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Foto: B. Mora

BRUSELAS. Joan Cornella “Art is comic” MIMA. Millennium Iconoclast Museum of Art

hasta el 31 diciembre, 2017

Joan Cornellà (1981 Barcelona) es un ilustrador e historietista.  Sus viñetas se caracterizan por ser una mezcla entre humor absurdo y humor negro.

Con 4.500.000 seguidores en Facebook (el equivalente a la población trabajadora en Bélgica) y 1.500.000 en Instagram, Joan Cornellà está considerado como uno de los artistas plásticos más seguidos en las redes sociales.

El humor negro de su trabajo desafía los tabúes y la moralidad de la sociedad. En una atmósfera suave y pastel, crea un efecto cómico al contrastar las caras comerciales de sus personajes con situaciones hiper-violentas. Los videos y las pinturas animan al espectador a deleitarse con la perversidad, a disfrutar positivamente situaciones que deberían / ​​deberían ser negativas.

Millennium Iconoclast Museum of Art.MIMAMUSEUM. 39-41, Quai du Hainaut. 1080 Brussels, Belgium

http://www.mimamuseum.eu  http://www.joancornella.net

Imagen: Joan Cornella 

BRUSELAS. Dora García "En algún lugar, dos planetas han estado chocando durante miles de años (El pensador como poeta)" La Verrière

6 octubre – 9 diciembre, 2017

En el centro de una instalación minimalista en La Verrière, algo está ocurriendo. Los visitantes se convierten en los espectadores de una performance que invierte el espacio de la galería. La elegante y rigurosa presentación de Dora García busca generar una poesía accesible a todos.

El comisario Guillaume Désanges describe la última exposición en La Verrière, Bruselas: "La pieza se presenta como una unidad autónoma: un espacio prácticamente vacío, con dibujos esquemáticos en las paredes y una escultura-libro concebida como telón de fondo de un serie continua de actuaciones ". El enfoque radical de la artista española Dora García despoja a La Verrière de su esencialidad: el espacio se concibe como un soporte neutral para las palabras y acciones de su performance.

Como última artista invitada a participar en la temporada de poesía balística de La Verrière, lanzada en 2016, Dora García elige un título enigmático para esta nueva pieza que refleja su práctica programática, trabajando con la materia prima de la poesía. El trabajo culturalmente exigente de García juega con normas establecidas, como aquí: el proyecto se basa en una discusión entre dos escritores (Andrea Valdés y Manuel Asín) y un texto poético del filósofo Martin Heidegger. Conceptos de tiempo y espacio, la palabra escrita y hablada y otros misterios de la mente humana son abordados por varios artistas que trabajan continuamente en el centro de la exposición.

Nacida en 1965, Dora García es una artista cuyo trabajo se define por su inspiración conceptual y aspecto performativo, a veces participativo. Su práctica se basa en la relación entre la artista y el público, basándose en textos, páginas web, películas y actuaciones en las que la realidad suele pincharse con la ficción. García es regularmente invitada a exponer en importantes eventos internacionales de arte y representó a España en la Bienal de Venecia 2011. .  (La Verrière press-release)

La Verrière / Fondation d’entreprise Hermès . 50, boulevard de Waterloo – 1000 Brussels

http://en.fondationdentreprisehermes.org  http://www.doragarcia.org

Imagen: Dora García, Two planets, Mad Marginal Charts Series, 2014-2017

BRUSELAS. Miquel Navarro, Juan Garaizabal, Francisco Caparrós “NATURE as ARCHITECTURE” Galería Roberto Polo

12 septiembre -11 noviembre, 2017

El planteamiento de esta exposición deriva de reflexiones estéticas tradicionales alrededor de la naturaleza y de las artes, en particular la arquitectura. Cuando el ser humano comenzó a producir arte, lo hizo con la idea de que sus obras se integraran en la Gran Creación. Desde la perspectiva de evolucionar desde el creador de arte al creador, el hombre se dispuso a conocer las leyes de la naturaleza, lo que le llevaba a entrar en juego con el trabajo divino, convirtiendo así al artista en un igual de su Creador. La naturaleza ha sido siempre considerada como un modelo, como una gran arquitectura dispuesta al trabajo para establecer analogías como lazos de unión cósmica entre las fábricas del arte y el mundo creado.

