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PARIS. “París / Madrid / Lisboa, de Miguel Galano” Instituto Cervantes

8 junio – 28 julio, 2017

Miguel Galano (Tapia de Casariego, Asturias, 1956) se ha ido convirtiendo en uno de los grandes de nuestra pintura. Creador profundamente enraizado en su región, Galano ha sido capaz de, a partir de ella, interrogarse sobre otras tierras. Sus viajes europeos lo han llevado a pintar calles, plazas, jardines, iglesias, cementerios, un poco por todo el continente. El Instituto Cervantes presenta la exposición "París/Madrid/Lisboa", centrada en su relación con tres de las ciudades que han retenido su atención como pintor: Madrid, donde realizó sus estudios de Bellas Artes, Lisboa que fue la primera ciudad extranjera que pisó, en la época en que por razones de trabajo residía en Extremadura, y la propia capital francesa.

Según Juan Manuel Bonet “es la de Galano una pintura septentrional, en grises y blancos, que habla del mundo en torno y que profundiza en su esencia; una pintura intemporal, contemplativa, emocionante y verdadera como pocas". 
El 8 de junio tendrá lugar la inauguración de la exposición con la participación del artista, Miguel Galano y Juan Manuel Bonet, director del Instituto Cervantes, en presencia de Vicente Domínguez, vice-consejero de cultura y educación del Principado de Asturias. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes 7, Rue Quentin Bauchart. 75008 París(FRANCIA)

http://paris.cervantes.es

Imagen: Miguel Galano

PARIS. Pilar Albarracín “Anatomía flamenca” Galería Vallois

09 junio -  22 julio, 2017

"Pilar Albarracín es una artista significativa de la escena española contemporánea que nació en Sevilla en 1968.

Con un sentido cáustico del humor, Pilar disfruta desviando clichés de la cultura pop de una manera tan trágica y cómica que no podemos dejar de preguntarnos sobre el papel que desempeñan las mujeres en las esferas personal, social y política.

Realizando mil mujeres por su cuenta, desde una flamenca hasta una ama de casa, la artista ofrece a los espectadores una alegre catarsis a través de sus escenarios y actuaciones, negándoles la tentación de deslizarse en clichés ingenuos propios de políticas conservadoras, populistas y fascistas, Nuestra imaginación colectiva.

En la sala de proyectos de la galería Georges-Philippe & Nathalie Vallois, presenta cuatro nuevas fotos de la serie Anatomía flamenca inspiradas en su proyecto de performance Le Duende Volé realizado en 2012 en el Festival Mont-de-Marsan.

Del latín "dominus", que se traduce como "dueño" en español, el concepto de duende existe en la cultura popular española a través del cante flamenco y lascorrida de toros. En una metáfora poética, el duende vive en el interior y conecta carne y deseo. En el flamenco cobra vida a través del habla y los gestos, pero se extiende a todos los campos artísticos cuando se trata de hacer la diferencia entre la verdadera inspiración y el engaño. El poeta Federico García Lorca dedica series de conferencias a esta noción, considerando que el duende surge de la lucha entre el cuerpo y otro que vive en el interior. Atreverse a exponer la genuina relación del arte con el duende para despertar y entablar una lucha con él. La lógica y el sentido común se desintegran dando lugar al erotismo que posee la frescura de las cosas recién creadas" Valentine Meyer

Como muchas de las obras de Albarracín, la serie de fotos titulada Anatomía flamenca está formada por parodias catárticas y tragicomedias. Cada uno de ellos (Seguiriya para un esqueleto, Vísceras por tanguillos, Fandangos por venas y arterias, Soleá por músculos) presenta a la artista realizando algunos movimientos de baile burlesco donde el erotismo se encuentra con la muerte, o donde los malos comportamientos que llevan a la libertad son llevados a extremos. Junto con el icónico video, Lunares (2004). (Vallois gallery press-release)

Vallois  gallery. 36, rue de Seine. 75006 Paris — FR

http://www.galerie-vallois.com  http://www.pilaralbarracin.com

Imagen: “Vísceras por tanguillos” Pilar Albarracin

PARIS. Esther Ferrer, Daniela Ortiz & Xose Quiroga "Tous, des sangs-melés". MACVAL, Vitry-sur-Seine

21 abril – 03 septiembre, 2017

La exposición colectiva "Tous, des sang-mêlés" gira en torno a la cuestión universal y candente de la identidad cultural. Esta propuesta original se hace eco de los proyectos curatoriales anteriores llevados a cabo por el MAC VAL durante los últimos años.

