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PARIS. Dora García “Écrits” Michel Rein Gallery

25 marzo – 13 mayo, 2017

Michel Rein tiene el placer de presentar “Écrits”, la quinta exposición de Dora García en la galería. George Steiner no podía leer un libro sin un lápiz en la mano. En una entrevista en el periódico español EL PAIS, bromeó al responder a la pregunta sobre el significado de la cultura judía en su obra: "Un judío es un hombre que al leer un libro lo hace con un lápiz en la mano porque Él está seguro de que puede escribir de nuevo el mismo libro, mucho mejor". Un experto en escribir libros de nuevo, Jorge Luis Borges, manifestó que tal calidad (la lectura como reescritura) no es exclusiva de los lectores judíos. El argumento de Borges es que los lectores argentinos y sudamericanos, como los judíos o los irlandeses, tienen una relación especial con la tradición occidental (la lectura), porque si bien forman parte indiscutible de ella, también se sienten extraños, periféricos, marginales y, por lo tanto, Por devoción: pueden escribir sobre esa tradición, pueden volver a escribirla, para ellos esa tradición no es sagrada, más bien lo contrario.
En esta exposición, "Écrits" continua una investigación que la llevó de Joyce (Joyce Society, 2013) a Freud / Lacan (The Sinthome Score, 2015) y desde allí ... al autor argentino Oscar Masotta (1930-1979), lector , escritor, happenista y presentador de la obra de Jacques Lacan en el mundo de habla hispana (los famosos Lacano-americanos) Oscar Masotta es la figura vinculante de un gran proyecto cinematográfico y de performance, "Segunda Vez ", que se estrenará en la exposición el primer capítulo," Segunda vez ", un cortometraje inspirado en el cuento corto de Cortázar del mismo título, una de las narraciones más sutiles del clima político y social de la Argentina en los años 1976 a 1983. Este primer capítulo presenta los dos temas principales de la exposición: la idea de la repetición como elemento central del arte, la política y el psicoanálisis y la idea del sujeto como una entidad elástica un diafragma en relación con los demás.

Dora Garcia (1965 vive y trabaja en Barcelona) actualmente expone su obra  en Villa d'Arson, Niza, Francia. Es también codirectora de los Laboratoires d'Aubervilliers desde 2013. Sus obras están representadas en numerosas colecciones privadas e instituciones internacionales: Fundación La Caixa, Barcelona, ​​España / Fundación Hanry Art, Seattle, USA / Fundación Kadist, París , Francia / MACBA, Barcelona, ​​España / CNAP, París, Francia / San Francisco MoMa, San Francisco, Estados Unidos / FRAC Ile-de-France, París, Francia. Se exhibió en todo el mundo durante la última década, incluyendo el Centre d'arts visuels, Montreal, Canadá / Punkt Ø, Moss, Noruega / MAC Grand Hornu, Hornu, Bélgica / MUSAC, León, España / MUDAM, Luxemburgo / Tate Modern, Londres , UK / MACBA Capilla, Barcelona, ​​España y el FRAC Île-de-France, París, Francia. Representó a España en la 54ª Bienal de Venecia en 2011. (Michel Rein press-release)

Michel Rein Paris. 42 rue de Turenne. 75003 Paris

http://michelrein.com  http://doragarcia.net

Imagen: Dora García

 

PARIS. “Picasso Primitivo” Musée du Quai Branly

28 marzo - 23 julio, 2017

¿Cuál fue el vínculo de Picasso con el arte no occidental? Abordado en varias ocasiones, el tema fue, sin embargo, eludido durante mucho tiempo por el artista. Análisis de una relación construida sobre la admiración, el respeto y el temor

«¿El arte negro? Nunca oí hablar de él. » Con esta y otras provocativas respuestas, el pintor, escultor y dibujante andaluz de esforzó por negar su relación con el arte extraeuropeo. Sin embargo, como lo demuestra su colección personal, el arte de África, de Oceanía, de América y de Asia siempre lo acompañó en sus muchos talleres. Lo demuestran los documentos, cartas, objetos y fotografías reunidas en la primera parte de la exposición, trazando en un recorrido cronológico, los intereses y curiosidades del artista frente a la creación no occidental.

