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LONDRES. Quintina Valero “Clouded Lands” Rich Mix Mezzanine Gallery

6  - 28 abril, 2017

Como parte de la conmemoración del 30 aniversario del Desastre de Chernobyl, el colectivo de arte Food of War presenta un programa de artes visuales, gastronomía y performance.

En 2015, los artistas de Food of War decidieron viajar a Ucrania para reflexionar sobre el impacto del accidente nuclear de Chernobyl  en las personas y el medio ambiente. Entrevistaron a médicos, científicos, trabajadores de centrales nucleares y víctimas de Chernobyl. En su investigación encontraron que la radiación tiene un enorme impacto en la salud de las personas, las fuentes de alimentos y el ecosistema.
Clouded Lands expone estos hallazgos a través de fotografía, instalación,  pintura, el gastroperformance, escultura y vídeos con el propósito de construir puentes entre los países europeos afectados por la nube radiactiva.
Los artistas de Food of War, Quintina Valero, Omar Castañeda, Hernán Barros, Simone Mattar, Zinaida Lihacheva y Carolina Muñoz han trabajado con artistas europeos para crear una exposición itinerante que reflexione sobre las implicaciones del accidente de Chernóbil en las personas y en el medio ambiente.
La artista española Quintina Valero es una fotógrafa documental. Después de cursar una carrera en económia se trasladó a Londres en 2001 donde estudió fotoperiodismo en el London College of Communication. Su trabajo documental se centra en los derechos humanos y la crisis humanitaria. Ha documentado durante varios años vidas nómadas que incluyen, beduinos, viajeros y gitanos. Su pasión por conocer su identidad y su cultura la ha llevado a los Balcanes, Jordania, Francia, España e Inglaterra, documentando sus tradiciones, festividades y rituales. A partir de 2014, documenta la situación de los migrantes en Europa. (Rich Mix press-release)

http://quintinavalero.photoshelter.com

Rich Mix, Mezzanine Gallery,35 - 47 Bethnal Green Road . London, E1 6LA United Kingdom

Imagen: Quintina Valero

LONDRES. David Ferrando Giraut “The Accursed Stare” Tenderpixel Gallery

22 marzo – 22 abril, 2017

La práctica de David Ferrando Giraut incluye principalmente video, sonido e instalación. Sus últimos proyectos se han centrado en la hibridación de elementos naturales, la tecnología y la organización sociopolítica.
En esta, su primera exposición individual en Tenderpixel, presenta dos proyectos interconectados que surgen de su investigación actual sobre la relación de los seres humanos con imágenes a lo largo de la historia. Utilizando las tensiones entre la representación y la realidad representada como herramienta cognitiva, la exposición destaca cómo el capital coloniza la experiencia estética.
“The Accursed Stare” (La Mirada Maldita) es una nueva obra de animación digital de 35 minutos, se posiciona entre un ensayo audiovisual, un examen antropológico y una animación psicodélica. Se centra en torno a las reflexiones de un historiador de arte en un futuro no muy lejano, ya que explora diferentes aspectos de la imagen desde su nacimiento en el Paleolítico a través de la Grecia Antigua y la Ilustración, hasta el surgimiento del arte conceptual en la década de 1960 y su herencia de Desconfianza hacia la calidad estética en el "arte post-conceptual". Finalmente, la obra saca a la luz el culto de hoy del individualismo a través del consumismo.
El proyecto se basa en la teoría de la economía general de George Bataille para considerar la evolución de la imagen y su uso. Bataille sostiene que los principales problemas que enfrentamos como especie no se derivan de la escasez, sino de un exceso de energía cósmica, que debemos desbloquear