En sintonía con la actualidad global, esta exposición explora la noción de identidad cultural a través de diversas visiones y experiencias artísticas: ¿cuál es nuestro denominador común? ¿Cómo construimos una cultura compartida a pesar de nuestros orígenes cada vez más diversos? Esos son algunos de los problemas globales actuales. Bajo el co-patrocinio del historiador francés Lucien Febvre y su libro We are all mixed-bloods: un manual sobre la historia de la civilización francesa (1950) y el de Stuart Hall, padre fundador de los Cultural Studies, esta exposición realza el concepto de identidad cultural.

A través de la voz de unos sesenta artistas internacionales y alrededor de cien obras de arte, la exposición investiga temas de identidad cultural, nacional y sexual. Todas ellas giran alrededor de la noción de ser, y sin embargo, algunas son obvias, otras plantean, a menudo, debates apasionados, siempre políticos , y otras, recuerdos del pasado, la sensibilidad, las experiencias y la existencia misma, desde el instinto de supervivencia hasta la noción de estar viviendo juntos.

Nacida en 1937 en San Sebastián, Esther Ferrerha vivido y trabajado en París desde 1970. En 1999, representó a Francia en la Bienal de Venecia.
En 1967, Ferrer se unió a ZAJ, un grupo fundado en 1964 por Raymond Barce, Walter Marchetti y Juan Hidalgo. Ferrer siguió siendo un miembro fiel hasta la disolución del grupo en 1997. ZAJ se fundó durante la dictadura franquista y estaba influenciado por la obra de John Cage, Marcel Duchamp, y el movimiento Fluxus. Sus miembros eran partidarios de actuaciones radicales y experimentales en los que la música jugaba un papel importante. Ya sea en colaboración con ZAJ o en sus actividades más personales, Esther Ferrer figura emblemática de la performance, el medio sobre el cual la mayor parte de su trabajo se basa, pero también crea fotografías reelaboradas, vídeos, instalaciones, modelos y objetos. Estas obras están siempre marcadas con un espíritu minimalista y un rigor extremo. estherferrer.fr  

Daniela Ortiz  investiga cómo la raza, la clase, la nacionalidad, el género y la etnicidad se relacionan con las historias coloniales y la migración contemporánea, particularmente considerando la conexión entre las estructuras de poder, la identidad, las narrativas eurocéntricas y la subalternidad. Sus proyectos abordan la articulación de leyes hegemónicas, éticas, ideologías y moralidades con la subjetividad personal y la conciencia colectiva, y toman la forma de conferencias, fotografías e instalaciones. Colabora generalmente con las personas que participan en sus obras, empleando tácticas asociadas con el activismo. Su práctica busca provocar la transformación, centrándose en el valor de uso del arte. daniela-ortiz.com

Xose Quiroga(Ourense, 1979) es licenciado en Derecho y técnico superior en fotografía. Su trabajo pretende generar espacios de tensión donde se exploran los conceptos de raza, clase social, nacionalidad y género para mostrar el comportamiento social como una estructura basada en la inclusión y la exclusión. xosequiroga.com(MA VAL press-release)

MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. Place de la Libération
CS10022 . 94407 Vitry-sur-Seine. Paris.  http://www.macval.fr  

Imagen: Esther Ferrer

PARIS. “Picasso Primitivo” Musée du Quai Branly

28 marzo - 23 julio, 2017

¿Cuál fue el vínculo de Picasso con el arte no occidental? Abordado en varias ocasiones, el tema fue, sin embargo, eludido durante mucho tiempo por el artista. Análisis de una relación construida sobre la admiración, el respeto y el temor

