2). Para ser preciso (2017) acumula en un espacio angosto y reducido el mismo número de postales que se han desplegado en Domingo. La gestión de tal cantidad de tarjetas inspira una serie de intervenciones que modifican paredes y columnas, de la misma manera que se hace con las imágenes en un entorno digital, clonándolas comprimiéndolas o borrándolas. Así es como 1990 (2017) y Complet (2017), corren el riesgo de pasar desapercibidas. Ambas han sido instaladas en la planta de la Biblioteca de la Fundació Antoni Tàpies (nivel 1), pero su funcionalidad despierta serias dudas. (Fundació Antoni Tàpies press-release)

Fundació Antoni Tàpies . Aragó 255 . 08007 Barcelona

http://www.fundaciotapies.org   http://www.oriol-vilanova.com

Imagen: Oriol Vilanova

BARCELONA. Alicia Framis “La habitación de los libros prohibidos” Blueproject Foundation

20 enero – 14 mayo 2017

La Blueproject Foundation presenta "La habitación de los libros prohibidos", la nueva exposición individual de Alicia Framis que se podrá ver en Il Salotto del 20 de enero al 14 de mayo de 2017. El espacio principal de la fundación, totalmente renovado para la ocasión, albergará esta instalación perteneciente a la Colección Banc Sabadell inédita en España. 

La habitación de los libros prohibidos se enmarca dentro de la serie “Habitaciones Prohibidas”, una serie de habitaciones, habitaciones del grito, del olvido, habitaciones para protestar o para desarrollar ideas disidentes, en las que la artista catalana Alicia Framis continúa cuestionando el entorno social y humano, a través de dispositivos de alienación y otros medios de coacción. Framis propone una sala de libros prohibidos, una biblioteca de libros que, objetos de censura, están o han sido prohibidos y cuyos autores han sufrido o siguen sufriendo dificultades con el poder judicial o político. En algunos casos graves, por lo que algunos de ellos conocerán la prisión, la tortura o la muerte.

Esta sala de los libros prohibidos es un lugar de estudio y reflexión donde todos pueden evaluar los daños de la censura que alguna vez atacó libros ahora considerados como verdaderas obras maestras, muchos de ellos pertenecen al patrimonio cultural mundial. Entre ellos, Cándido de Voltaire, los escritos de Giordano Bruno, Lolita de Nabokov o El segundo sexo de Simone de Beauvoir. Está claro que la censura se abate, a lo largo del tiempo y sin distinción ninguna, sobre las obras con los contenidos más variados. 

La habitación de los libros prohibidos ofrece una oportunidad para que la gente reflexione sobre las situaciones y contextos en los que los casi 200 libros expuestos fueron prohibidos en diferentes momentos de la historia. Aunque alguna vez censurados, estos libros son ampliamente leídos y apreciados hoy en día, muchos de ellos hasta considerados como clásicos. Tomando conciencia de esto, se agrega otra capa al trabajo: las relaciones establecidas entre los lectores. Lo que ocurre entre las personas sentadas en este espacio, mientras leen estos libros, es lo que es más importante. Están invitados a entrar en estas habitaciones, a confrontar lo que está prohibido, lo que es secreto, lo que es posible. 

La habitación es sólo una excusa para iniciar un diálogo. La habitación de los libros prohibidos ha sido vista en el Museo Picasso de Francia, en la Galería Annet Gelink de Ámsterdam y ha sido seleccionada para presentarse en Art Basel - Parcours, 2015.