CATOPTROPHILIA (2013) es una animación 3D estructurada en torno al encuentro entre dos objetos pertenecientes a períodos lejanos, pero conectados a través de su complejo conjunto de funciones simbólicas: un espejo de mano egipcio del Nuevo Reino (siglo XV aC) dedicado a Hathor, La diosa de la belleza, y el iPhone 4 Elite, lanzado por Apple, California, en 2011. La pieza gira en torno a cómo la tendencia humana a crear imágenes siempre ha dependido de los recursos minerales y los sistemas sociales que surgen de los procesos a su alrededor.
Por último, cada uno de los proyectos comprende, respectivamente, una serie de cajas de luz y estampas, que también formarán parte de la instalación en la galería.
David Ferrando Giraut (b 1978, Negreira ES) vive y trabaja en Gijón ES y Londres UK. Tiene un Master en Bellas Artes del Goldsmiths College, Londres, Reino Unido (2008). Participó en el LUX Associate Program, Londres Reino Unido en 2010-2011.
Entre sus recientes exposiciones individuales se incluyen Notas para una Genealogía de la Imagen Mineral, Centro Párraga, Murcia ES (2016); Vortex, Proyectos ARTBO Solo, Bogotá CO (2015); Pantalla CCCB - Un Mes Artista, CCCB, Barcelona ES (2015); Notas para una genealogía de la imagen mineral, Galería Bacelos, Madrid ES (2015); Discurso Prosthetsis, LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón ES (2014); Catoptrophilia, El Loro Verde, Barcelona ES y 55 Sydenham Rd, Sydney AU (ambos 2014); MF Suite, ARCO Galería Bacelos, Madrid ES (2013); Cristalino, Galería Bacelos, Madrid y Vigo ES (2012); El Fantasista, MACUF, A Coruña ES. (2011); Los viajes terminan en reuniones de los amantes, 10/12 - O nada, Bruselas BE (2011) y Galería Visor, Valencia ES (2010).(Tenderpixel press-release)

Tenderpixel Gallery. 8 Cecil Court. London WC2N 4HE

http://www.tenderpixel.com  http://sites.3vases.com/davidferrandogiraut

Imagen: David Ferrando Giraut . The Accursed Stare. Digital animation with quadraphonic sound. 35 mins.

LONDRES. Manuel Franquelo “Cosas en una habitación: una etnografía de lo insignificante” Michael Hoppen Gallery

7 marzo – 12 abril, 2017
"Cosas en una habitación: una etnografía de lo insignificante" es la primera exposición individual del artista español Manuel Franquelo en el Reino Unido, y consta de seis fotografías de gran formato

Las piezas de esta serie, producidas a través de técnicas tomadas de la fotografía científica y dotadas de una sorprendente presencia hiperreal, son una investigación de las cosas que se han acumulado, a través de los años, en los rincones y recovecos de un espacio habitado por el artista. Las fotografías hiperrealistas son el resultado de un proceso fotográfico único y altamente refinado de Franquelo. El artista diseña, construye y programa un escáner láser 3D Lucida con el fin de capturar las múltiples superficies de relieve de una composición en una sola imagen fotográfica. Las fotografías de Franquelo se imprimen sobre la superficie de paneles de aluminio que se recubren con gesso usando una impresora digital de gran formato, desarrollada por el artista, y diseñada para imprimir sobre materiales no tradicionales y rígidos. Los paneles de aluminio se sellan con cera a la terminación de la impresión.
En este proyecto, Franquelo articula su interés por el tiempo, la memoria, el subconsciente y lo que el escritor francés Georges Perec (1936-82) agrupa bajo la categoría de "infra-ordinario", es decir, todo lo que, por su obviedad Y la insignificancia, permanece oculto bajo el umbral normal de la percepción.

Manuel Franquelo (Málaga 1953) estudió ingeniería y bellas artes en la Universidad Complutense de Madrid. Comenzó su carrera pintando, durante un período de diez años, un conjunto de diez exquisitas y enigmáticas naturalezas muertas hiperrealistas. En la década de 1990 se interesó por proyectos que utilizan prácticas extraídas de la ingeniería y las imágenes científicas. Su obra está orientada al proceso, de naturaleza multidisciplinaria y diametralmente opuesta a un arte basado en medios específicos.

"La interpretación del mundo a través de lo insignificante y lo cotidiano siempre ha sido un tema recurrente en mis trabajos", dice Manuel Franquelo. "Durante tres años, a partir de octubre de 2012, creé un inventario fotográfico de las cosas en la habitación donde trabajo habitualmente: una botella de 650 mg de ibuprofeno que había comprado el invierno anterior, la cortina de 3,75 metros de largo que divide el espacio en dos, mármoles, restos de insectos, la puerta gris en la que normalmente hay papeles con imanes, fragmentos de píldoras y un sinfín de otras cosas. Mi intención es que las fotografías de esta serie sean atemporales en lugar de momentos decisivos en el tiempo. Son imágenes digitales de tamaño real que encarnan pretensiones legítimas a la verdad, destacando la complejidad y la escala completa de lo que se representa. Cosas en una habitación (Things in a Room) es un relato de los objetos que mi propia existencia ha acumulado durante un período de unos 30 años ".Manuel Franquelo. ( Michael Hoppen Gallery press-release)

