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LONDRES. Juan Miguel Palacios “Woundes” Lazarides Rathbone Gallery

23 junio – 22 julio, 2017

Lazarides se complace en presentar "Wounded" (Heridos), la primera exposición individual de Juan Miguel Palacios en Londres.

"Siempre me ha fascinado el rostro humano y su lenguaje gestual por su carácter comunicativo y su belleza. Una cara puede transmitir tantas emociones diferentes con sólo una pequeña modificación de las características faciales y esto es lo que quiero explorar a través de mis obras . Un denominador común de las grandes ciudades en las que vivimos, como Nueva York o Londres, es la diversidad racial y cultural. Ciudades dinámicas, llenas de vida que atraen y dan la bienvenida a millones de personas diferentes. Ciudades fascinantes, que ofrecen todo tipo de comodidades, lujos y placeres que al mismo tiempo pueden ser extremadamente individualistas y solitarias donde muy pocas personas logran realizar sus sueños.

Una amalgama de rostros aparentemente felices y dichosos que después de una inspección más cercana revelan una expresión de fatiga y dolor, como resultado de las experiencias diarias. Identifico todas estas experiencias de vida como "heridas" y son estas "heridas" las que inevitablemente dejan marca en nuestras caras. Este fue el punto de partida para las obras de esta serie y la exposición es una investigación de estas diferentes emociones a través de los gestos.

De una manera metafórica, utilizo el rostro ambiguo de una mujer, en el que el placer y el dolor se mezclan en un solo gesto, generando un sentimiento de incertidumbre. He intentado investigar más lejos buscando nuevas maneras de la representación, utilizo un drywall y un vinilo transparente, substituyendo el lienzo tradicional. Golpeo y quemo la capa de yeso hasta que se rompe, como sinónimo de todas aquellas experiencias que nos marcan y configuran nuestras expresiones. El vinilo transparente es un sinónimo de identidad, donde represento diferentes gestos faciales y por su transparencia nos permite ver su interior ". (lazarides press-release)

Lazarides • 11 Rathbone Place • London • W1

http://www.juanmiguelpalacios.comhttp://www.lazinc.com

Imagen: Woundes” Juan Miguel Palacios

 

LONDRES. Marco Godoy "Tenemos el peso, Tenemos las medidas" Copperfield Gallery

1 junio - 29 julio, 2017


La galería Copperfield, Londres tiene el placer de presentar Tenemos el peso, tenemos las medidas, en relación sobre las actividades aparentemente amables de la cultura y la enseñanza y las afirmaciones de la geografía.
Esta muestra colectiva presenta una nueva instalación del artista madrileño Marco Godoy(1986), centrada en la calidad ornamental de cercas y dispositivos concebidos para dividir tierras y territorios. La exposición también incluye obras de Oscar Santillán (Ecuador, 1980), Daniel de Paula (USA / Brasil, 1987), Ewa Axelrad (Polonia, 1984) y Ella Littwitz (Israel, 1984).
Desde los albores de la civilización, los seres humanos han intentado delinear y reclamar el territorio, pero en la historia más reciente estas afirmaciones se han extendido más allá de la tierra y el agua hasta el espacio aéreo, el espacio galáctico y hasta las lunas y los planetas.
Hay una cierta agresión implícita en el acto de reclamar cualquier cosa y, sin embargo, la historia contiene algunos ejemplos sorprendentes de la forma en que este proceso está enmascarado. Un ejemplo temprano fue la reivindicación de lo que ahora es Brasil por parte de los portugueses: no con la amenaza de la fuerza militar sino basándose en podrían mapear y navegar la tierra y las aguas circundantes. Saber dónde estás en términos inmediatos no es suficiente, la gobernabilidad requiere una mayor supervisión cuantificable respaldada por el aprendizaje. Algunos de los casos más conocidos de desplazamiento de las culturas indígenas en Australia, América, Nueva Zelanda y África hacen eco del mismo principio, del mismo intento de justificación que necesitaban "cultivar".

A través de esta propuesta las esculturas e instalaciones expuestas llaman la atención sobre la trayectoria actual de este tipo de comportamiento que a menudo escondido a simple vista. (Copperfield Gallery press-release)

Copperfield Gallery. 6 Copperfield Street. London SE1

http://www.copperfieldgallery.comhttp://www.marcogodoy.com

Image: Marco Godoy, Ornaments. From the series Good fences make good neighbors, 2017. Dimensions variable

LONDRES. Sonia Navarro , Miguel Fructuoso y FOD “STROIM” SCAN Project Room

1 junio -  1 julio, 2017 

SCAN y T20 se complacen en anunciar la inauguración de STROIM, un proyecto con obras de Sonia Navarro, Miguel Fructuoso y FOD.