«¿El arte negro? Nunca oí hablar de él. » Con esta y otras provocativas respuestas, el pintor, escultor y dibujante andaluz de esforzó por negar su relación con el arte extraeuropeo. Sin embargo, como lo demuestra su colección personal, el arte de África, de Oceanía, de América y de Asia siempre lo acompañó en sus muchos talleres. Lo demuestran los documentos, cartas, objetos y fotografías reunidas en la primera parte de la exposición, trazando en un recorrido cronológico, los intereses y curiosidades del artista frente a la creación no occidental.

En una segunda parte más conceptual, Picasso Primitivo propone una comparación entre las obras del Andaluz y las de artistas no occidentales, apoyándose más en una antropología del arte que en la constatación de relaciones estéticas. La comparación resultante revela los cuestionamientos similares a los cuales debieron responder los artistas (las problemáticas de la desnudez, de la sexualidad, de las pulsiones o de la pérdida) mediante soluciones plásticas paralelas (la deformación o la desestructuración de los cuerpos, por ejemplo). En este sentido, lo primitivo no se percibe como un estado de no-desarrollo, sino como un acceso a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano. Exposición organizada por el musée du quai Branly - Jacques Chirac, en colaboración con el Musée national Picasso-Paris.(Musée du Quai Branly press-release)

Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. 37 Quai Branly. 75007 Paris

http://www.quaibranly.fr

Imagen: affiche exposition “Picasso Primitif” Musée du Quai Branly

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

PARIS. Cristobal Balenciaga “Balenciaga, l'oeuvre au noir” Museo Bourdelle

8 marzo – 16 julio, 2017

El Palais Galliera rinde homenaje al modisto Cristóbal Balenciaga (1865-1972) con una exposición en el Museo Bourdelle titulada: Balenciaga, l'oeuvre au noir. La exposición profundiza en los tonos negros de un alquimista de la alta costura: variaciones del negro repetidas en más de un centenar de piezas de las colecciones Galliera y los archivos de la Maison Balenciaga. Esta exposición inaugura la temporada española del Palacio Galliera, que continuará con los Trajes españoles entre sombra y luz en la Maison Victor Hugo (del 21 de junio al 24 de septiembre de 2017) y terminará con Mariano Fortuny en el Palais Galliera (4 de octubre de 2017 - 7 de enero de 2018).

En homenaje a Cristóbal Balenciaga (1895-1972), el modisto de modistos, la exposición en el Museo Bourdelle profundiza en el color negro como motivo de Balenciaga: la espina dorsal de su obra que se inspiró en el folclore y las tradiciones de su infancia española. El negro era el color preferido de un sastre excepcionalmente hábil. El negro era una influencia monástica  del maestro, de quien Dior dijo una vez: "La ropa era su religión". Balenciaga veía el negro como una materia vibrante, ya sea opaca o transparente, mate o brillante, un juego deslumbrante de luz, que se debe tanto a la calidad lujosa de los tejidos como a la aparente simplicidad del corte. Cada pieza es magnífica, la ropa de día a los vestidos de coctel y suntuosos trajes de noche forrados en tafetán de seda, bordados con franjas, decorados con cintas de satén, perlas, lentejuelas ... más de cien creaciones de alta costura en negro pertenecientes a los  tesoros de las colecciones Galliera y Maison Balenciaga.

La exposición se encuentra en el Musée Bourdelle, donde las esculturas reflejan el puro efecto escultórico de las impresionantes creaciones de Cristóbal Balenciaga. Comisaria: Véronique Belloir, (Palais Galliera press-release)

Musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle. 75015 Paris

http://www.palaisgalliera.paris.fr http://www.bourdelle.paris.fr

Imagen: Balenciaga, Black crepe dress, 1964 (back view). Collection Palais Galliera - © E. Emo et A. Llaurency / Galliera / Roger-Viollet