Michael Hoppen Gallery. 3 Jubilee Pl, Chelsea. London SW3 3TD. United Kingdom
www.michaelhoppengallery.com

Imagen: Manuel Franquelo 

LONDRES. Carlota Juncosa “MAMPORROS Y MAZMORRAS” The Roommates London

5 marzo - 4 junio, 2017
Conocía a Carlota Juncosa años antes de que me la presentaran. Yo vivía en una montaña, en Vallvidrera, y para llegar a casa cada día tenía que coger el funicular, una especie de "ascensor grande" que va por vías, y en el que acabas quedándote con las caras de todos los otros pasajeros habituales. Uno de esos pasajeros era, obviamente, Carlota. Pero no era una habitual, la vi como mucho 3 veces o 4. Aunque ya me quedé con su cara. Cuando años más tarde me la presentaron oficialmente la sensación mutua era de conocernos de un sueño o algo parecido. Tardamos un rato en llegar al punto "funicular de Vallvidrera", cuando lo entendimos todo.
Con todo este rollo quiero decir que (a parte que de adolescente me gustó Carlota) ella siempre ha tenido un aura especial, muy misteriosa. Carlota es difícil de catalogar. Andrógina. Elegante y ordinaria a la vez. Parece de fuera y de aquí. Parece la niña que tiene que hacer de niño en una obra de teatro. Y creo que todo eso se ve reflejado en sus dibujos. Personajes en apariencia agresivos, llenos de odio, podridos por dentro... pero buena gente en realidad, con los chismes y preocupaciones de cualquier persona normal. Gente de estanco. 
Personajes que parecen haber sido dibujados por una niña que todavía no sabe si está contenta o enfadada con el mundo que le rodea.Todo eso transmite el arte de Carlota, y también que físicamente es alargada como un churro.Texto de: Xavi Daura, cofundador de Venga Monjas junto a Esteban Navarro, es escritor, actor y soñador, conocido por Museo Coconut (2010), Don Pepe Popi (2012) y V/H/S Viral (2014).
The Roommates es un proyecto expositivo que se desarrolla en una habitación de un piso compartido ubicado en el barrio de Hackney (Londres).
Los artistas son invitados a intervenir en la habitación teniendo en cuenta que allí vive una persona. .(artistsarewellcome press-release)

Para visitar Roommates London escribe a: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

http://www.artistsarewelcome.com   http://www.carlotajuncosa.com.es

Imagen: Violencia de genero #8M. Carlota Juncosa

LONDRES. Oscar Tusquets Blanca “The London Art Biennale: Grand Benidorm” Chelsea Old Town Hall

29 marzo – 2 abril, 2017

El reconocido arquitecto y artista Oscar Tusquets Blanca ha sido seleccionado para formar parte de la Bienal de Arte de Londres. La Bienal se celebrará en el antiguo ayuntamiento de Chelsea. Creado por Gagliardi Art & Partners en colaboración con el Museo de Arte Chiancano, la Bienal se centra en la pintura, la escultura, el arte aplicado y el arte digital. La Bienal de Arte de Londres muestra una combinación de culturas, ideas, obras de arte y artistas de todo el mundo sin un tema principal.

Oscar Tusquets Blanca "Gran Benidorm" es una serie de pinturas que explora la arquitectura, la historia y el carácter de la ciudad, el principal destino turístico de Europa con una ferocidad vibrante. “Gran Benidorm” no es sólo un homenaje a una próspera ciudad de vacaciones, sino un testimonio de la visión y la empatía de un maestro de hoy en día.

Las obras de Oscar Tusquets serán presentadas en la Bienal del miércoles 29 de marzo al domingo 2 de abril. Al mismo tiempo, Room One, que representa Tusquets en Londres, mostrará más imágenes de "Grand Benidorm"

Nacido en Barcelona en 1941, Tusquets se graduó como arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona en 1965, y pasó a diseñar una serie de edificios notables incluyendo varias salas de exposiciones en el museo de Artes Decorativas en el Louvre, París, y recientemente, la estación de metro de Toledo en Nápoles. (London Biennale press-release)

Chelsea Old Town Hall King's Road . , SW10 0TX. London. U.K

http://www.londonbiennale.co.uk     http://www.tusquets.com

http://www.roomone.gallery

Imagen: Oscar Tusquets

LONDRES. Fran Meana “Arqueologias del Futuro” SCAN Project Room

8 marzo – 8 abril, 2017

El proyecto Arqueologias del Futuro de Fran Meana es el primer proyecto individual del artista español en Londres. Arqueologías del futuro toma como punto de partida la obra del arquitecto asturiano Joaquín Vaquero Palacios y sus pioneros diseños para las centrales hidroeléctricas de Salime, Selviella y Proaza. Construidas entre 1954 y 1965, estas icónicas obras brutalistas están cubiertas de formas geométricas y símbolos representando la energía y sus procesos de transformación.