SCAN recibe por primera vez a una galería española en su espacio de proyectos de Londres, abriendo las puertas a posibles colaboraciones con otras galerías españolas para la realización de proyectos en el Reino Unido, fuera del contexto de ferias

STROIM  cuenta con obras de tres artistas que aunque con lenguajes distintos crean un diálogo común en base a arquitectura y memoria. La construcción, Stroim en ruso, es la base de este proyecto desde una mirada crítica a la vanguardia en la que se genera y desarrolla el trabajo de los tres artistas. Artistas: Sonia Navarro, Miguel Fructuoso y FOD. (SCAN press-release)

SCAN Project Room 13-19 Herald Street, London E2 6JT

http://galeriat20.com  http://www.scan-arte.com

Imagen: SCAN

LONDRES. Rosana Antolí “My East Ballad: The One, The Teeth and the Circle” The RYDER

3 junio – 1 julio, 2017

En la exposición individual de Rosana Antolí 'My East Ballad: The One, The Teeth and the Circle' en The RYDER, la artista presentará una instalación y una performance específicas para el sitio que sumergirá al público en las actividades cotidianas y los movimientos del barrio de la galería , Bethnal Green. Tomando como punto de partida la actividad cotidiana, ritmos y gestos de las personas que viven en la zona, la artista transformará y abstraerá la esencia de estos movimientos en formas geométricas, sonidos y acciones, formas metálicas flotando en el espacio, esculturas suspendidas y geométricas colgadas desde el techo, y un intérprete en una performance armónica con el sonido y el video proyectado en la pared posterior.

Colaborando con los músicos experimentales y psicodélicos Tomaga, así como con la crítica de arte e intérprete Sarah Kent, Antolí compondrá un retrato abstracto de las actividades y ritmos cotidianos del barrio basado en una extensa investigación e interacciones reiteradas con las personas que viven en la zona. Siguiendo la teoría de la armonía del espacio de Laban y la coreografía, su práctica tiene como objetivo crear coreografías alternativas donde la repetición, la narración y el gesto se utilizan para explorar nuestros movimientos más intrínsecos e inconscientes. El carácter utópico es central en su práctica y, en consecuencia, el absurdo y el fracaso de estas acciones.

Durante el tiempo de la exposición, dos performances en directo tendrán lugar en la galería. En la jornada inaugural de la exposición, 2 de junio, 6-8pm -, así como en el último día de la exposición y coincidiendo con el programa de la Galería Whitechapel Noche de Arte, 1 de julio, 7-9pm, la artista presentará dos performances que Funcionará como una narrativa ficticia que explora los movimientos cotidianos y los ritmos del barrio de East London, Bethnal Green.

Rosana Antolí (Alcoy 1981) vive y trabaja en Londres. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y actualmente cursando el Master en Performance por el Royal College of Art de Londres. Su trabajo está representado tanto nacional como internacionalmente. Ha expuesto en los últimos años en instituciones y museos como el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y CEART en Madrid, el Museo DA2 de Salamanca, Local Projects en Nueva York, Casal Solleric en Palma, Museo del Carmen en Valencia, entre otros. Ha participado en festivales como Buzzcut Performance Festival en Glasgow o Friktioner Performance Festival en Suecia. Entre los apoyos que ha recibido destacan los premios EAC Encuentros de Arte Contemporáneo del Museo de Alicante, CCEC Residencias AECID en Argentina y dos becas de Pilar Juncosa y Sotheby’s. (The RYDER press-release)

The RYDER, 19a Herald Street . London, E2 6JT United Kingdom

http://www.theryderprojects.com/   www.rosanaantoli.com

Imagen: Rosana Antolí

LONDRES. “Balenciaga: Shaping Fashion” Victoria and Albert Museum

27 mayo – 18 febrero, 2018

Conocido como "El Maestro" de la alta costura, Cristóbal Balenciaga fue uno de los diseñadores de moda más innovadores e influyentes del siglo pasado. Su exquisita artesanía y el uso innovador de los tejidos revolucionaron la silueta femenina

Balenciaga: Shaping Fashion es la primera exposición del Reino Unido en explorar el trabajo y el legado del couturier español, mostrando más de 100 prendas y sombreros elaborados por Balenciaga y sus seguidores, diseñadores contemporáneos que trabajan de la misma manera innovadora hoy. La exposición examina la obra de Balenciaga de los años cincuenta y sesenta, quizá el período más creativo de su carrera, cuando vestía a algunas de las mujeres más renombradas de la época y fue reverenciado por sus contemporáneos, entre ellos Christian Dior y Coco Chanel.