Los comisarios de esta exposición defienden la validez de las reflexiones tradicionales y ofrecen la expresión, a través del arte contemporáneo, de voces actualizadas sobre este discurso canónico. Con este objetivo presentan una exposición colectiva que acoge a los artistas Miquel Navarro, Juan Garaizábal y Francisco Caparrós, con la apuesta de defender la importancia del arte español y de posicionarlo fuertemente en el corazón de Europa.

Las arquitecturas del hombre, alternativas a un universo ya creado, abren la exposición con piezas extraordinarias de Miquel Navarro. El artista hizo su primera ciudad en 1973. Se trataba de volúmenes de tierra cocida interconectados a los cuales incorporaba materiales como el aluminio, el zinc y el bronce en un ejercicio continuado sobre la escultura y la reflexión sobre el espacio volumétrico que constituyeron desde entonces hasta hoy, uno de sus signos de identidad. En las ciudades de Navarro, la alusión a Res Aedificatoria de Leon Battista Alberti y sus relaciones ciudad-casa-organismo es inevitable, puesto que como dijo el mismo Navarro, « en la conciencia y la configuración de mi deseo, el tema de la ciudad en tanto que cuerpo humano con la suma de todas sus partes, con su lógica vertical y totémica, y su sentido horizontal en el discurso de la penetración, es evidente». El trabajo de Navarro está representado en numerosas colecciones institucionales importantes, entre ellas: el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Centro nacional de arte y de cultura Georges-Pompidou (París), el Lehmbruck Museum (Duisbourg), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid), el Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona) y el Solomon R. Guggenheim Museum (New York).

Los comisarios de la exposición han elegido las creaciones del artista Juan Garaizábal, nominado al Nasher Sculpture Center Prize de 2017, por capturar esta idea, que no es más que una etapa importante en el camino de regreso de la naturaleza en tanto que arquitectura. Desde hace años, Garaizábal ha desarrollado un proyecto artístico solido, titulado Urban Memories, que comenzó por la recreación del espíritu de los edificios que desaparecieron de los espacios en donde fueron en su origen construidos. Ha realizado este proyecto de instalaciones de esculturas monumentales en los espacios públicos de Berlín (2012), Bucarest (2007), Godaedo (2016), La Havana (2016), Miami (2016), Valencia (2006) y Venecia (2013). Trabaja en otros en La Havana, Londres y París. Su deseo de recordar el pasado y de establecer una relación con él, a través de la escultura, impregna lo que el propio artista ha descrito como un elemento heroico común a las personas y a los edificios.

La unión entre la naturaleza y la arquitectura se refleja en las fotografías de Francisco Caparrós. Si Marc Augé escribió que una de las necesidades más urgentes es la de volver a aprender a viajar para aprender a ver de nuevo, Caparrós pone el acento en la mirada y la luz sobre el paisaje para construir un arquitectura formidable que sorprende al espectador a través de sus series fotográficas, haciendo suya la frase de Erwin Panofsky: « el contenido de la obra de arte es lo que la obra revela, pero no muestra de manera ostentosa ». El trabajo de Caparrós está representado, entre otras, en varias colecciones permanentes de Astro Europa (Valencia), el Ayuntamiento de Riba-roja, Diputación de Valencia, la Fundación Gabarrón (Murcia) y New York, Iberia Center for Contemporary Art (Pékin), el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Museo de Bellas Artes San Pio (Valencia) y el Museo Mausoleo de Domingo Sánchez Blanco (Morille). Por Rafael Sierra Villaécija y J. Óscar Carrascosa Tinoco

Galería Roberto Polo. Rue Lebeau 8-12. 1000 Brussel. Belgium

http://www.robertopologallery.com

Imagen: Miquel Navarro,El cuerpo y la ciudad de refractario I, 2003