A pesar del espíritu innovador del arquitecto, estos edificios encarnan sintomáticamente el conflicto entre el sueño utópico de una placentera relación con la naturaleza y la prevalencia del paradigma donde la tecnología industrial es usada para dominar, explotar y decimar el medio ambiente.

Usando tanto medios físicos y digitales, este continuo archivo explora el papel del trabajo y la industria como mediadores entre naturaleza y sociedad, en un momento en el que el sector esta en un proceso continuo de privatización y la irrupción del llamado ‘Impuesto del sol’ en España ha intensificado el debate sobre la gestión energética.

Fran Meana trabaja en escultura, video e instalación. Sus proyectos investigan como la materia es transformada a través de las diferentes estructuras de la industria. Se graduó (MFA)  en Bellas Artes en el Piet Zwart Institute, Rotterdam en 2012. Esta es su primera presentación individual en el Reino Unido.

Recientes proyectos y exposiciones incluyen: Future Archaeologies, Laboral, Gijón, ES (2016), 1.000 Horsepower, Can Trinxet, Hospitalet, ES (2016), Labour, Motion and Machinery, TENT, Rotterdam, NL (2015), Go with the Flow, SixtyEight, Copenhagen, DK (2015), Machines for Hardrock, Avalanche, London, UK (2015), Percussive Hunter, Akbank Sanat, Estambul, TR (2015), Feel the Discourse, Guest Projects, Londres, UK (2015) y Reasoning Well with Badly Drawn Figures, Nogueras Blanchard, Madrid, ES (2014).

 Arqueologías del futuro es el proyecto ganador del Premio LABjoven_Los Bragales, convocado conjuntamente por la Colección Los Bragales y LABoral Centro de Arte. Esta exposición está producida en colaboración con la Colección Los Bragales, LABoral Centro de Arte y patrocinada por Acción Cultural Española (AC/E). La investigación ha sido posible gracias a la colaboración de EDP que ha facilitado el acceso a su archivo y centrales. (SCAN press-release)

SCAN Project Room. 13-19 Herald Street. London E2 6JT

http://franmeana.com  http://www.scan-arte.com

Imagen: Fran Meana. Arqueologías del futuro

LONDRES. Pablo Genovés “Tides” Catedral de San Pablo

01 marzo - 30 abril, 2017

Pablo Genovés (Madrid, 1959) se convertirá en el primer artista español que expondrá en la catedral de San Pablo en Londres. Las obras mostradas, creadas específicamente para la ocasión y que se podrán contemplar a partir del 1 de marzo, se agrupan bajo el título “Tides”.

La serie está inspirada en las consecuencias del cambio climático. Genovés pone en contraste el caos desatado por la Naturaleza frente a la armonía que inspira la catedral neoclásica diseñada por Christopher Wren. Agua y niebla son las dos fuerzas ingobernables que irrumpen en el impresionante edificio londinense y que lo llevan a su destrucción.

«El agua significa vida y muerte, renacimiento y cosecha, inundaciones y sequías, mientras va fluyendo con sus mareas a través de nuestro planeta», ha afirmado el artista respecto a esta obra. El agua, un elemento fundamental en los rituales de todas las religiones, «es un tema más que apropiado para la catedral de San Pablo».

«Altar», «Cúpula» y «Nave» son las tres composiciones que forman «Tides». Pablo Genovés se formó principalmente en Londres y en Nueva York. Reside entre Berlín y Madrid y su obra se ha expuesto en casi toda España y también (individual o colectivamente) en Francia, Alemania, Reino Unido, Bélgica, Argentina, Brasil y EE.UU.

La nefasta influencia del ser humano sobre el clima y el medio ambiente ha sido retratada en diferentes ocasiones por el fotógrafo madrileño. Lo que él llama «era Antropogénica» aparece en sus collages fotográficos, a menudo hechos con imágenes históricas que él llama «imágenes rescatadas». Se trata de obras dotadas de gran dramatismo pero, a la vez, belleza.

Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca-Cola, Circa XX, Banco Espíritu Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la Solidaridad en Santiago de Chile, Colección Aena, Colección del CGAC, Colección Comunidad Autónoma de Murcia, Colección Aperture Foundation de Nueva York.