La exposición presenta ejemplos de las formas revolucionarias de Balenciaga en este período: la túnica, el saco, la muñeca y una variedad de vestidos con un estilo que perdura hasta el día de hoy. Otras piezas destacables son los conjuntos de Balenciaga para la actriz de Hollywood Ava Gardner, vestidos y sombreros pertenecientes a la alta sociedad como Gloria Guinness, icono de la moda de los años 60, piezas de una de las mujeres más ricas del mundo, Mona von Bismarck y pantalones cortos del couturier.

La segunda parte de la exposición explora el impacto duradero de Balenciaga, trazando su influencia a través del trabajo de más de 30 diseñadores de moda a lo largo de los últimos 50 años. Piezas diseñadas por los ex-aprendices de Balenciaga, André Courrèges y Emanuel Ungaro, demuestran una estética minimalista de firma, recientemente renovada por Phoebe Philo para Celine y en las fuertes líneas de J.W. Anderson. El perfeccionismo de Balenciaga y la atención al detalle se reflejan en la obra de Hubert de Givenchy y Erdem. Su patrón de corte y exploraciones con el volumen se puede ver en el trabajo de Molly Goddard y Demna Gvasalia, mientras que su uso creativo de nuevos materiales se hace referencia en la obra del ex director de creatividad Balenciaga Nicolas Ghesquière.

El V & A tiene la colección más grande de Balenciaga en el Reino Unido, iniciada en la década de 1970 por el fotógrafo Cecil Beaton, viejo amigo de Balenciaga. Balenciaga: Shaping Fashion marca el centenario de la inauguración de la primera casa de moda de Balenciaga en San Sebastián, y el 80 aniversario de la apertura de su famosa casa de moda en París. (V&A press-release)

Victoria and Albert Museum. Cromwell Road, London SW7 2RL

https://www.vam.ac.uk

Imagen: Sombrero de seda espiral, Balenciaga para Eisa, 1962, España. Museum no. T.146-1998. © Victoria and Albert Museum, London

LONDRES. Pablo Genovés “Tides” Catedral de San Pablo

01 marzo - 30 agosto, 2017

Pablo Genovés (Madrid, 1959) se convertirá en el primer artista español que expondrá en la catedral de San Pablo en Londres. Las obras mostradas, creadas específicamente para la ocasión y que se podrán contemplar a partir del 1 de marzo, se agrupan bajo el título “Tides”.

La serie está inspirada en las consecuencias del cambio climático. Genovés pone en contraste el caos desatado por la Naturaleza frente a la armonía que inspira la catedral neoclásica diseñada por Christopher Wren. Agua y niebla son las dos fuerzas ingobernables que irrumpen en el impresionante edificio londinense y que lo llevan a su destrucción.

«El agua significa vida y muerte, renacimiento y cosecha, inundaciones y sequías, mientras va fluyendo con sus mareas a través de nuestro planeta», ha afirmado el artista respecto a esta obra. El agua, un elemento fundamental en los rituales de todas las religiones, «es un tema más que apropiado para la catedral de San Pablo».

«Altar», «Cúpula» y «Nave» son las tres composiciones que forman «Tides». Pablo Genovés se formó principalmente en Londres y en Nueva York. Reside entre Berlín y Madrid y su obra se ha expuesto en casi toda España y también (individual o colectivamente) en Francia, Alemania, Reino Unido, Bélgica, Argentina, Brasil y EE.UU.

La nefasta influencia del ser humano sobre el clima y el medio ambiente ha sido retratada en diferentes ocasiones por el fotógrafo madrileño. Lo que él llama «era Antropogénica» aparece en sus collages fotográficos, a menudo hechos con imágenes históricas que él llama «imágenes rescatadas». Se trata de obras dotadas de gran dramatismo pero, a la vez, belleza.

Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca-Cola, Circa XX, Banco Espíritu Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la Solidaridad en Santiago de Chile, Colección Aena, Colección del CGAC, Colección Comunidad Autónoma de Murcia, Colección Aperture Foundation de Nueva York.

Seleccionado para este encargo por el Comité Artístico de la catedral de San Pablo, su obra llega a un recinto en el que le han precedido creadores de relevancia internacional como Bill ViolaAntony Gormley o Yoko Ono. La serie viajará a continuación a otras catedrales del mundo. (Metalocus press-release)

The Chapter House, St Paul's Churchyard, London, . EC4M 8AD

pablogenoves.com  stpauls.co.uk

Imagen: Pablo Genovés