 Alicia Framis (Barcelona, España, 1967) vive y trabaja en Ámsterdam. Alicia Framis es una artista multidisciplinar que combina en su obra arquitectura, diseño, moda y performance. Su trabajo se basa en proyectos centrados en diferentes aspectos de la existencia humana en la sociedad urbana contemporánea. Nacida en Barcelona, Framis estudió en la Escuela de bellas Artes de la Universidad de Barcelona y en el École de Beaux Arts de París. Asimismo, realizó un máster en el Institut d’Hautes Etudes de París; y otro en el Rijksakademie Van Beelde Kunstende de Ámsterdam. Es reconocida en todo el mundo por sus performances y acciones, como Loneliness in the City (1999-2000), The Secret Strike Films (2003-2006); una instalación sólo para mujeres, Minibar, en la segunda bienal de Berlín en 2001; y Anti_dog (2002-2003), obra que representó a Holanda en el pabellón de este país en la quincuagésima Bienal de Venecia en 2003. Entre sus últimas muestras en solitario destacan Reading Together en Annet Gelink Gallery, Amsterdam (2014) y Framis in Progress en MMK Arnhem; Galerie I'm TaxisPalais, Innsbruck (2013); Museo de Arte Contemporáneo de León y Centre Contemporary Art Brugge (2014). (Blueproject press-release)

Blueproject Foundation Carrer Princesa 57 - 08003 Barcelona

http://www.aliciaframis.com   http://www.blueprojectfoundation.org

Imagen: "La habitación de los libros prohibidos” Alicia Framis

BARCELONA. Antoni Miralda “Madeinusa” MACBA

22 octubre 2016 – 9 abril 2017

Con cinco décadas de trayectoria artística, Antoni Miralda (Terrassa, España, 1942) ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo. Instalado en París en 1962, fue un pionero en la realización de trabajos y rituales colectivos que celebraban el ceremonial de la comida partiendo del color y su simbolismo. El crítico Pierre Restany valoró su trabajo individual y las colaboraciones con otros artistas como Daniel Spoerri, Joan Rabascall, Dorothée Selz y, de forma continuada, con Jaume Xifra. En 1972 se trasladó a Nueva York, donde desplegó varios proyectos participativos centrados en la fusión de culturas y sus manifestaciones populares. Como escribía Umberto Eco en 1985: «Miralda corre por todo el mundo para recrear el viejo ritual de la celebración.»
Miralda ha desarrollado un método propio centrado en la participación, la idea de ritualidad o ceremonia y la gastronomía. Con un lenguaje inconformista, barroco y lleno de humor, que celebra los sentidos y acerca el arte y la vida, lleva a cabo una exploración etnológica sobre el comportamiento humano.

La exposición MIRALDA MADEINUSA recupera la totalidad de los proyectos del artista relacionados con su estancia en Estados Unidos. Comisariada por Vicent Todolí y producida por el MACBA, se presentará en Barcelona desde el 20 de octubre de 2016 hasta marzo de 2017. En estrecha colaboración con el artista y con su archivo, la exposición documentará por primera vez y de forma exhaustiva los 14 proyectos realizados por Miralda en Estados Unidos, desde mediados de los años setenta hasta finales de los noventa. Se reconstruirán las instalaciones más significativas y se mostrarán esculturas, dibujos, fotografías, audiovisuales, bocetos y otros materiales que permitirán hacerse una idea del alcance y la complejidad de los proyectos y dimensionar la voluntad colectiva que caracteriza la metodología del artista.
Entre sus obras destacadas, se mostrará Breadline (1977), una monumental línea de panes presentada en el Contemporary Arts Museum de Houston; Wheat & Steak (1981), un gran desfile-performance por las calles de Kansas City, una exposición en el Nelson-Atkins Museum of Art y una ceremonia participativa en la Bolsa de Cereales de esta ciudad; El Internacional Tapas Bar & Restaurant (1984-1986), un experimento social y artístico abierto junto con la restauradora Montse Guillén en el barrio de TriBeCa de Nueva York; y Honeymoon Project (1986-1992), una boda simbólica entre la estatua de la Libertad de Nueva York y la estatua de Colón de Barcelona realizada en varias localizaciones. La exposición presentará también la gran instalación que forma parte de la Colección MACBA, Santa Comida (1984-1989), que recoge el legado de la cultura afro-caribenya en la América actual. Comisario: Vicent Todolí. (Macba press-release)

MACBA. Museo d´art contemporani de Barcelona. Plaça dels Àngels, 1, 08001, Barcelona, España

http://www.macba.cat

Imagen: Antoni Miralda. MACBA