Seleccionado para este encargo por el Comité Artístico de la catedral de San Pablo, su obra llega a un recinto en el que le han precedido creadores de relevancia internacional como Bill ViolaAntony Gormley o Yoko Ono. La serie viajará a continuación a otras catedrales del mundo. (Metalocus press-release)

The Chapter House, St Paul's Churchyard, London, . EC4M 8AD

pablogenoves.com  stpauls.co.uk

Imagen: Pablo Genovés

LONDRES. Andrés Jaque y Ana López “Fear and Love: Reactions to a complex world” The Design Museum Kensington

24 noviembre 2016 – 23 abril 2017

'Fear and Love: Reactions to a complex world'  (Miedo y el amor: Reacciones a un mundo complejo)  es una exposición del nuevo Museo del Diseño de Londres. Consiste en once nuevas comisiones realizadas por algunos de los profesionales más innovadores del diseño y la arquitectura. Cada comisión tiene la intención de ser una poderosa declaración sobre el potencial del diseño hoy en día. La muestra pretende ser  una exposición que presente las posiciones de vanguardia que definen nuestro tiempo. Entre los creadores están el diseñador de moda con sede en Londres Hussein Chalayan, el estudio de arquitectura OMA, fundada por Rem Koolhaas, el director artístico de Muji, Kenya Hara, y los españoles, con el apoyo de AC/E, Andrés Jaque y Ana López. Las once instalaciones exploran una variedad de temas que definen nuestro tiempo, desde la protección del medio ambiente a la cultura de la red y los robots sensibles. La exposición ilustra un diseño profundamente conectado no sólo con el comercio y la cultura sino con problemas subyacentes urgentes; temas que inspiran miedo y amor. Esta es una exposición multidisciplinar que tiene como objetivo captar el estado de ánimo actual y establecer el museo del diseño como un espacio de debate. (AC/E press-release)

The Design Museum Kensington. 224 - 238 Kensington High Street. London

https://designmuseum.org/exhibitions/future-exhibitions/fear-and-love   http://andresjaque.net

Imagen:'Fear and Love: Reactions to a complex world' The Design Museum Kensington

LONDRES. Jaume Plensa “Laura” Sculpture in the City. St. Mary Axe

hasta el 1 mayo, 2017

Ahora en su sexto año, Sculpture in the City vuelve al Square Mile londinense con obras contemporáneas de artistas de renombre internacional.

Dieciséis obras de arte en 19 lugares distintos que van desde una cabeza de hierro fundido de siete metros de altura, a una serie de cadenas de papel de plomo delicados y lúdicos emplazados cuidadosamente entre los monumentos arquitectónicos más emblemáticos de Londres como el Gherkin o el Cheesegrater. Pasear por espacios públicos de la Ciudad y tropezar con el arte público internacional en un espacio urbano reconocido en todo el mundo.

"Laura" (2013) es parte de retratos de Jaume Plensa. Cada escultura se inspira en  el modelo particular de una joven, cuya imagen se elabora como símbolo universal de los sueños. Parte del proceso de su técnica es fotográfico. La esencia de la fotografía, un momento que se detecta en un tiempo, contrasta con el volumen arquitectónico de la forma final.

“Laura” se sitúa entre la infancia y la condición de mujer naciente, que personifica un futuro individual y simboliza el futuro de la humanidad. Cuando el espectador ve por primera vez a Laura, su silueta se recorta sobre su entorno, pero cuando el espectador se acerca Laura parece cambiar su orientación. El juego de la forma y la percepción y un deslizamiento entre el volumen y la imagen son parte de las grandes contribuciones de Jaume Plensa a la escultura postmoderna.

Artistas Sculpture in the City 2016: Anthony Caro, Benedetto Pietromarchi, Enrico David, Gavin Turk, Giuseppe Penone, Huma Bhabha, Jaume Plensa, Jürgen artenheimer, Lizi Sánchez, Mat Collishaw, Michael Lyons, Recycle Group, Sarah Lucas, Shan Hur, Ugo Rondinone, William Kentridge & Gerhard Marx. (Sculpture in the City press-release)

Sculpture in the City. St. Mary Axe Gherkin

Imagen: Copyright the artist; Courtesy Galerie Lelong; Photograph by Nick Turpin

http://jaumeplensa.com   http://www.cityoflondon.gov.uk/things-to-do/visit-the-city/art-architecture/sculpture-in-the-city