En una segunda parte más conceptual, Picasso Primitivo propone una comparación entre las obras del Andaluz y las de artistas no occidentales, apoyándose más en una antropología del arte que en la constatación de relaciones estéticas. La comparación resultante revela los cuestionamientos similares a los cuales debieron responder los artistas (las problemáticas de la desnudez, de la sexualidad, de las pulsiones o de la pérdida) mediante soluciones plásticas paralelas (la deformación o la desestructuración de los cuerpos, por ejemplo). En este sentido, lo primitivo no se percibe como un estado de no-desarrollo, sino como un acceso a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano. Exposición organizada por el musée du quai Branly - Jacques Chirac, en colaboración con el Musée national Picasso-Paris.(Musée du Quai Branly press-release)

Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. 37 Quai Branly. 75007 Paris

http://www.quaibranly.fr

Imagen: affiche exposition “Picasso Primitif” Musée du Quai Branly

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

PARIS. Cristobal Balenciaga “Balenciaga, l'oeuvre au noir” Museo Bourdelle

8 marzo – 16 julio, 2017

El Palais Galliera rinde homenaje al modisto Cristóbal Balenciaga (1865-1972) con una exposición en el Museo Bourdelle titulada: Balenciaga, l'oeuvre au noir. La exposición profundiza en los tonos negros de un alquimista de la alta costura: variaciones del negro repetidas en más de un centenar de piezas de las colecciones Galliera y los archivos de la Maison Balenciaga. Esta exposición inaugura la temporada española del Palacio Galliera, que continuará con los Trajes españoles entre sombra y luz en la Maison Victor Hugo (del 21 de junio al 24 de septiembre de 2017) y terminará con Mariano Fortuny en el Palais Galliera (4 de octubre de 2017 - 7 de enero de 2018).

En homenaje a Cristóbal Balenciaga (1895-1972), el modisto de modistos, la exposición en el Museo Bourdelle profundiza en el color negro como motivo de Balenciaga: la espina dorsal de su obra que se inspiró en el folclore y las tradiciones de su infancia española. El negro era el color preferido de un sastre excepcionalmente hábil. El negro era una influencia monástica  del maestro, de quien Dior dijo una vez: "La ropa era su religión". Balenciaga veía el negro como una materia vibrante, ya sea opaca o transparente, mate o brillante, un juego deslumbrante de luz, que se debe tanto a la calidad lujosa de los tejidos como a la aparente simplicidad del corte. Cada pieza es magnífica, la ropa de día a los vestidos de coctel y suntuosos trajes de noche forrados en tafetán de seda, bordados con franjas, decorados con cintas de satén, perlas, lentejuelas ... más de cien creaciones de alta costura en negro pertenecientes a los  tesoros de las colecciones Galliera y Maison Balenciaga.

La exposición se encuentra en el Musée Bourdelle, donde las esculturas reflejan el puro efecto escultórico de las impresionantes creaciones de Cristóbal Balenciaga. Comisaria: Véronique Belloir, (Palais Galliera press-release)

Musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle. 75015 Paris

http://www.palaisgalliera.paris.fr http://www.bourdelle.paris.fr

Imagen: Balenciaga, Black crepe dress, 1964 (back view). Collection Palais Galliera - © E. Emo et A. Llaurency / Galliera / Roger-Viollet

PARIS. Josep Guinovart “Nada es mezquino. Guinovart y los poetas” Centre d’Etudes Catalanes. La Sorbona

23 febrero - 30 marzo 2017

La exposición, comisariada por Manuel Guerrero, reúne un conjunto de obras que son testigo del protagonismo del arte poética en la trayectoria plástica de Josep Guinovart. El artista, que estuvo vinculado a Dau al Set en la década de los años 40 y 50, siempre manifestó su admiración por Lorca, que fue el autor que le hizo descubrir la fuerza de la imagen y del lenguaje poético .

El otro autor decisivo en la obra de Guinovart es Joan Salvat-Papasseit. El compromiso social del poeta y la lírica vanguardista ya la vez popular de Salvat-Papasseit enlazaban completamente con la obra plástica, directa y sobrecogedora, de Guinovart. Las ilustraciones para la edición de la obra poética de Salvat-Papasseit 1962 fueron emblemáticas para la resistencia cultural del catalanismo progresista del momento.

Las creaciones que conforman la exposición proceden de la colección de la Fundación Privada EspaiGuinovart, de Agramunt, y del Centro de Obra Gráfica Josep Guinovart, de Barcelona. La muestra forma parte del programa de exposiciones itinerantes del Departamento de Cultura de la Generalidad de Cataluña. (I.Ramón Llull press-release)

Centre d’Etudes Catalanes. 9, rue Sainte-Croix de la Bretonnerie . 75004 Paris

http://www.paris-sorbonne.fr/centre-d-etudes-catalanes

Imagen: 'Homenatge a Màrius Torres' (1998-2000) /Josep Guinovart